Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Sentir el arte: afecciones y sensaciones en conversación

Sandra Sánchez y Antonia González Alarcón

By way of correspondence, artist Antonia González Alarcón and art critic Sandra Sánchez share their views on the possibility of approaching artistic practice and the act of looking that mediates knowledge from affections.

A manera de correspondencias, la artista Antonia González Alarcón y la crítica de arte Sandra Sánchez comparten sobre las posibilidades de abordar la práctica artística y el acto de mirar como mediadores de conocimiento desde los afectos.

Sandra Sánchez, Acto de escritura 2, 2020. Image courtesy of the artist

Feeling art: affections and sensations in conversation

Hi, Antonia.

I write these words to try to get the conversation going. I feel that this text, which is still private, already has a public feel to it, which makes it even more complicated to get started. So, if you’ll allow me, I’m going to tell our (so far) hypothetical readers what it’s all about. You’ll get to tell them too.

Antonia and I have been talking about a path that runs through her theoretical-artistic production: sensation, emotion, feeling. Since we’re still in a quite modern aesthetic system, it is usually thought that the feelings we have about a work of art only concern the individual and personal, without being relevant for someone else. In the theoretical sphere, sensations and feelings are repressed and displaced in favor of a logical-conceptual context that is incumbent on all of us, for the former can be objectified and introduced into the public sphere as competing knowledge.

I have the impression that this conversation began when Antonia gave me the opportunity to read her thesis (written for completion of her degree at La Esmeralda), which deals with the affections and feelings when producing or viewing a work. When reading it, I felt the problem close at hand, for I am also concerned about the polyvalence of aesthetics: their revolutionary as well as fascist effects (Terry Eagleton, The Ideology of the Aesthetic).

I am making these notes because it is important for me to tell you that I do not believe that emotions occupy a sphere of metaphysical spontaneity, rather I think that in a conscious and unconscious way emotions are linked to our own ideological background and to a pedagogy that we have socio-culturally adopted starting with the nucleus of upbringing and the familiar. In this respect, I remember the book by Roland Barthes entitled A Lover’s Discourse: Fragments. In it, he takes a journey through common places that, however, when one personally experiences them, they feel unique.

A hug,



Dear Sandra,

At times I find it amusing to return to this topic: it seems unrealistic to think that we still live according to paradigms of opposing dualities, where we separate emotion from reason. As you rightly point out, we’re still in a modern aesthetic way of thinking and I believe that modernity is characterized by separation.

When I wrote my thesis El puente [The Bridge], my research wanted to cover two personal concerns: that of the artist as a producer of theory and the ideas I had absorbed during my artistic education on creating from the affective. It was an urgent need to enunciate from theoretical writing–being too many the times that we read from theoreticians that do not produce–with the idea to pronounce myself an artist, with said parameters for my companions and myself. That’s why it was so natural and valuable to share that text with you; the very fact that we are writing today is, for me, a sign that this is something that needs to be felt/thought[1] more.

This leads me to feel/think myself not as a creator, but as an art observer as well. From there I have learned to create and admire. When I find myself in front of a piece, it evokes emotions of all shades; for me, it’s nonsense to pretend that this is not important. This becomes more relevant as I am an artist and understand that my pieces exist with and in relation to others and, therefore, to the emotions linked to their unique experiences.

Sandra Sánchez, Acto de escritura 3, 2020. Image courtesy of the artist

When we become aware of this, the affective networks that accompany a work of art become visible, those which you say we only share with our closest accomplices. It’s like dark matter: it’s there, creating tension, even if it’s intimate.

In her essay Los niños perdidos [The Lost Children], Valeria Luiselli mentions that “it’s never inspiration that pushes anyone to tell a story, but rather a combination of anger and clarity.” Many artworks have been created at this intersection between emotion and name, and are transformed into an artwork when that translation process occurs. What is interesting about this is when another meets such a piece and identifies there the clarity that his emotion lacked. I think as much as I feel, even though they are different languages, they meet and interweave to create the piece that matters to me.

