Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Art Los Angeles Contemporary Art Week 2016

By Víctor Albarracín Los Angeles, California 01/29/2016 – 01/31/2016
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Paramount Ranch, Los Angeles, 2016. Photo: Víctor Albarracín.

BLOW (JOB)

LOS ANGELES ART WEEKEND…AND MORE

When you go off to art fairs in towns that aren’t your own, it’s always best to let the locals call the shots, turn yourself over to those who know where to be and let go of the idea you need play God who sees everything at all times. Fairs give rise to soap bubbles, people on the verge of collapse because they’ve got to get from here to there; to the parties, the gossip, the buying, the visits. We all want to post our discoveries on Instagram, make sure everyone knows where we were and with whom. At least in the hours leading up to passing out from so much art, so many drinks or a lot of whatever has lately replaced cocaine (as to what that is, I haven’t got a clue).

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Mutant Salon. Sexorcises, installation view. Photo: Rubén Díaz. Courtesy of Commonwealth and Council.

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Mutant Salon. Sexorcises, performance. Photo: Garret Hill. Courtesy of Commonwealth and Council

I arrived in LA one week prior to the fairs, so I got to see the opening of Sexorcises by Mutant Salon, a project consisting in a beauty salon, astrological consultation, tattoo shop, performance laboratory or participatory sculpture, monster queer, trans and post-everything which opened at Commonwealth and Council, a space run by Young Chung for the past five years and lately always crowded and reviewed by the press. For Sexorcises, Mutant Salon had involved in this event a wide group of collaborators that twisted, ran, fell, touched, tattooed, fornicated and many other things, over streaks of fat, gel, vaseline and undetermined viscous fluids. All this haphazardly took place among video, props, sound and sculptures arranged chaotically in the space. The intensity of this action that lasted for hours in a crowded ground of people drinking, paying attention and cackling intermittently, left at the end of the night a riot of waste, clutter and indiscernible elements, which, I suppose, will stay on display during the remaining month of the show.

Due to the aforementioned decadence I missed the opening of Meg Cranston, Pizza, Bagpipe, Carburetor, at Meliksetian/Briggs, a small gallery in Fairfax that usually presents small and refined shows. As I could see a couple of days later, this one was an exercise in visual representation of a list of words that Cranston had built from an online random name generator. Elegantly composed of paintings, collages and objects ranging gently between pink and pale blue, the exhibition was a haven of peace and a perfectly sentimental and full sting of irony without fuss, which is structural in Cranston’s work, as the precise insult is always saying the sweetest way.

Meg Cranston

Meg Cranston, Pizza, Bagpipe, Carburetor, installation view. Cortesía de Meliksetian / Briggs.

Erwin Wurm presented at Schindler House a reiteration in his long standing series of One Minute Sculptures. And yes, you had to put the stuffed dog on your shoulders, move the sponge out of its shelf, sit on a stick mimicking the pose given by the artist; you had to put on a sweater by inserting both legs on a sleeve and both arms on the other, and so on. Although the show emphasized that these were one-minute sculptures, some took ten seconds and other up to five minutes, either by its intrinsic difficulty or by the endless search for the perfect selfie.

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Erwin Wurm, One Minute Sculptures at Schindler House. Photo: Verónica Fernández.

The fairs’ opening days arrived. There was no tension or freak-out, despite the fact LA Art Show, Art Bandini, The Independent Art Show, Art Los Angeles Contemporary and other shows I never found out about all opened the same night. I missed the opening of Art Los Angeles Contemporary (ALAC)—the fair with the city’s most historical relevance, with more than twenty editions to date. The evening’s headliner, a performance by Compton’s Centennial High School Marching Band came straight out of that spot that in art fair attendees’ white imaginary smacks of suspicious ethnicities and dusky streets to be avoided. The Centennial Marching Band collaborated with the always magnificent Alison O’Daniel to produce a powerful and discomfiting performance.

