Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Verbo 2019 (15ª edición), Brasil

São Paulo & São Luís, Brasil 07/09/2019 – 07/18/2019


Galeria Vermelho – São Paulo (SP)
Chão SLZ  – São Luís (MA)
Re(o)cupa – São Luís (MA)

Curated by: Marcos Gallon and Samantha Moreira

The historical relation between Brazil and the artistic movements derived from live arts has evolved considerably from it’s more “centralized” beginnings in the 60s to it’s current practice which spreads throughout the entire country. Despite it’s inevitable change at the hands of time, the one thing that remains unchanged is the use of body language as a way of protesting the sociopolitical context of the country which has given birth to many of today’s most prominent voices in performative arts. One cannot speak of the Brazilian performative art scene without mentioning VERBO, the country’s leading performance arts festival which concluded its 15th edition this past July.

Beginning in São Paulo on July 9th and concluding in São Luís, Maranhão on July 18th, this year’s edition was the first to be presented in two different cities, a dialog between territories and perspectives brought together by the festival’s curators Marcos Gallon and Samantha Moreira. Ranging from a simple gesture with meaningful connotations, such as Lia Chaia’s Troca De Sorrisos in which the artist handed out printed smiles for the audience to wear, to more viscerally poetic works, such as Lucimélia Romão’s MIL LITROS DE PRETO: A MARÉ ESTÁ CHEIA in which the artist overfilled a pool with countless liters of blood-like liquid while sounds of gunshots mixed with testimonies related to recent fatalities of black individuals under the State’s oppression blasted through the speakers, the 15th edition of VERBO stood out for summoning an absent body or a somewhat missing nature through various perspectives which collide with the country’s tumultuous past and it’s uncertain present.

As a narrative exercise of the living body in action that presents itself in front of others, we invite artists D.C., Tieta Macau, Lucimélia Romão, Lia Chaia, Rafa Esparza and Elilson—who were part of this edition of VERBO—to a cross-writing that brings together the performances of each one of them under the common thread of the presence/absence of several identities or “bodies” which manifest themselves through a single individual who reenacts the essence of their nature and seeks to free it’s attachment to a contradicting society such as Brazil’s.

—Rigo Campuzano 

Tieta Macau (São Luís, Brazil), Ancés, 2019. 30-50′. Creation and performance: Tieta Macau. Photo: Edouard Fraipont. Image courtesy of VERBO

D.C. about Ancés by Tieta Macau

Liberation process, to deny that which transforms the body into an object.
The act or effect of decolonizing.

For Fanon, decolonization is the colonized subject’s capacity or process to say no, a negation that transforms the subject into a political one. This way, the colonized body is no longer an object but, instead, it converts in a subject, owner of its history.

The simplicity; rough, impolite, natural; without education. This is the process of decolonization, of returning to the origin, of being natural. Of returning to that simplicity which is not domesticated, or that does not let itself be suppressed.

One of the Eurocentric ideas was that of domination through the domestication of the body, mind, and spirit. Thus, decolonization is that which says no.

TIETA, impolite, insults the owner of her history, which is not whiten.

Lucimélia Romão (São João del Rei, Brazil), MIL LITROS DE PRETO: A MARÉ ESTÁ CHEIA, 2019. 30′. Creation: Lucimélia Romão. Performers: Josefa Ambrósio de Souza, Lucimélia Romão and Maria Lúcia de Souza. Audio: Matheus Correa and Lucimélia Romão. Exhibition project: Lucimélia Romão. Staff: Liliane Crislaine, Ivani Melo and Tainã Moreno. Photo: Edouard Fraipont. Image courtesy of VERBO

Tieta Macau about MIL LITROS DE PRETO: A MARÉ ESTÁ CHEIA by Lucimélia Romão

A thousand litters of an overflowing tide that sluices from the damp eyes of mothers, blood drains from the walls filled with white narratives. Lucimélia, black; her mother and her aunt, black; black are the women that blossom. With each buzzer, with each drop of the seven litters of thick, red liquid, we are dragged into the naturalness of BLACK genocide and, as Abdias and Negro Bispo suggest, regardless of the regime, the “CLEAR” intention was to expropriate us, of taking what is ours. To even rip off of the black body the experience of death as an ancestral vehicle. Litters that sprout out of those that are left and those that leave, those whom wash with pain and run in prayer to Aruanda, so that she can carry her own. That is the only certainty that we can have. Accusation. The tide is full, it soon progresses.