You’ll tell me how you feel/think about this.

A hug as well,




I am very excited about the embroidery workshop you are going to offer; I think that learning from an artist is something I have rarely experienced.

Regarding what you tell me, I’d like to ask you if you are concerned by or propose to produce the conceptual, material, and spatial (exhibition) conditions to convey a specific emotion. That is, do you think that something about your identity, your political position, or your own name is at stake when attempting to convey a particular feeling and/or emotion? What happens if that fails?

I would like you to be our compass when introducing readers to these issues, taking as a starting point your exhibition Dónde crecen los claveles [Where Carnations Grow] (2019), shown at LOOT Gallery.

I also think that, in your thesis, as an art observer, you realize how several other artists have been concerned with this same aspect; perhaps you could tell us a little more about your particular pantheon and your view on them.

Have a nice night,



Sandra, dear,

I’m also very excited about the workshop. I think the best decisions I’ve made lately were to take this initiative and to be there in front of people and share a space with them, even if it’s online.

Trying to get people to feel specific things when confronted with a work of art is tremendously difficult. When I am working on a project, I understand that there is an emotion that guides me and that many will be able to capture it from the way I am creating it. Rather, in putting forward an idea, what I intend is to create an affective space where everyone can connect between their experience and mine. As if it were a constellation of ideas that they may connect as they wish.

It’s always a coin flip; finally, there’s no universal recipe for reaching everyone in an emotional way and it’s not what I’m looking for either. The exhibition Dónde crecen los claveles is a great example of this. In this project, I developed an investigation around memory and mourning, guided mainly by the idea of emotional recovery after Pinochet’s military dictatorship in Chile. Not having lived in a dictatorship, as a Chilean, my life has always been permeated by it for those who lived it relive it all the time. What I have experienced is a second-hand pain or an inherited pain.

Antonia González Alarcón, El derecho de vivir en paz, 2019. Image courtesy of the artist

I decided to embrace it through memory and mourning because it is what belongs to me and what I know. That’s my business. In a way, this went beyond the dictatorship: it was about any process of trauma, this tension between memory and oblivion. I know that because I have lived it. What I was looking for in this exhibition, more than provoking a specific emotion, was to provoke a series of sensations that would develop in this context: What mourning have I experienced? What kind of grief am I going through? Now, how can I relate that to someone who lived through the Chilean dictatorship? If there was one specific thing I sought to evoke, it was empathy.

Thinking about artists who have worked with similar dynamics, Raúl Zurita comes to mind. He is a Chilean artist and poet, who built a whole universe of sensations and language for the post-dictatorship process that many Chileans still have in their bodies. His piece Ni pena ni miedo [No shame No fear]—a text intervention in the 3 km long Atacama Desert—is very powerful because something that has characterized Chilean culture is emotional numbness, avoidance, and self-induced amnesia.

What Mexican artists do you think relate to this subject? And on the other hand, do you think this fits within the concept of relational art?

Also, I would love to ask you about any experience of your own that you have had that you may relate to these affective ideas within the art world. Is this something that happens to you often?

A hug,



Antonia, 🙂

I’ll confess: I haven’t started the embroidery exercises. I hope to give myself time this afternoon. My apartment is very hot, it gets a lot of sunlight and I have to go to my bedroom for four to five hours during the day, the coolest place. There I do nothing but reading and sleeping.

In answering your question, I find that the work being done by illustrators (like you) approximates feelings and ideas that come from the personal to address a public moment. Lately, I have thought that illustration (as a medium and as a strategy) does not have much museum value because its discourse is too specific, too literal. It seems that this operation is not so pricey for museums and galleries, we can recognize there a symptom of institutional desire.