The next day, after spending the morning listening to gossip from some that had indeed gone, I got my friend to take me to see ALAC with my own eyes. LA’s best established contemporary art fair is miniscule—so miniscule it inspires tenderness, surrounded, as it is, by a city built on an obsession with limitless gigantism. There are just a handful of booths on a handful of aisles that did their job—looking like a standard fair found anywhere else in the world—quite well. There were very few elements in general; and even fewer for generating a critical opinion on the city’s contemporary art. ALAC presented an interesting program of events, with Kenneth Anger talking about his influences and Charlie White in conversation with Amanda Ross-Ho about the status of the image in the Internet age. For a good part of the afternoon, the fair was all but deserted, with just some couples here and there, wandering through the hangar’s corridors, with no indications of enthusiasm or good cheer. Gallery owners and their assistants yawned, drank coffee, stretched and fiddled on their devices, awaiting buyers who did not show. At the end of the day, everything looked a little less dramatic; but the scant visitor flow did give you a lot to think about.

Art Los Angeles Contemporary 2016 Opening Night

Alison o’Daniel and Centennial High School Marching Band during the opening of Art Los Angeles Contemporary. Photo: Getty Images. Courtesy of ALAC.

Are art fairs dying out and is ALAC the harbinger? Is LA, per se, by its nature, immune to art fair frenzy? Maybe it’s the city itself, exploding everywhere with big new galleries that pop up in zones where less than a year ago there were nothing but old bodegas and abandoned factories whose real estate values have now skyrocketed. Maybe it’s the boom in artists’ spaces, new museums opening, collections being put together and an intense influx of artists and dealers from Europe and New York, in a new taming of the Wild, Wild West, that have made the city an enormous art fair open year-round, a machine well lubed with lucre, the promise of prosperity and the hope of snapping up that piece by the artist who’s sure to be next season’s Parker Ito. Maybe at this point LA is an undivided mall where anxiety need not limit itself to one weekend and a handful of miniscule events. Despite wild growth as regards the commercial apparatus, LA fairs maintain that rare charm of disinterest, the return to human scale, the idea you can focus on a few cubicles and on one or another artwork, although naturally these thoughts are only present in my head. I can’t say what this shrinking interest means in commercial terms; I don’t know precisely if it has to do with producing events for the very few in which even fewer are able to buy; but even if that were the case, those few in LA are a great many more than ever set foot in ALAC this year.

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A few visitors at ALAC. Photo: Víctor Albarracín.

That night, far from Santa Monica, everyone was jammed into Chateau Shatto, a gallery downtown where James Ferraro presented Burning Prius—a string and electronic quartet interpreted by musicians dressed as police officers, within the framework of an exhibition of Jean Baudrillard photographs. The piece, rather a lament on getting around in a car in a city where getting around is growing ever more impossible, held up easily from beginning to end, even if most of the audience was more enrapt with their telephones and with those who were elsewhere in the gallery, imbibing and dishing dirt brazenly, unabashed by a preference for idle chit-chat over the aridity of contemporary music.

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James Ferraro, Burning Prius. Courtesy of Chateau Shatto.

Another event said to be a must-do—at least if this review is to make any sense—was Paramount Ranch, a fair on the other side of the Malibu hills, this year in its third edition. On an Old West ghost-town set, Paramount Ranch brings together a number of galleries and non-represented artists representative of the Angelino scene, as well as enthusiasts from the post-internet generation that fill everything up with painted screen-grabs and cynical objects in contrast to their commercial and rather self-complacent nature. The day wore on amid storm alerts, traffic accidents, trees toppled onto freeways and not a little cold. Paramount Ranch promised at least one important piece, to be seen for the first time in Los Angeles: Tree (2014), by Paul McCarthy, an inflatable sculpture shaped like a butt-plug that set up the artist for quite a bit of controversy—even a knuckle sandwich or two—slightly more than a year ago in Paris. That said, life isn’t all milk and honey and merciless winds forced Tree’s deflation. Attempts to re-inflate failed, so, for me at least, the final Paramount tally—besides the grippe and muddy shoes—is an image of something big in the process of inflation or deflation without ever really knowing what was going on. Friends said it was better to stay home and maybe they were right. The tourist’s preoccupation with getting out there is not always the sagest counselor.