Lia Chaia (São Paulo, Brazil), Troca de Sorrisos, Created and performed by Lia Chaia. Variable duration. Photo: Edouard Fraipont. Image courtesy of VERBO

Lucimélia Romão about Troca de Sorrisos by Lia Chaia

Lia and her smiles were spread out. Mini-masks of smiles were given to all the people that were present. A simple action of great effect. In just a few moments the atmosphere was transformed, contaminated with smiles and even laughter. The smiles, which varied from the natural to the unnatural, allowed for closeness and affection between the passers-by. To smile is a human necessity, a movement that carries great significance within itself. A manifesto for better days. The comfort that the artist offers us travels against the path that follows Brazil today.

Rafa Esparza (Los Angeles, USA), no vine a morir, 2019. Undetermined duration. Created and performed by Rafa Esparza. Photo: Edouard Fraipont. Image courtesy of VERBO

Lia Chaia about no vine a morir by Rafa Esparza

In no vine a morir [I didn’t come here to die], Rafa Esparza, with his body covered in small mirrors, has walked from the city center of São Paulo to the patio of Galeria Vermelho. His body reflects the light of the city. Outside of the gallery, his movements take him to a previously opened hole in the concrete floor. His feet sink towards the center of the earth. His legs act as roots. Without sinking his torso, the artist inflates dozens of white balloons until exhaustion. The air extends his lungs and the artist detaches himself from the earth. He breathes, lives and resists.

Elilson (São Paulo, Brazil), Gota: exposição oral 20, 2016-2019. 30′. Created and performed by Elilson. Photo: Edouard Fraipont. Image courtesy of VERBO

Rafa Esparza about Gota: exposição oral 20 by Elilson

I made my way to the bar to grab a drink while I waited for the performance to begin. In the middle of the driveway stood a tall slender man holding at his side a red bucket. There was people walking about. Through the shuffling of their moving bodies I saw someone pour water from their container into the red bucket while they greeted each other. I’d soon learn that the man holding the red bucket was Elilson, the performer that people began to gather around as they poured out of the gallery to witness his performance titled Gota: exposição oral 20 [Drop: oral exhibition 20]. The performance progressed through a reading of Elilson’s text, a collection of accounts of homophobic events ranging in violent expressions, intermittently punctuated with Elilson taking a step backwards with the bucket, placing it in front of him before he’d reach in with his hand and drink a fistful of water from it. People’s expressions clued me in as to what the text was conveying through the emotive affect of his writing. At moments people would smile, giggle, frown, grunt, or hum in agreement; attentive at all times the audience was huddled closely around him with the majority of them sitting on the floor creating a tight oval around Elilson. At the end of his reading, he grabbed the bucket, lifted it up to his lips and took a long gulp; he slowly brought it down to the ground and tipped it letting the water spill out towards the crowd. Quickly people stood up to avoid being touched by the rapidly expanding leak. And just like that the intimacy that gathered around his reading was ruptured with the very material that drew everyone’s attentive spirit towards Elilson.

