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Distancia doble: Ana Bidart y Armando Rosales en ESPAC, Ciudad de México

Por Diego Del Valle Ríos Ciudad de México, México 02/01/2019 – 05/18/2019

Vista de instalación, Distancia doble: Ana Bidart y Armando Rosales, ESPAC, Ciudad de México, 2019. Imagen cortesía de ESPAC

Some time ago I began to suspect the immutability of the oh-so famous institutionalized “white cube”. I suspect its hygienic illumination, the distance that prevails in its social dynamics, the numb language that sustains it. Too predictable. Too stable. And although the purity and sterilization created by modernity have undoubtedly been contaminated by dissident and risky proposals, it has made the frivolous pretense of certainty its most enduring essence, which in turn is complicit with the consumerism of a hyper-accelerated spectacle society. Disturb it is the necessary fertile constant.

According to Professor Stavros Stavrides, spaces are a fundamental power for the projection of other possible social worlds. Being these spaces inhabited through the disposition of objects and subjects, shared worlds are shaped through the social interactions that they arouse. As an echo of the decolonial call of causing total collapse as the only way to re-invent ourselves, Stavrides points out to the need to (re)create the spaces starting by destroying them. In this way, we can find the power that lies in effecting (performing) social relationships as that ability that allows us to create our own history as human beings. Following Virno and Benjamin—and without realizing it also following the Aymara knowledge about time—, Stavrides proposes to fracture the Western linearity of History so that the potentialities of the unrealized past, those that failed to manifest themselves, those that allow us to re-think what is necessary and urgent to change to dismantle the instrumentalization of spaces by capitalism. How do we re-experience spaces in a present-future that promises their end as we know them? Is there a way to inaugurate other sensitivities that allow us to prepare ourselves for this imminent transformation of spaces and their effect on social relations?

Ana Bidart, Velocímetro, 2019. Gis sobre muro. Imagen cortesía de ESPAC

ESPAC, in Mexico City, is one of the many exhibition spaces that inhabit architectures that were originally thought of as homes. Located in a mostly residential area, the daily life that flows through and around the perimeter of this house encourages the re-signification of the “white cube” from the artistic and museographic. Faced with the urgent question of how to re-signify the encounters that arise in an artistic system that exceeds itself, the ESPAC team, Ana Bidart and Armando Rosales collaborated in Distancia doble to explore the exhibition space from an artistic sensibility that subverts the inhabiting of the house as a potential way to open reflections on the inhabiting and the common. In dialogue with works by Roberto Matta, Enrique Guzmán, Wilfredo Lam, José Clemente Orozco, and Carlos Mérida, who are part of the ESPAC collection, the artists burst the abstraction that characterizes them to establish spatial and conceptual relationships from their own explorations and artistic and personal reflections. These works represent unstable bodies in a constant flow that confuse, dislocate and stress the typified figures of the physical, both in its material and anatomical aspect. Created throughout the 20th century, that one century that inaugurates existential crises, this set of works is relocated to the present as an urgent reminder about the potential of reimagination as a way of freedom. As one of the set points of our social relations in the art system, can the exhibition space trigger a re-configuration and re-signification of our inhabiting as an “artistic community”?

By means of subtle gestures, Ana Bidart urges us to recognize the vitality that runs through the house that evolved into an exhibition space. Her works are the documentation of a space in movement in relation to the environment and the body that inhabits it, be it the human body or the body of artistic works. Ana integrates into the exhibition the temporal and meteorological dimension when tracing the path of sunlight on the wall of the exterior patio of the house (Velocímetro, 2019) and when placing a sheet of paper in one of the corners of a high wall of the inner courtyard, same that is made present through its shadow and sound when blowing in the air and giving it movement (Hoja de sala, 2019). Light and wind are present through a poetics of contemplation to recognize that everything realized by the human being is an extension of nature that inevitably affects it and that consequently corresponds to us.

In the interior of the space, Ana demonstrates the transformation of that same space that resulted from the physical work of the exhibition’s installation. Materials such as paint or tape are mimicked with the ground and the corners of the architecture to be part of the history of ESPAC through the traces of past exhibitions that our attention does not take into account. The accidental and fortuitous appear here as a small revolt of the senses of a gaze accustomed to going through an exhibition always facing a disposition of objects that are hardly distant from the standardization of museographic designs that organize them. The disorientation of the gaze as a metaphor to imagine other ways of subverting the spatial.