The weekend concluded. But the LA fair will be open every day of the year.

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Deflated Paul McCarthy at Paramount ranch. Photo: Víctor Albarracín.

 

Victor Albarracín Llanos is a curator, artist and author based between Bogotá and Los Angeles. He has co-founded and been involved with artist spaces including El Bodegón (Bogotá, 2005-2009) and Selecto–Planta Baja (Los Angeles, 2014–). He was the recipient of the Premio Nacional de Crítica in 2009 and of a Fulbright Fellowship (2013-2015). He is part of the curatorial team of the 44th Salón Nacional de Artistas to open in September 2016 in Pereira, Colombia.

 

 

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Paramount Ranch, Los Angeles, 2016. Foto: Víctor Albarracín.

Blow (job)

Los Angeles Art Weekend y más

Cuando se va a visitar ferias o semanas de arte en ciudades que no son la de uno, lo mejor es siempre dejarse llevar por los locales, abandonarse a aquellos que saben en dónde estar y no suponer que uno debe usurpar el lugar del Dios del cielo queriéndolo ver todo y en todo momento. Las ferias crean burbujas de tensión, gente a punto de colapsar por querer ir de un lado al otro: de fiesta, de chisme, de compras, de visita. Todos queremos postear en Instagram nuestros hallazgos, hacer que todos se enteren de en dónde estuvimos y con quién. O al menos en las horas previas a cuando nos desmayamos por mucho arte, muchos drinks o mucho de lo que sea que haya reemplazado a la cocaína y que no sé en este momento qué será.

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Mutant Salon. Sexorcises, performance. Foto: Garret Hill. Cortesía de Commonwealth and Council.

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Mutant Salon. Sexorcises, vista de la instalación. Foto: Rubén Díaz. Cortesía de Commonwealth and Council.

Llegué a Los Angeles con una semana de ventaja para las ferias, así que pude ir al opening de los Sexorcises del Mutant Salon, el proyecto de salón de belleza, consulta astrológica, tienda de tatuajes, laboratorio de performance o escultura participativa, monstruo queer, trans y post-todo que abría en Commonwealth and Council, un espacio abierto por Young Chung hace unos cinco años y, últimamente, siempre atestado en sus inauguraciones y comentado en la prensa especializada. Para Sexorcises, Mutant Salon había involucrado en este evento a un grupo amplio de colaboradores que se retorcían, corrían, se caían, se tocaban, se tatuaban, fornicaban y muchas otras cosas, sobre regueros de grasa, gel, vaselina y fluidos viscosos indeterminados que accidentadamente tenían lugar entre videos, elementos escenográficos, sonido y esculturas dispuestas caóticamente en el espacio. La intensidad de una acción que se prolongó por horas en un recinto atestado de público bebiendo, prestando atención y cotorreando intermitentemente, dejó al final de la noche un desmadre de residuos, desorden y elementos indiscernibles que, supongo, continuarán exhibiéndose durante el mes que le queda al show.

Por andar en la decadencia me perdí la inauguración de Meg Cranston, Pizza, Bagpipe, Carburetor, que abría en Meliksetian/Briggs, una pequeña galería de Fairfax que suele presentar expos pequeñas y refinadas. Ésta, que pude ver un par de días después, era un ejercicio de representación visual de un listado de palabras que Cranston había construido a partir de un generador aleatorio de sustantivos en línea. La exposición, compuesta con elegancia de pinturas, collages y objetos que oscilaban con suavidad entre el rosa y el azul pálido, era un remanso de paz y un pinchazo perfecto, sentimental y lleno de una ironía sin aspavientos, estructural en el trabajo de Cranston, donde el insulto preciso siempre es dicho de la forma más dulce.