Gota: exposição oral 20 is one of Elilson’s most recent iterations of the work that he’s been building which first began years ago. The power in his work is an important aspect that materializes away from the space where the reading occurs, in local streets and sidewalks where Elilson spends the day collecting water from strangers; the water that he then consumes as part of his performance. This ritual seemingly simple is loaded with meanings and connotations that implicate society’s humanity. In big metropolitan cities where panhandling is as common as the skyscrapers that abound in the density of their landscapes, how often are you asked for spare change? How often do you spare it? And how often are you asked for food? Water? These questions remain dialectically conversive with what Elilson offers up in his writing. An unlikely exchange that harnesses people’s generosity from one place and into a cleansing ritual of sorts in another. Elilson’s drinking is an act of healing, a bathing, a rinsing of an interiority, a mouth doing the labor of speaking the truths of homophobia in a political climate where trans* and queer bodies are made even more vulnerable through the hate mongering rhetoric of self-proclaimed homophobic president Jair Bolsonaro. [1] Fear of escalated hate crimes since he’s been elected permeate amongst marginalized communities, and rightfully so. Dubbed the Trump of the Tropics, Bolsonaro has also advocated for police to kill criminals more freely. Elilson’s use of water initiated as a public demand for accountability in the school he taught at where a homophobic graffiti Viado bom é viado morto (A good fagot is a dead faggot) appeared one day on campus. He took to school grounds and asked students for water that he collected and used to scrub the graffiti off the wall. His quiet yet subversive request for water from strangers amasses power and weight as his bucket fills up and is transformed through his public testaments, through his queer body, into a substance, a material inextricable from it’s origins-potentially homophobic, hateful, potentially a threat to Elilson himself that provides hydration and soothing when spoken truths that are hard to swallow are made visible. However herein also lies the challenge of accountability; it is a task we must all participate in, in witnessing the ugliest and horrid realities that we all as humans have the potential to enact and become.

Elilson calls on the resilient labor of transformation and the labor it takes to maintain change a constant force; for even while we hold water collected in the spirit of generosity, it is precarious and can easily spill and be wielded to break the work of building a space, a community, a world through compassion, attentive seeing, and deep listening.

D. C. (São Paulo, Brazil), Confessionário, 2018. 10′. With D. C.. Photo: Edouard Fraipont. Image courtesy of VERBO

Elilson about Confessionário by D.C.

In Confessionário, D.C. shared a text with the testimonies of 50 of the 230 white, middle-class guys that had sex with Bianca, their transvestite heteronym. The story demonstrates the extermination policies of the Brazilian government that legitimize the forced heteronormativity in which LGBT peoples are killed daily.

For the reading, they summoned women, blacks and LGBT peoples, bodies that are vulnerable to the violence of a white cis-hetero-patriarchal State. Completing the chorus that verbalized the voice of that who kills, a shift on the idea of dissonance: two heterosexual cis men, for just a moment, become the minority. Behind their heads, two paintings that represent the minds of the narrators offset many of those who came to see the performance: a normalized and unscathed mass before the violence that kills those who assume life as an expression of multiplicity.

[1] Bolsonaro has advocated for parents to beat the gay out of their children, and in an interview in 2013 stated: “Yes, I’m homophobic—and very proud of it.”


Galeria Vermelho – São Paulo (SP)
Chão SLZ  – São Luís (MA)
Re(o)cupa – São Luís (MA)

Curaduría por: Marcos Gallon y Samantha Moreira

La relación histórica entre Brasil y los movimientos artísticos derivados de las artes vivas ha evolucionado considerablemente desde sus comienzos más “centralizados” en los años sesentas hasta su práctica actual que se extiende por todo el país. A pesar de su inevitable cambio en las manos del tiempo, lo único que permanece sin cambios es el uso del lenguaje corporal como una forma de protestar el contexto sociopolítico del país que ha dado origen a muchas de las voces más prominentes de la actualidad en el arte del performance. No se puede hablar de la escena artística performativa brasileña sin mencionar VERBO, el principal festival de artes escénicas del país que concluyó su 15ª edición el pasado julio.

