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Fabiola Menchelli

by Magnolia de la Garza

Beyond being a documentary media, photography can also be a sculptural and architectural field, as well as a space to reflect about painting. Departing from Fabiola Menchelli’s work, this text engages with the manifold relations between photography and sculpture, painting and architecture.

Más allá de ser un medio de documentación, la fotografía se abre como un espacio escultórico y arquitectónico, siendo así mismo un lugar desde donde reflexionar acerca de la pintura. A partir de la obra de Fabiola Menchelli, este texto aborda las relaciones de la fotografía con la escultura, la pintura y la arquitectura.

2012_menchelli_construction_004Construction 04, 2012, Archival pigment print, 22.5 x 30” / 57 x 76 cm

A ceaseless consideration of the photographic is one of the characteristics of the work of Fabiola Menchelli (b. 1983, Mexico City). She explores the relationship of photography to other media, such as painting, sculpture or architecture, and her practice defines itself in these interdisciplinary spaces.

In Constructions, a series produced in 2012 and 2013, Menchelli created a series of structures from cardboard and paper, onto which she projected a light that had been previously designed on a computer. The resulting series consisted of abstract compositions in which the play of light and shadow create different depths, at the same time revealing –and, on occasion, imparting– tactile qualities onto the materials.

The fragile and ephemeral structures she creates in the studio almost function like stage sets without a real support holding them, and are meant to be seen from one single angle. In this way, the light confers volume and depth on the structures, while at the same time giving rise to certain theatricality stemming from the play of shadows of the chiaroscuro.

Light is the central figure in these photographs. These are inscribed in a tradition initiated in the first decades of the 20th century by photographers like Otto Steinert or László Moholy-Nagy, who created light drawings in their images. It was Moholy-Nagy who took his interest in this element furthest, with works such as the kinetic sculpture Licht-Raum-Modulator (Light-Space-Modulator), or his series of still images created over two decades. In a similar manner, the photographs of Menchelli’s Constructions series take real objects to create non-figurative images, in which light has nonetheless taken on a corporeal quality.

As she concluded the Constructions series, Menchelli began a series of photos using the large format Polaroid camera, which allows for 20” x 24” images. This technology led her to work in an inverse manner from the previous series, as the Polaroid negative has very low sensitivity and thus one cannot obtain much depth before the image goes out of focus.

2013_menchelli_green_and_blue_polaroid_2013Blue and Green, 2013, Unique Polaroid print, 34” x 22” / 86.5 x 56 cm

Faced with the impossibility of creating compositions with various depths within the studio – as she had been doing before – the artist decided to generate the depth inside the camera by way of multiple exposures. She captured her first image by using a totally flat paper mask illuminated from behind. Then, changing the mask and the color filter, she captured another one on the same plate. This system enabled her to generate an apparent depth in the images, similar to the one obtained in processes such as silkscreen.

The Polaroid series establishes a dialogue that comes closer to painting, whereas Constructions‘ approach and intention relate more to sculpture. Inspired by Josef Albers’ book Interaction of Color, the artist reflects on the oppositions existing between the color theories employed in these media. If in painting we may speak of a subtractive theory where the sum of all colors equals a dark tone, the color theory employed in photography goes back to Isaac Newton’s findings, stating that color is found in light and that the sum of all colors is white. This notwithstanding, Albers’ observations may be applied to both media.

The Polaroids constitute a series of abstract images; nonetheless, if in Constructions each composition was different, in this case many of the images repeat the same geometrical composition, changing only the use of colors and the relationships between them.

In the Polaroid series there is also an attempt to emphasize the chemical processes that are involved in photography. By not clearing the excess of the chemicals used in the printing process, the artist tries to make tangible and visible what happens inside a Polaroid camera. At the same time, it is a nod to the ‘dripping’ technique that has been employed in painting since the 1940s.

The fact that Polaroid photos are one-of-a-kind distances this series from the traditional notion of photography as a medium that can be infinitely reproduced and brings it closer to painting as a medium to produce unique pieces.

If the notion of the reproducibility of the photograph is what marked its difference vis-à-vis painting from the beginning, the possibility of duplicating images linked photographic techniques to other media such as architecture. Until the 1950s, photography formed part of the development of modern architecture, and it was used for procedures such as the creation of blueprints, so called for the blue color of the images used to generate copies of architectural plans. This photographic technique does not require a camera, as the printing is achieved by way of the action of UV rays on paper prepared with a solution of ferric ammonium citrate and potassium ferrocyanide.

2014_menchelli_cyanotipe_001Untitled 01, 2014, Cyanotype on cotton paper 24” x 30” / 61 x 76 cm

The relationship between the use of this photographic technique and architecture led the artist to think about these two media beyond the documentary relation. Menchelli produced a series where she starts out by imagining the architectural plane as a moment prior to the materialization of architecture – a reflection on the actions required before building. She considers the blueprint as a flexible space in which everything can be modified. All this led her to create what are much more than geometrical compositions; the images recreate possible architectures.