I think it’s relevant that illustration carries out the proposal of the technical reproducibility presented at the beginning of the last century by authors like Walter Benjamin. Although still somewhat alien to contemporary art, illustration and its reproduction are very well received by the public on social networks. There, producers and spectators like, look, share, and form common spaces, based on shared feelings, affections, and struggles.

I keep thinking about what led us to value the discourse on individual feelings. As I said at the beginning, I think it is important to subject one’s own feelings and sensations to criticism, for it can be seen as natural. However, to subject the feeling to criticism does not mean that we should cancel it or omit it because this would have the effect of relegating it to a metaphysics of the present and immediacy.

I’m taking a course by a cinema critic. In the first session, something came up that made me think about this conversation: the sensitivity for a poetic filmography—with complex audiovisual rhetoric—on an apparently simple narrative. Which seems to favor the former because it opens the door to a kind of active spectator. I think that your position, which I can refer to as a critical theory, is interesting: to leave spaces in which the viewer can elaborate so that they do not become alienated. However, I also see proposition’s trap: the astonishment before a complex poetics that can come to camouflage a certain idea (old but, sometimes, operative, even unconscious) of high culture.


Sandra Sánchez, Acto de escritura 1, 2020. Image courtesy of the artist

This same year I have witnessed, more than once, people boasting a kind of superiority for juggling and knowing certain signs and concepts that, in their naivety, they still believe to be universal and/or totalitarian in operation. Anyway, I don’t think that encrypting the codes or not is the core of the problem. Rather, I think that culturally we have taken for granted that encryption is more complex than communicating or feeling; moreover, the latter is considered more susceptible to manipulation than round, objective concepts. How tricky!

It is already rumored that this means of artistic production is criticized for using people for the purposes of the artist or for generating momentary changes and then “abandoning” communities. I believe that both judgments are valid, although they do not exhaust the relevance of the pieces. Personally, I don’t believe in paradise, any of it; so, I celebrate projects that change (even temporarily) life’s rhythm. I must say that we would have to analyze each work case by case to comment on them with the care they deserve: care is also to submit to criticism, not to agree, and, even so, to maintain a dialogue: to sustain the feelings of frustration in order to try to direct us towards other developments (probably also failed). Art history is not the history everything, fortunately.

As you can see, I have a lot of mixed feelings.

A kiss,


P.S.: Thank you for telling us about your relationship with memory and how it is strained by feelings. By the way, it is time to close our conversation, not because of a lack of desire, but because of the word limit. Here’s a blank page for one more entry. I’m happy to have talked publicly with you on this subject.


Sandra dear,

During the embroidery workshop, I talked with several girls about the relationship between embroidery and room temperature. It seems that embroidering when the weather is hot is a bodily contradiction. I find it amusing to think that I couldn’t embroider as much if I lived on the beach or that my most effective embroidery times have been during the winter or in the poles.

This thing you mention, the reproducibility of illustration, is something that is implemented now more than ever. Nowadays it can be totally immaterial, supported by other virtual elements such as followers and so on. The illustration falls into a more naive place with respect to that, which I do not think of as a failure at all: it is rather something that allows us to connect with it from another place.

What amazes me about illustration and about doing illustration is that I see how quickly people appropriate its narratives: they print them, they tattoo them, they share them, they comment on them. It creates a bridge with those who see or consume illustration. Moreover, illustrators have the agency of feeling—translating—publishing in a very direct way, without mediations; as immediate as the appropriation that their creations live. This breaks every formality of the art market and the museum.