Meg Cranston

Meg Cranston, Pizza, Bagpipe, Carburetor, vista de la instalación. Cortesía de Meliksetian / Briggs.

Ya en el preámbulo de las ferias, Erwin Wurm presentó en Schindler House una reiteración más, en la larga serie de sus reiteraciones, de algunas One Minute Sculptures. Y sí, había que ponerse el perrito de peluche en los hombros, había que cambiar la esponja de estante, había que sentarse sobre un palito imitando la pose propuesta por el artista, había que ponerse el suéter en todo el cuerpo, metiendo ambas piernas por una manga y ambos brazos por la otra, y así. Aunque la exposición hacía énfasis en que se trataba, como su nombre lo indica, de esculturas de un minuto, algunas se tomaban diez segundos y otras hasta cinco minutos, ya fuera por su dificultad intrínseca o por la interminable búsqueda del selfie perfecto.

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Erwin Wurm, One Minute Sculptures en Schindler House. Foto: Verónica Fernández.

Llegó el día de las ferias. No había tensión ni frenesí, a pesar de que la misma noche abrían LA Art Show, Art Bandini, The Independent Art Show, Art Los Angeles Contemporary y otras de las que nunca me enteré. Me perdí la apertura de ALAC, la feria con más relevancia histórica en la ciudad, que completa ya más de veinte ediciones a la fecha. Debo decir que no me lo perdí por gusto, pues habría ido de buena gana a ver el acto central de la noche, una presentación de la Centennial High School marching band, una agrupación escolar de Compton, ese lugar que en el imaginario blanco de quienes van a ferias de arte suena a gente de etnicidades sospechosas y a calles oscuras que deben ser evitadas. Esta banda colaboró con la siempre magnífica Alison O’Daniel para producir un performance poderoso e incómodo.

Art Los Angeles Contemporary 2016 Opening Night

Alison o’Daniel y Centennial High School Marching Band durante el opening de Art Los Angeles Contemporary. Foto: Getty Images. Cortesía de ALAC.

Al día siguiente conseguí que mi amiga me llevara hasta allá. Entré gratis, contento y agradecido para comprobar lo que ya parecía desde afuera: La feria de arte contemporáneo mejor establecida en Los Angeles es minúscula, tan minúscula que inspira ternura en medio de una ciudad construida sobre la obsesión por un gigantismo ilimitado. Pocos stands en unas cuantas filas de galerías que hacían muy bien su tarea de lucir como una feria estándar en cualquier otro lugar del mundo. Muy pocos elementos en general, y menos aún para poder generar un juicio crítico sobre el arte contemporáneo de esta ciudad. ALAC tenía una programación interesante, con Kenneth Anger charlando sobre sus influencias y Charlie White conversando con Amanda Ross-Ho sobre el estatuto de la imagen en la era de internet. Durante buena parte de la tarde, la feria estuvo desolada, unas cuantas parejas deambulaban por los corredores del hangar sin mostrar nada de alegría. Los galeristas y sus asistentes bostezaban, tomaban café, se estiraban y jugaban con sus ipads y sus teléfonos, esperando a los compradores que no llegaban. Al final de la jornada se veía todo un poco menos dramático, pero el escaso flujo de visitantes daba bastante para pensar.

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Pocos visitantes en ALAC. Foto: Víctor Albarracín.