In this series she goes back to the imaging technique used in the Polaroid series based on paper masks superimposed on the printing paper. Here the depth of the image depends on the different intensities of blue obtained with different lengths of exposure to solar rays: the tones range from very faint to highly intense within the same piece thanks to the paper masks and acetate. Once again, light plays a key role, as it is the element that allows the image to emerge from the paper, while generating its spatiality.

Light and time are essential elements in the photographic process, and Menchelli makes them conscious in her work, in the production process as much as in the final images. In different ways, Menchelli’s work approaches flexible architectural constructions, which arise in the field of abstraction and can only be materialized through photography.

The premises of Menchelli’s work stem from photography itself, distancing themselves from the documentary conception of this medium and reflecting on questions that could be considered technical, such as the relationship between light and time, or the chemical processes that lie behind it. In her interest in the photographic, the artist also conceives of each place she works in as if it were a camera. If for Constructions the artist thought of the studio as if she was working inside a camera, in the blueprints series it is the space of the rooftop where her camera operates.

However, beyond a reflection on photographic language and the boundaries of the medium, we can perceive Menchelli’s interest in creating her own reality. Starting from concrete elements such as paper, card, acetate and even cement, she creates abstract compositions that function as fictitious architectures that exist only in photography. The photographic image is the reality where these structures inhabit. In this sense, perhaps Menchelli’s work has a closer relationship to theatre than other art forms: her images are stage designs for a fiction fabricated from aspects of reality.

Photos are courtesy of the artist and Yautepec, Mexico City.

2012_menchelli_construction_004Construction 04, 2012, Archival pigment print, 22.5 x 30” / 57 x 76 cm

Pensar y analizar lo fotográfico es una de las características del trabajo de Fabiola Menchelli (Ciudad de México, 1983); para ello explora la relación de la fotografía con otros medios como la pintura, la escultura o la arquitectura y es en esos terrenos entre disciplinas que su práctica se desarrolla.

En Constructions, serie producida entre 2012 y 2013, Menchelli realizó una serie de estructuras con cartón y papel a las que les proyecta una luz – la cual ha sido dibujada previamente en la computadora. El resultado son composiciones abstractas en las que los juegos de luz y sombra crean distintas profundidades al tiempo que revelan y en ocasiones aportan cualidades táctiles de los materiales.

Las estructuras frágiles y efímeras que crea en su estudio funcionan casi como escenografías, – sin un soporte real por detrás – y son pensadas para verse desde un solo ángulo. Así, la luz les confiere volumen y profundidad, creando al mismo tiempo cierta teatralidad debido al juego de claroscuros.

Es la luz el personaje central de estas fotografías, las cuales siguen una tradición iniciada en las primeras décadas del siglo XX por fotógrafos como Otto Steinert o László Moholy-Nagy quienes en sus imágenes utilizaron la luz para crear dibujos. Fue Moholy-Nagy el que llevó más lejos su interés por este elemento con obras como la escultura cinética Licht-Raum-Modulator (Modulador de luz-espacio) y sus series de fotogramas producidos por más de dos décadas. Al igual que los fotogramas, las fotografías de la serie Constructions de Menchelli parten de objetos reales para crear imágenes no figurativas, donde sin embargo la luz adquiere una corporeidad.

Coincidiendo con el fin de la serie Constructions, Menchelli empieza a realizar una serie de fotografías utilizando una cámara polaroid de gran formato, la cual permite crear imágenes de 20 x 24 pulgadas (50 x 60 centímetros). El uso de esta tecnología lleva a Menchelli a operar de manera inversa a la serie anterior, ya que el negativo de polaroid tiene una sensibilidad muy baja y por lo tanto no se puede obtener mucha profundidad sin que las imágenes queden fuera de foco.

2013_menchelli_green_and_blue_polaroid_2013Blue and Green, 2013, Unique Polaroid print, 34” x 22” / 86.5 x 56 cm

Ante la imposibilidad de crear composiciones con distintas profundidades en el espacio del estudio, como había hecho anteriormente, la artista decidió generar la profundidad dentro de la cámara, a través de múltiples exposiciones. Con la ayuda de una máscara de papel completamente plana e iluminada por detrás realizaba una primera imagen, luego cambiando la máscara y el filtro de color realizaba una segunda toma sobre la misma placa. Este sistema le ayudó a generar una aparente profundidad en las imágenes, similar a la que se obtiene en procesos de impresión como la serigrafía.