Antonia González Alarcón, Decálogo de luto. X – silencio, 2019. Image courtesy of the artist


Antonia González Alarcón, La fe existe en tanto se tiene (Parte del texto “El puente”), 2020. Image courtesy of the artist

How nice that you just mention this contraposition between the narrative and the poetic in cinema. I don’t know if you know Jonas Mekas, a Lithuanian-American filmmaker who happens to be one of my favorites. He unites the idea of poetics with a giant emotional simplicity, the taste for beauty, and happiness. These concepts seem to be contrasted with the “interesting” or “intellectual” in artistic discourses, so it is unusual to see them incorporated into them. What fascinates me about Mekas is that his exploration is born out of his personal pain and an autobiographical rift. This intersection, where simplicity and emotion manifest themselves through beauty and poetry in no way diminishes it, but rather creates a complex and captivating imagery. I’m telling you all this because I think that in cinema, we constantly come across narratives that show the affective or emotional as something crude and the poetic or abstract as high culture, when there are thousands of examples that weave both together in wonderful ways. Saying all this, I read and recognize myself thinking and crossed by emotion, all at the same time.

Something that resonates with me from our conversation is a belief in the possibility, without conclusions, without walling up concepts or closing off ideas. Thank you for opening this space, which feels so refreshing in these contexts where we build knowledge and art.

A hug,



This text is part of a series of collaborations between the artist Antonia González Alarcón and art critic Sandra Sánchez. In November they will write simultaneously for Diario Públicco IG @diariopublicco. We thank Terremoto for giving us a warm welcome.

Sandra Sánchez lives in Mexico City with Grisalla Minisauria, a furry kitten. Deleuze-guattaria of <3. She suffers and enjoys writing about and around contemporary art. In 2015 she founded Zona de Desgaste, a space dedicated to critical art learning and reflection. She is currently editor of Onda Mx and develops Diario Públicco, a collaborative script performance. Contact:

Antonia González Alarcón is a Chilean visual artist who explores memory and empathy through visual resources in the common imaginary related to nature and landscape. She studied Visual and Plastic Arts at the Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. She is currently a collaborator of the Laboratorio Experimental de Cine (LEC). She has exhibited her work in Iceland, Norway, the United States, Mexico, among others. She has developed a multidisciplinary practice, investigating the individual subjectivities that surround collective memory, with the aim of collaborating in the creation of new concepts based mainly on specific experiences and their affective narratives.


[1] Editor’s note: It’s important to trace the genealogies of thought behind words that burst into the imagination from other vocabularies, in order to recognize that there are diverse sources of knowledge beyond academia and Western-centric ways of thinking. To feel/think is, then, a word that describes an ethic of the Zapatista pluriverse where reason moves as the central axis of daily experience to make room for the feelings that cross the body as a seed of experiences that will allow “a world where many worlds fit.”

Sandra Sánchez, Acto de escritura 2, 2020. Imagen cortesía de la artista

Hola, Antonia

Escribo estas palabras para intentar echar a andar la conversación. Siento que este texto, que aún es privado, ya tiene una pretensión pública, lo cual hace que sea más complicado empezar. Así que si me permites, le voy a contar a nuestras (hasta ahora) hipotéticas lectoras de qué va la cosa. Ya les contarás tú también.

Antonia y yo hemos estado platicando acerca de una vía que atraviesa su producción teórico-artística: la sensación, la emoción, el sentimiento. Dado que estamos en un sistema estético aún bastante moderno, se suele pensar que los sentimientos que tenemos ante una obra sólo incumben en lo individual y personal, sin ser relevantes para alguien más. En el ámbito teórico, la sensación y el sentimiento se reprimen y se desplazan a favor de andamiajes lógico-conceptuales que nos competen a todos porque pueden ser objetivados e introducidos en la esfera pública como saberes en pugna.

Tengo la impresión de que esta conversación empezó cuando Antonia me dio la oportunidad de echar un vistazo a su tesis de La Esmeralda, que versa sobre los afectos y sentimientos al producir o ver una obra. Al leerla sentí el problema cercano, pues me preocupa la polivalencia de la estética: sus efectos tanto revolucionarios como fascistas (Terry Eagleton, La estética como ideología).