¿Están las ferias de arte llegando a su fin y es ALAC una premonición? ¿Es Los Angeles en sí misma, por su naturaleza, inmune al frenesí de las ferias? Quizás se trata de la ciudad misma, explotando por doquier por cuenta de las nuevas grandes galerías que ahora pululan en áreas en las que hace menos de un año solo había viejas bodegas y fábricas abandonadas y que hoy se valorizan vertiginosamente en el mercado inmobiliario. Quizás la explosión de espacios de artistas, la apertura de nuevos museos, el establecimiento de colecciones y la intensa migración de artistas y dealers que vienen de Europa o de Nueva York, en esta nueva versión de la conquista del salvaje Oeste, han hecho de la ciudad una enorme feria abierta todo el año, una máquina bien aceitada con dinero, promesas de prosperidad y esperanzas de agarrar al nuevo Parker Ito de la siguiente temporada. Quizás Los Angeles ya es un mall sin divisiones en el que la ansiedad no tiene razones para limitarse al fin de semana de unos eventos minúsculos. Ante el crecimiento salvaje del aparato comercial, las ferias de Los Angeles conservan ese encanto poco frecuente del desinterés, del retorno a una escala humana, del pensar que es posible concentrarse en unos cuantos cubículos y en una que otra pieza aunque, por supuesto, estos pensamientos solo estén presentes en mi cabeza. No sé lo que esa contracción del interés signifique en términos comerciales, no sé si, precisamente, se trata de producir eventos para muy pocos y en los que muy pocos tienen posibilidad de comprar, pero aún si así fuera, esos pocos en Los Angeles son muchos más de los que transitaban por ALAC.

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James Ferraro. Burning Prius. Cortesía de Chateau Shatto.

Esa noche, lejos de Santa Monica, todo el mundo se apiñaba en Chateau Shatto, una galería del Downtown en la que James Ferraro presentaba, en el marco de una exposición de fotos de Jean Baudrillard, Burning Prius, un cuarteto de cuerdas y electrónica interpretado por músicos vestidos como policías. La pieza, especie de lamento sobre el moverse en carro por una ciudad en la que moverse se está volviendo imposible, se sostenía con soltura de principio a fin, aunque la mayoría del público estaba más pendiente de sus teléfonos y de quiénes estaban en otros puntos de la galería, bebiendo y chismeando sin inhibiciones.

Paramount Ranch, una feria tras las montañas de Malibú presentaba este año su tercera versión. En una locación de pueblo fantasma del Far West, la feria congregaba a distintas galerías, a artistas no representados aunque representativos de la escena angelina y a entusiastas de la generación post-internet llenándolo todo de pantallazos pintados, de objetos cínicos frente a su naturaleza comercial y de bastante autocomplacencia. El día transcurrió en medio de alertas de tormenta, accidentes de tránsito en la vía, árboles caídos en el freeway y bastante frío. Paramount Ranch prometía, al menos, una pieza importante para ser vista por primera vez en Los Angeles: Tree (2014), de Paul McCarthy, una escultura inflable en forma de butt-plug por la que el artista recibió bastante polémica y un puñetazo hace poco más un año en París. Sin embargo, la vida no es miel sobre hojuelas, Tree tuvo que ser desinflada por culpa del viento despiadado, y los intentos por volverla a inflar resultaron fallidos, así que, para mí al menos, el balance de Paramount Ranch, además de un resfriado y zapatos llenos de barro, es la imagen de algo grande en proceso de inflarse o desinflarse sin nunca saberse qué está realmente sucediendo. Los amigos decían que era mejor quedarse en casa, y tal vez tenían razón. La ansiedad turística por intentar salir no es siempre buena consejera.

La semana terminó, y la feria en Los Angeles sin duda seguirá abierta todos los días del año.

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Paul McCarthy desinflado en Paramount Ranch. Foto: Víctor Albarracín.

 

 

Víctor Albarracín Llanos es curador, artista y autor radicado entre Bogotá y Los Angeles. Ha sido co-fundador y miembro de espacios de artistas que incluyen El Bodegón (Bogotá, 2005-2009) y Selecto–Planta Baja (Los Angeles, 2014–), entre otros. Becario Fulbright 2013-2015 y ganador, en Colombia, del Premio Nacional de Crítica, 2009. Actualmente es parte del equipo curatorial del 44° Salón Nacional de Artistas que se llevará a cabo en septiembre de 2016, en Pereira, Colombia.

 

 

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Yellow Sky, Pink Trees, Black Ground

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Escalando la cima

5.4.3.2.

Of the Survival of Images: Naufus Ramírez-Figueroa

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Hacia una nueva orilla

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