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11.12.2020

Nohacernada.org presenta "Encarno todo lo que temes y odias", exposición postal en México y más allá

Ciudad de México, Guadalajara,  Zapopan, entre otras
Agosto, 2020

Publicamos en nuestros medios digitales las instrucciones para recibir la exposición Encarno todo lo que temes y odias.

Estas instrucciones incluían mandar a nohacernada.org la dirección postal física a la que cada persona deseaba recibir la exposición, para posteriormente seleccionar un espacio, montar dicha exposición y mandar registro fotográfico de las vistas de instalación  a nohacernada.org

La exposición tuvo una edición de 50. Fue enviada a distintas direcciones de la Ciudad de México, Guadalajara,  Zapopan, San Miguel de Allende, Mérida, Oaxaca, Hermosillo, Guadalupe, Córdoba, Salt Lake City, Buenos Aires, Santiago, Viena y Maastricht.

Encarno todo lo que temes y odias es una exposición impresa, su formato responde al deseo de realizar una exhibición presencial en el marco de una crisis de salud que impide reunirse en un espacio y tener aproximaciones entre cuerpos.

Retomamos el arte correo para hacer posible este encuentro a distancia. Estamos interesadas en la multiplicidad de sitios desde donde se mira y buscamos que lxs espectadorxs se involucren como colaboradorxs. Cada configuración de la exposición es única y compone el registro y memoria colectiva de la exhibición.

El título proviene de la traducción de la pieza de Adrian Piper: The Mythic Being: I Embody Everything You Most Hate and Fear, 1975. Una fotografía intervenida en la que Piper encarna a un personaje que enfatiza, a través de un performance en la calle, los clichés de agresividad que le son socialmente atribuidos a un hombre afroamericano. La frase resonó con la pieza de Michelle Ponce, Nos tienen Miedo, ambas enuncian los estereotipos que se generan desde el temor al otro visto como un ente extraño. Lo “salvaje” para la hegemonía siempre es lo que no se mide con ellos mismos, mientras que lxs demás (género, raza, clase) somos percibidxs como recursos naturales que se dominan y explotan, en una total malinterpretación de los vínculos —no necesariamente de consumo— que desarrollamos con la naturaleza.

Chelsea Culprit experimenta una economía de materiales en esta pieza, respecto a su producción anterior. La canasta dibujada en El último pedazo de grano remite a la contorsión y elasticidad característicos de los cuerpos representados por la artista, entretejidos, entrelazados. Son una maraña en la que se van perdiendo los límites de las formas, entablando conexiones y tensiones sensoriales entre los elementos contrastando la naturaleza “contenida” en el cuerpo femenino y la “naturaleza en la naturaleza”.

Las piezas de esta exposición toman como partida la multiplicidad de personalidades en un mismo cuerpo: los cuerpos que se transforman y mutan todo el tiempo, dejando de ocultar “la monstruosidad “que esto supone, aunque provoque aversión. Asumimos los fluidos que se nos chorrean; que nos amamos y desbordamos.

Como explica Kate Millet en la Política Sexual (1995): “La idea cultural de la mujer es obra exclusiva del varón” (y la idea cultural de casi todo). Por ello, la mirada propia es una manera de rebelarse en muchos sentidos y es cuando te revelas, que se activa el terror en la figura de poder por perder el control, entonces, explotan con reacciones opresivas y violentas para detenernos de vernos a nosotrxs mismxs. Sobre todo, cuando reclamas tu espacio fuera del marco aceptable de los mitos fundacionales del patriarcado.

Mili Herrera propone su producción como un “amuleto contra las violencias machistas, obstétricas, clasistas, racistas, lgbt+fobicas y de género, experimentadas en los consultorios; como una manera de reconfigurar la imagen propia y contrarrestar en lo cotidiano la represión que la anatomía determina.

Los rituales personales de sanación conllevan una consciencia de los rezagos en mayor o menor medida, de lo que se nos impuso ser, la transformación se somatiza. Anaïs Vasconcelos pinta la inscripción “quiero sangrar gota a gota el veneno de tu amor” en su pieza La Copa Rota como una manera de expiación en su propio proceso de reparación emocional.

Dentro del proceso de autoentendimiento de una persona, existen destrucciones y borramientos. Nicole Chaput “rueda sus ojos hacia adentro para investigar la debilidad como algo que detona posibilidades de rechazo y seducción simultáneamente. Trata de resolver cómo se le da forma a un cuerpo interno que está presente pero no es visible.

Artistas

Anais Vasconcelos, Chelsea Culprit, Michelle Ponche, Mili Herrera y Nicole Chaput.

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