Hago estas notas porque es importante para mí decirte que no creo que las emociones ocupen un ámbito de espontaneidad metafísica, más bien pienso que de forma consciente e inconsciente las emociones están ligadas a nuestro propio andamiaje ideológico y a una pedagogía que hemos adoptado socioculturalmente comenzando por el núcleo de crianza y lo familiar. Recuerdo al respecto el libro de Roland Barthes titulado Fragmentos de un discurso amoroso. En él, realiza un recorrido por lugares comunes que, sin embargo, cuando uno los vive en primera persona, se sienten súper originales.

Te mando un abrazo,



Querida Sandra,

A momentos se me hace divertido retomar este tema: parece irreal pensar que aún vivimos de acuerdo a paradigmas de dualidades opuestas, donde separamos la emoción de la razón. Como bien apuntas, seguimos en un pensamiento estético moderno y creo que la modernidad se ha caracterizado por separar.

Cuando escribí mi tesis El puente, mi búsqueda quería atravesar dos inquietudes personales: la de la artista como productora de teoría y las ideas que había absorbido durante mi educación artística sobre crear desde lo afectivo. Era una urgencia el enunciar desde la escritura teórica —siendo demasiadas las veces que leemos a teóricxs que no producen— la idea de enunciarme como artista, con parámetros para mis compañeras y para mí. Por eso fue tan natural y valioso compartir ese texto contigo; el mismo hecho de que estemos escribiendo hoy es, para mí, una muestra de que esto es algo que se tiene que sentipensar[1] más.

Esto lleva a sentipensarme no como creadora, sino como una observadora de arte también. Desde ahí he aprendido a construir y admirar. Cuando me hallo frente a una obra de arte, ésta evoca emociones de todos tonos; para mí es un sinsentido simular que ello no es importante. Esto se vuelve más relevante al ser una artista y entender que mis obras existen con y en relación a las demás y, por lo tanto, a sus emociones ligadas a experiencias singulares.

Sandra Sánchez, Acto de escritura 3, 2020. Imagen cortesía de la artista

Al entrar en consciencia de esto, se visibilizan las redes afectivas que acompañan una obra, esas que bien dices sólo compartimos con nuestras cómplices más cercanas. Es como la materia oscura: ahí está, creando tensiones, aunque sea en lo íntimo.

En su ensayo Los niños perdidos, Valeria Luiselli dice que “nunca es la inspiración lo que empuja a nadie a contar una historia, sino, más bien, una combinación de rabia y claridad”. Muchísimas piezas se han creado en este intersticio entre emoción y nombre, y se transforman en obra cuando ese proceso de traducción ocurre. Lo interesante de esto es cuando un otrx se encuentra con dicha pieza e identifica ahí mismo la claridad que le faltaba a su emoción. Pienso tanto como siento, aunque sean lenguajes distintos, éstos se encuentran y se entretejen para crear la obra que me importa.

Ya me dirás qué sentipiensas sobre esto.

Un abrazo de regreso,




Estoy feliz por el taller de bordado que vas a dar, creo que la enseñanza impartida por una artista es algo que pocas veces he experimentado.

Sobre lo que me cuentas, me gustaría preguntarte si tú te preocupas o te propones producir las condiciones conceptuales, materiales y espaciales (de exhibición) para transmitir una emoción específica. Es decir, ¿crees que algo de tu identidad, de tu posición política o de tu nombre propio se juega en el intento de transmitir una sensación y/o una emoción particular? ¿Qué pasa si eso falla?

Me gustaría que nos des brújula introduciendo a las lectoras a estas cuestiones, tomando como punto de partida tu exposición Dónde crecen los claveles (2019), en LOOT Gallery.

También pienso que, en tu tesis, como observadora de arte, das cuenta de cómo varias artistas más se han preocupado por este mismo aspecto, quizá podrías contarnos un poco más sobre tu panteón particular y tu mirada sobre ellas.

Bonita noche,



Sandra, linda,

Yo igual estoy muy emocionada por el taller. Creo que una de las mejores decisiones que he tomado últimamente fue tomar esta iniciativa y verme ahí, frente a gente con quién compartir espacios, aunque sea online.