Comenzando en São Paulo el 9 de julio y concluyendo en São Luís, Maranhão el 18 de julio, la edición de este año fue la primera que se presentó en dos ciudades diferentes, un diálogo entre territorios y perspectivas reunidos por lxs curadorxs del festival Marcos Gallon y Samantha Moreira. Desde un simple gesto con connotaciones significativas, como Troca de Sorrisos de Lia Chaia en la que la artista entregó sonrisas impresas para que el público las usara, hasta obras visceralmente poéticas, como MIL LITROS DE PRETO: A MARÉ ESTÁ CHEIA de Lucimélia Romão —para la cual, la artista llenó en exceso una piscina con incontables litros de líquido similar a la sangre, al mismo tiempo que sonidos de disparos mezclados con testimonios relacionados con muertes recientes de personas negras bajo la opresión del Estado se expandían a través de los altavoces—, la 15ª edición de VERBO se destacó por convocar a un cuerpo ausente o una naturaleza un tanto faltante a través de diversas perspectivas que chocan con el tumultuoso pasado del país y su presente-futuro incierto.

Como un ejercicio de narración del cuerpo vivo en acción que se hace presente frente a otrxs, invitamos a lxs artistas D.C., Tieta Macau, Lucimélia Romão, Lia Chaia, Rafa Esparza y Elilson, quienes formaron parte de esta edición de VERBO, a una escritura cruzada que reúne los performances de cada unx de ellxs bajo el hilo conductor de la presencia/ausencia de varias identidades o “cuerpos” que se manifiestan a través de un solo individuo, quien recrea la esencia de su naturaleza y busca liberar su apego a una sociedad contradictoria como la de Brasil.

—Rigo Campuzano 

Tieta Macau (São Luís, Brasil), Ancés, 2019. 30-50′. Creación y performance: Tieta Macau. Foto: Edouard Fraipont. Imagen cortesía de VERBO

D.C. sobre Ancés de Tieta Macau

Proceso de liberación, negar aquello que transforma el cuerpo en un objeto.
Acto o efecto de descolonizar.

En el pensamiento fanoniano, descolonizar es el proceso o la capacidad del sujeto colonizado para decir no, negación que le convierte en sujeto político. De esta manera, el cuerpo colonizado deja de ser un objeto y se convierte en sujeto, dueño de su historia.

La simplesa; áspera, descortés, natural; sin educación. Este es el proceso de descolonización, volver al origen, ser natural. Aquella simplesa que no está domesticada, o no se deja dominar.

Uno de los pensamientos eurocéntricos fue la dominación por la domesticación de cuerpo, mente y espíritu. Por lo tanto, la descolonizada es aquella que dice no.

TIETA, descortés, insulta al dueño de su historia, la cual, no emblanquece.

Lucimélia Romão (São João del Rei, Brasil), MIL LITROS DE PRETO: A MARÉ ESTÁ CHEIA, 2019. 30′. Creación: Lucimélia Romão. Intérpretes: Josefa Ambrósio de Souza, Lucimélia Romão y Maria Lúcia de Souza. Audio: Matheus Correa y Lucimélia Romão. Proyecto expositivo: Lucimélia Romão. Equipo: Liliane Crislaine, Ivani Melo y Tainã Moreno. Foto: Edouard Fraipont. Imagen cortesía de VERBO

Tieta Macau sobre MIL LITROS DE PRETO: A MARÉ ESTÁ CHEIA de Lucimélia Romão

Mil litros de una marea desbordante que escurre de los ojos húmedos de las madres, escurren en sangre las paredes llenas de narraciones blancas. Lucimélia, negra; su madre y su tía, negras; negras son las otras mujeres que brotan. Con cada sirena, con cada gota de siete litros de líquido rojo espeso, somos arrastradxs a la naturalidad del genocidio NEGRO, y como sugieren Abdias y Negro Bispo, independientemente del régimen, la intención “CLARA” siempre fue expropiarnos, tomar lo nuestro. Arrancar del cuerpo negro incluso la experiencia de la muerte como un vínculo ancestral. Litros que brotan de los que se quedan y de los que se van, quienes se lavan con dolor y corren en oración a Aruanda, para que ella cargue con los suyos. Es la certeza que podemos tener. Denuncia. La marea está llena, pronto avanza.