La serie de polaroid establece un diálogo más cercano a la pintura, a diferencia de Constructions que tiene un acercamiento y una intención más escultórica.  Inspirada por el libro de Josef Albers La interacción del color, la artista reflexiona entorno a las oposiciones que existen entre las teorías del color empleadas en estos dos medios. Si en la pintura podemos hablar de una teoría sustractiva, en la cual la suma de todos los colores da un tono oscuro, la teoría del color empleada en la fotografía retoma los descubrimientos de Isaac Newton donde el color se encuentra en la luz y en donde la suma de todos los colores da blanco; sin embargo en los dos medios pueden aplicarse las observaciones planteadas por Albers en su libro.

Las polaroid son una serie de imágenes abstractas, pero si en Constructions cada composición era diferente, en el caso de estas, muchas de las imágenes repiten las misma construcción geométrica, cambiando únicamente el uso de los colores y las relaciones entre ellos.

En la serie de polaroid hay también una intención de enfatizar los procesos químicos que suceden en la fotografía. Al dejar escurrir y no limpiar el exceso de químicos empleados en el proceso de impresión, la artista quiere hacer tangible y visible lo que sucede al interior de la cámara polaroid; al mismo tiempo es un guiño al “dripping” empleado en pintura desde los años 40 del siglo pasado.

El hecho de que la polaroid sea una fotografía de edición única aleja a esta serie de la noción tradicional de la fotografía como un medio que se puede reproducir un sin fin de veces y las acerca en ese sentido a la pintura como medio que produce piezas únicas.

Si la noción de reproductibilidad de la fotografía es lo que marcó desde sus inicios la diferencia con la pintura, la posibilidad de duplicar imágenes vinculó a las técnicas fotográficas con otros medios como la arquitectura, la cual se sirvió hasta la década de 1950 – coincidiendo con el desarrollo de la arquitectura moderna – de procedimientos como los cianotipos o blueprints, llamados así por el color azul que toman las imágenes para generar copias de planos arquitectónicos. Esta técnica fotográfica no requiere el uso de una cámara, ya que la impresión se logra gracias a la acción de los rayos ultravioletas sobre un papel preparado con una solución de citrato de amonio férrico y ferrocianuro potásico.

2014_menchelli_cyanotipe_001Untitled 01, 2014, Cyanotype on cotton paper 24” x 30” / 61 x 76 cm

La relación entre el uso de esta técnica fotográfica con la arquitectura lleva a la artista a pensar en la relación entre estos medios, más allá del vínculo documental. Menchelli realiza una serie en la que parte de imaginar al plano arquitectónico como un momento previo a la materialización de la arquitectura, donde se reflexiona en cómo hacer antes de construir y en donde se piensa el blueprint como un espacio flexible en el que todo puede ser modificado. Esto la lleva a crear, más que composiciones geométricas, arquitecturas posibles.

En esta serie retoma la técnica de creación de la imagen utilizada en las polaroid a partir de máscaras de papel, las cuales sobrepone al papel en el que imprime. Aquí la profundidad de la imagen depende de las distintas intensidades de azul que se obtienen de los diferentes tiempos de exposición a los rayos solares, logrando desde tonos muy tenues hasta azules muy intensos dentro de la misma obra gracias a las máscaras de papel y acetato. De nuevo la luz tiene un lugar protagónico, siendo el elemento que permite a la imagen emerger del papel, al mismo tiempo que genera la espacialidad de la misma.

La luz y el tiempo son elementos esenciales en el proceso fotográfico y Menchelli los hace conscientes en su obra tanto en el proceso como en las imágenes que realiza. El trabajo de Menchelli aborda de distintas maneras construcciones  de arquitecturas flexibles que se dan en el campo de la abstracción y que sólo se materializan a través de la fotografía.

Las premisas del trabajo de Menchelli parten de la fotografía misma, alejándose de la idea documental de este medio y reflexionando sobre cuestiones que podrían considerarse técnicas como la relación con la luz y el tiempo, o los propios procesos químicos que la producen. En su interés por lo fotográfico incluso considera en sus distintos lugares de trabajo como cámaras fotográficas. Si para Constructions la artista pensaba el estudio como si trabajara al interior de la cámara fotográfica, en la serie de blueprints es el espacio de la azotea en el que trabaja su cámara.

Pero más allá de la reflexión entorno al lenguaje fotográfico y las fronteras del medio, aparece de manera constante en la práctica de la artista el interés por construir su propia realidad. Partiendo de elementos concretos como el papel, el cartón, el acetato e incluso el cemento, crea composiciones abstractas que funcionan como arquitecturas ficticias, las cuales terminan existiendo solo en la fotografía. Es la imagen fotográfica la realidad en la que habitan estas estructuras. Quizás en ese sentido, la obra de Menchelli tiene una relación más estrecha con el teatro que con otras artes. Así,  sus imágenes son la puesta en escena de una ficción fabricada con aspectos de la realidad.

Imagénes cortesía de la artista y de Yautepec, Ciudad de México.

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