Tratar que la gente sienta cosas específicas cuando se enfrentan con una pieza es tremendamente difícil. Cuando estoy trabajando un proyecto, entiendo que hay una emoción que me guía y que muchxs podrán captar la manera en que yo la estoy construyendo. Más bien, al plantear una idea, lo que pretendo es crear un espacio afectivo donde cada quien pueda conectar entre su experiencia y la mía. Como si fuera una constelación de ideas que ellxs conectan como quieran.

Siempre es una moneda al aire; finalmente, no hay receta universal para llegar a todxs de una manera emotiva y tampoco es lo que estoy buscando. La exposición Dónde crecen los claveles es un gran ejemplo para ello. En este proyecto, desarrollé una exploración en torno a la memoria y el luto, guiado principalmente por la idea de la recuperación emocional luego de la dictadura militar de Pinochet en Chile. No habiendo vivido en dictadura, como chilena mi vida siempre ha estado permeada de ella porque quienes la vivieron la reviven todo el tiempo. Lo que yo he experimentado es un dolor de segunda mano o un dolor heredado.

Antonia González Alarcón, El derecho de vivir en paz, 2019. Parte de la exposición dónde crecen los claveles, LOOT Gallery, Ciudad de México, 2019. Imagen cortesía de la artista

Decidí hablar de ello desde la memoria y el luto porque es lo que me pertenece y lo que conozco. Es lo que me incumbe. De alguna manera, esto iba más allá de la dictadura: trataba de cualquier proceso de trauma, de esta tensión entre la memoria y el olvido. Conozco eso porque lo he vivido. Lo que buscaba en dicha exposición, más que provocar una emoción específica, era provocar una serie de sensaciones que se desarrollarán en este contexto: ¿Qué luto he vivido yo? ¿Qué duelo estoy pasando? Ahora, ¿cómo puedo relacionar eso con alguien que vivió la dictadura chilena? Si había algo específico que busqué evocar fue empatía.

Pensando en lxs artistas que han trabajado con dinámicas similares, surge Raúl Zurita por ejemplo. Artista y poeta chileno, quien construyó todo un universo de sensaciones y de lenguaje para el proceso postdictadura que muchxs chilenxs tienen aún en sus cuerpos. Su pieza Ni pena ni miedo —una intervención de texto en el Desierto de Atacama de 3 km de largo— es muy potente porque algo que ha caracterizado a la chilenidad es la mudez emocional, la evasión, la amnesia auto-inducida.

¿En qué artistas mexicanos piensas sobre este tema? Y, por otro lado, ¿crees que esto cabe dentro del concepto arte relacional?

Además, me encantaría preguntarte sobre alguna experiencia propia que hayas tenido y que puedas relacionar con estas ideas afectivas dentro del mundo del arte. ¿Es algo que te pasa seguido?

Un abrazo,



Antonia, 🙂

Voy a confesarlo: no he empezado a hacer los ejercicios de bordado. Espero darme un poco de tiempo esta tarde. Mi departamento es muy caliente, le entra mucho sol y tengo que ir a mi recamara por cuatro o cinco horas durante el día, el lugar más fresco. Ahí no hago más que leer y dormir.

Contestando a tu pregunta, encuentro que el trabajo que están haciendo ilustradoras (como tú) se aproxima a sentimientos e ideas que parten de lo personal para dirigirse a un momento público. Últimamente he pensado que la ilustración (como medio y como estrategia) no tiene un valor tan museable porque su discurso es demasiado específico, demasiado literal. Parece que esa operación no es tan cara para los museos y galerías, podemos reconocer ahí un síntoma del deseo institucional.

Me parece relevante que la ilustración lleva a cabo la propuesta de la reproductibilidad técnica trabajada a principios del siglo pasado por autores como Walter Benjamin. Aunque aún un tanto ajena al arte contemporáneo, la ilustración y su reproducción es muy bien recibida por el público en las redes sociales. Ahí, productoras y espectadoras likean, miran, comparten y forman espacios en común, a partir de sentimientos, afectos y luchas compartidas.