Lia Chaia (São Paulo, Brasil), Troca de Sorrisos, Creado e interpretado por Lia Chaia. Duración variable. Foto: Edouard Fraipont. Imagen cortesía de VERBO

Lucimélia Romão sobre Troca de sorrisos de Lia Chaia

Lia y sus sonrisas se extendieron. Se entregaron mini máscaras de sonrisas a cada persona que estaba allí. Una simple acción de gran efecto. En unos momentos la atmósfera se transformó, contaminada con sonrisas e incluso carcajadas. Las sonrisas que variaban desde lo natural hasta lo antinatural permitieron afectos y cercanía entre los transeúntes. La sonrisa es una necesidad humana, un movimiento que lleva un mundo de significado dentro de sí mismo. Un manifiesto por mejores días. La comodidad que nos ofrece lx artista viaja contra el camino que sigue Brasil en la actualidad.

Rafa Esparza (Los Ángeles, EE.UU.), no vine a morir, 2019. Duración indeterminada. Creado e interpretado por Rafa Esparza. Foto: Edouard Fraipont. Imagen cortesía de VERBO

Lia Chaia sobre no vine a morir de Rafa Esparza

En no vine a morir, Rafa Esparza, con su cuerpo cubierto de pequeños espejos, ha caminado desde el centro de São Paulo hasta el patio de la Galería Vermelho. Su piel refleja la luz de la ciudad. Fuera de la galería, sus movimientos lo llevan a un agujero previamente abierto a través del concreto. Sus pies se hunden hacia el centro de la tierra. Sus piernas actúan como raíces. Sin hundir el torso, el artista infla docenas de globos blancos hasta el cansancio. El aire extiende sus pulmones y el artista se desprende desde el interior de la tierra. Respira, vive y resiste.

Elilson (São Paulo, Brasil), Gota: exposição oral 20, 2016-2019. 30′. Creado e interpretado por Elilson. Foto: Edouard Fraipont. Imagen cortesía de VERBO

Rafa Esparza sobre Gota: exposição oral 20 de Elilson 

Me dirigí hacia el bar para tomar un trago mientras esperaba que comenzara el performance. En medio de la entrada había un hombre alto y delgado que sostenía a su lado una cubeta roja. Había gente caminando por ahí. Mientras sus cuerpos en movimiento se barajeaban, vi a alguien vaciar agua de su recipiente en la cubeta roja mientras se saludaban. Pronto me enteré de que el hombre que sostenía la cubeta roja era Elilson, el artista con el que la gente comenzó a reunirse cuando salían de la galería para presenciar su performance titulada Gota: exposição oral 20 [Gota: exposición oral 20]. El performance progresó a través de una lectura del texto de Elilson, una colección de relatos de eventos homofóbicos que varían en expresiones violentas, puntuadas intermitentemente por Elilson dando un paso hacia atrás con la cubeta, colocándola frente a él antes de que introdujera en ella su mano y bebiera un puño de agua. Las expresiones de la gente me indicaron qué transmitía el texto a través del emotivo efecto de su escritura. Por momentos la gente sonreía, reía, fruncía el ceño, gruñía o tarareaba en señal de acuerdo; atento en todo momento, el público se acurrucó cerca de él, la mayoría de ellxs sentadxs en el suelo creando un óvalo apretado alrededor de Elilson. Al final de su lectura, agarró la cubeta, se la llevó a los labios y dio un largo trago; lentamente la bajó al suelo y la inclinó dejando que el agua se derramara hacia la multitud. Rápidamente las personas se pusieron de pie para evitar ser tocadas por la fuga que se expandía rápidamente. Y así, la intimidad que se reunió en torno a su lectura se rompió con el mismo material que atrajo el espíritu atento de todos hacia Elilson.

Gota: exposição oral 20 es una de las iteraciones más recientes de Elilson sobre el trabajo que ha estado construyendo, el cual comenzó hace años. El poder en su trabajo es un aspecto importante que se materializa lejos del espacio donde ocurre la lectura, en las calles y banquetas locales donde Elilson pasa el día recogiendo agua de extraños; agua que luego consume como parte de su actuación. Este ritual aparentemente simple está cargado de significados y connotaciones que implican a la humanidad de la sociedad. En las grandes ciudades metropolitanas donde el mendigar es tan común como los rascacielos que abundan en la densidad de sus paisajes, ¿con qué frecuencia te piden unas monedas sueltas? ¿Con qué frecuencia escatimas? ¿Y con qué frecuencia te piden comida? ¿Agua? Estas preguntas permanecen dialécticamente en conversación con lo que Elilson ofrece en su escrito. Un intercambio improbable que aprovecha la generosidad de las personas de un lugar y en un ritual de limpieza de otro tipo. La bebida de Elilson es un acto de curación, un baño, una limpieza interior, una boca que hace el trabajo de decir las verdades de la homofobia en un clima político donde los cuerpos trans* y queer se vuelven aún más vulnerables a través de la retórica del odio y el egoísmo del presidente Jair Bolsonaro autoproclamado homofóbico. [1] El miedo a la intensificación de los crímenes de odio desde que fue elegido se infiltra entre las comunidades marginadas, y con razón. Apodado el Trump de los Trópicos, Bolsonaro también ha abogado por la policía para que puedan matar criminales de forma más deliberada. El uso del agua por parte de Elilson se inició como una demanda pública de responsabilidad en la escuela a la que enseñó, donde un graffiti homofóbico Viado bom é viado morto [Un buen maricón es un maricón muerto] apareció un día en el campus. Llegó a los terrenos de la escuela y pidió a los estudiantes agua, la cual recolectó y usó para limpiar el graffiti de la pared. Su petición discreta pero subversiva del agua de extrañxs acumula poder y peso a medida que su cubeta se llena y se transforma a través de sus testamentos públicos, a través de su extraño cuerpo, en una sustancia, un material inextricable desde sus orígenes: potencialmente homofóbico, odioso; potencialmente una amenaza al propio Elilson que proporciona hidratación y alivio cuando se hacen visibles las verdades habladas difíciles de tragar. Sin embargo, aquí también se encuentra el desafío de la rendición de cuentas; es una tarea en la que todxs debemos participar, al presenciar las realidades más grotescas y horribles que todxs nosotrxs como humanos tenemos el potencial de representar y convertir.

Elilson hace un llamado al trabajo resistente de la transformación y al trabajo que se necesita para mantener el cambio como una fuerza constante; porque incluso mientras retenemos el agua recolectada en el espíritu de la generosidad, es precaria, puede derramarse fácilmente y ser utilizada para romper el trabajo de construcción de un espacio, una comunidad, un mundo a través de la compasión, la mirada atenta y la escucha profunda.

D. C. (São Paulo, Brasil), Confessionário, 2018. 10′. Con D. C.. Foto: Edouard Fraipont. Imagen cortesía de VERBO

Elilson sobre Confessionário de D.C.

En Confessionário, D.C. compartió un texto de los testimonios de 50 de los 230 chicos blancos de clase media que tienen sexo con Bianca, su heterónimo travesti. El relato es una muestra de la política de exterminio del gobierno brasileño que legitima la obligación de la heteronormatividad, la cual mata a personas LGBT diariamente.

Para la lectura, convocó a mujeres, negrxs y personas LGBT, cuerpos que son vulnerables a la violencia de un Estado blanco cis-hetero-patriarcal. Completando el coro que verbalizó la voz del que mata, un giro en la idea de la disonancia: dos hombres cis heterosexuales, por un momento, son una minoría. Detrás de sus cabezas, dos pinturas que representan la mente de lxs narradorxs contrarrestaron a muchos de lxs que vieron el performance: masa normalizada e ilesa ante la violencia que mata a quienes asumen la vida como expresión de multiplicidad.

[1] Bolsonaro ha abogado por que los padres le quiten a golpes lo homosexual a sus hijxs, y en una entrevista en 2013 declaró: “Sí, soy homofóbico, y estoy muy orgulloso de ello”.

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