Sigo pensando en qué nos llevó a valorar el discurso sobre el sentimiento individual. Como te decía al principio, creo que es importante someter a crítica el propio sentimiento y la sensación porque puede verse como natural. Sin embargo, someter el sentimiento a crítica no quiere decir que debamos cancelarlo u omitirlo porque esto tendría como efecto destinarlo a una metafísica del presente y de la inmediatez.

Estoy tomando un curso con unx críticx de cine. En la primera sesión salió a relucir algo que me hizo pensar en esta conversación: su gusto por una filmografía poética —con una retórica audiovisual compleja— sobre una narrativa, en apariencia, simple. Al parecer favorece la primera porque abre la puerta a una especie de espectadora activa. Creo que su postura, que puedo remitir a la teoría crítica, es interesante: dejar espacios en los que la espectadora elabore para que no se aliene. Sin embargo, también veo la trampa de la proposición: el asombro ante una poética compleja que puede llegar a esconder cierta idea (añeja, pero a veces operante, incluso inconsciente) de alta cultura.

Sandra Sánchez, Acto de escritura 1, 2020. Imagen cortesía de la artista

Este mismo año me ha tocado presenciar más de una vez a personas que se jactan de una especie de superioridad por malabarear y conocer ciertos signos y conceptos que, en su ingenuidad, creen aún de operación universal y/o totalizante. En fin, no pienso que encriptar los códigos o no sea el meollo del problema. Más bien creo que culturalmente hemos dado por hecho que encriptar es más complejo que comunicar o que sentir; además se considera que estos últimos son más susceptibles a manipulación que los conceptos redondos y objetivos. ¡Qué problema!

Sobre el arte relacional es ya rumor la crítica que se le hace a este medio de producción artística, la cual señala que utiliza a las personas para los fines del artista o para generar cambios momentáneos y luego “abandonar” a las comunidades. Creo que ambos juicios son válidos, aunque no agotan la pertinencia de las piezas. Personalmente no creo en el paraíso, en ninguno; así que celebro los ejercicios que cambian (aunque sea temporalmente) el ritmo. Debo decir que tendríamos que analizar caso por caso, cada obra para comentarla con el cuidado que merece: cuidar también es someter a crítica, no estar de acuerdo y, aún así, mantener el diálogo: sostener los sentimientos de frustración para intentar encaminarnos hacia otros devenires (probablemente también fallidos). La historia del arte es la historia del no-todo, afortunadamente.

Como ves, tengo muchos sentimientos encontrados.



P.D.: Gracias por contarnos sobre tu relación con la memoria y el modo en que ésta se tensa con los sentimientos. Por cierto, es tiempo de ir cerrando la conversación, no por falta de ganas, sino por el límite de palabras. Acá te dejo hoja en blanco para una entrada más. Me siento contenta de haber conversado públicamente contigo sobre este tema.


Sandra querida,

Durante el taller de bordado he conversado con varias chicas la relación entre el bordar y la temperatura ambiente. Parece que bordar con calor es una contradicción corporal. Me parece divertido pensar que no podría bordar tanto si viviera en la playa o que mis tiempos más efectivos de bordados han sido durante el invierno o los polos.

Esto que mencionas, la reproductibilidad de la ilustración, es algo que se ejecuta más que nunca. En la actualidad puede ser totalmente inmaterial, sostenida por otros elementos virtuales como los seguidores y demás. La ilustración cae en un lugar más ingenuo respecto a eso, que para nada lo pienso como una falla: es más bien algo que nos permite conectar con ello desde otro lugar.

Lo que a mí me alucina de la ilustración y de hacer ilustración es que veo cómo la gente se apropia las narrativas rapidísimo: las imprimen, se las tatúan, las comparten, las comentan. Crea un puente con quien ve o consume ilustración. Además, las ilustradoras tienen la agencia de su sentir-traducir-publicar de manera muy directa, sin mediaciones; tan inmediata como la apropiación que sus creaciones viven. Esto rompe toda formalidad del mercado del arte y del museo.

Antonia González Alarcón, Decálogo de luto. X – silencio, 2019. Imagen cortesía de la artista


Antonia González Alarcón, La fe existe en tanto se tiene (Parte del texto “El puente”), 2020. Imagen cortesía de la artista

Qué lindo que justo menciones esta contraposición entre lo narrativo y lo poético en el cine. No sé si conocerás a Jonas Mekas, un cineasta lituano-estadounidense que resulta ser uno de mis favoritos. Él, une la idea de la poética con una simplicidad emocional gigante, el gusto por lo bello y por la felicidad. Estos conceptos parecen contraponerse con lo “interesante” o con lo “intelectual” en los discursos artísticos, por lo que es poco usual verlos incorporados a ellos. Lo que me fascina de Mekas es que su exploración nace de su dolor personal y de una fisura autobiográfica. Esta intersección, donde la simpleza y la emoción se manifiestan a través de lo bello y lo poético, para nada lo disminuye, sino que crea un imaginario complejo y cautivador. Todo esto te lo cuento porque creo que en el cine constantemente nos encontramos con narrativas que muestran lo afectivo o lo emocional como algo burdo y lo poético o abstracto como la alta cultura, cuando hay miles de ejemplos que trenzan ambas cosas de maneras maravillosas. Diciendo todo esto, me leo y me reconozco pensante y cruzada por la emoción, todo al mismo tiempo.

Algo que me resuena de nuestra conversación es una creencia en la posibilidad, sin definitivos, sin amurallar conceptos ni cerrar ideas. Gracias por este espacio de apertura, que se siente tan refrescante en estos contextos donde construimos conocimiento y arte.

Un abrazo,



Este texto forma parte de una serie de colaboraciones entre la artista Antonia González Alarcón y la crítica de arte Sandra Sánchez. En noviembre escribirán a la par para Diario Públicco IG @diariopublicco. Agradecemos a Terremoto darnos un cálido hospedaje.

Sandra Sánchez vive en la Ciudad de México con Grisalla Minisauria, una gatita peluchona. Deleuze-guattariana de <3. Sufre y disfruta escribir sobre y alrededor del arte contemporáneo. En 2015 fundó Zona de Desgaste, un espacio dedicado al aprendizaje y  reflexión crítica de arte. Actualmente es editora de Onda Mx y desarrolla Diario Públicco, una performance escritural en colaboración. Contacto:


Antonia González Alarcón es una artista visual chilena que explora la memoria y la empatía a través de recursos visuales en el imaginario común relacionado con la naturaleza y el paisaje. Estudió Artes Plásticas y Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”; actualmente es colaboradora del Laboratorio Experimental de Cine (LEC). Ha expuesto su trabajo en Islandia, Noruega, Estados Unidos, México, entre otros. Ha desarrollado una práctica multidisciplinaria, investigando las subjetividades individuales que rodean la memoria colectiva, con el objetivo de colaborar en la creación de nuevos conceptos basados principalmente en la experiencias específicas y sus narrativas afectivas.


[1] Nota del editor: es importante trazar las genealogías del pensamiento detrás de palabras que irrumpen en la imaginación desde vocabularios otros, con la finalidad de reconocer que existen diversas fuentes de conocimiento más allá de lo académico y las formas de hacer del pensamiento occidentalicéntrico. Sentipensar es, entonces, una palabra que describe una ética del pluriverso zapatista en donde la razón se desplaza como eje central de la experiencia cotidiana para dar cabida a los sentires que atraviesan el cuerpo como semilla de experiencias que permitirán “un mundo donde quepan muchos mundos”.

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