Ana Bidart, Tiro al blanco (Enrique Guzmán), 2019. Pintura acrílica sobre lino. Imagen cortesía de ESPAC

The experimentation of other ways of living together is only possible when vulnerability is its starting point. The hegemony of the sociopolitical and cultural system that organizes and manages our reality imposes distance and insensibility through violence and fear to annul all power of communality, of “making life from the common” in the words of the Mixe thinker, Floriberto Díaz. To recognize physical, emotional or spiritual wounds is to recognize the possibility of healing. Is the exhibition space a space that allows for shared vulnerability? Armando Rosales diffuses the interior and exterior by perforating the architecture of the ESPAC house over and over again, crossing the boundaries with thick knotted ropes that allegorically unite what has been naturalized as opposites (Flujo 2, 2019). By making the stability of the “white cube” vulnerable, Armando reminds us that the work of art is reciprocal to the world and that it’s not only contained by the space that exhibits it. Likewise, he recalls that in exposing our artistic and intellectual work, we expose ourselves by diluting the margins between the labor and the personal (public and private), invariably linked aspects affecting each other. Recognizing that an exhibition space presents us with vulnerability, that is, thoughts and feelings of the artists through the work—although it has its own autonomy once it is created and presented—is a possible path to re-signifying the multiplicity of contexts that we share through art and the social relationships that take place in them. In what way can we sharpen the intrinsic forces of the exhibition space so that they affect the policies that organize us as an “artistic community”?

One of the richest collective habits that art allows is the proximity that the spatio-temporal encounter of bodies arouses through objects, actions, and ideas that crystallize our socialization. However, at present, this proximity is almost entirely mediated by eventualities triggered by consumption and spectacle logics, same that dilute the power that lies at the confluence. From a reflective awareness about how we affect from the body and how other bodies affect us, both artists trace relational tensions.

Armando Rosales, Flujo 2, 2019. Cuerda de rafia, agujeros sobre pared de ladrillo. Imagen cortesía de ESPAC

Bidart, through the series of paintings titled Tiro al blanco, provides a new body to some of the works exhibited from the collection. It seems to depart from an important observation: why is the masculine sensibility the one that inhabits the exhibition space? Ana makes a subversive reflection of the color palette and composition in the works of Matta, Mérida, and Guzmán through a still gesture of dripping that dismantles the masculine myth of modernity in art. Sensibility as a continuous subversion.

On his part, Armando intervenes in the pre-established order of the exhibition space and its exhibition protocols with the intention of re-signifying the context: it reveals the interior coating of drywall when discovering a window that has been hidden (Doceavo uso de lo ajeno: la vía, 2019), and in turn manipulates the automatic artificial lighting system to darken the room every certain period of time. Contrasts are revealed while the gaze becomes accustomed to the darkness. In this way, the artist interrupts with the experience and affects the perception and appreciation of the works by disorienting the public’s gaze.

Every unfolding and organization of artistic work and discourse involves the body and, therefore, the policies that affect it. To put in tension the common habit through reimagination, is here a proposal of continuous experimentation that will be carried out in ESPAC from now on or an isolated exercise that runs the risk of being reduced to the anecdotal? Personally, the act of this aesthetic politic of disorganization and destruction of spatial certainties in the field of the institutionalized white cube is rich and substantial. We now have to replicate this destabilization of certainties assumed to open spaces of poetry where body, object, and space are revealed in their multiplicity.

Vista de instalación, Distancia doble: Ana Bidart y Armando Rosales, ESPAC, Ciudad de México, 2019. Imagen cortesía de ESPAC

Hace tiempo que comencé a sospechar sobre la inmutabilidad del famoso “cubo blanco” institucionalizado. Sospecho de su higiénica iluminación artificial, de la distancia que prevalece en sus dinámicas sociales, del lenguaje entumido que le da sustento. Demasiado predecible. Demasiado estable. Y aunque sin duda la pureza y esterilización del mismo, creadas por la modernidad, han sido contaminadas por propuestas disidentes y arriesgadas, éste ha hecho de la frívola pretensión de certeza su más perdurable esencia cómplice del consumismo de una sociedad del espectáculo hiperacelerado. Desordenarlo es la necesaria fecunda constante.

De acuerdo al profesor Stavros Stavrides, los espacios son potencia elemental para la proyección de posibles mundos sociales otros. Habitados estos espacios a través de la disposición de objetos y sujetos, se conforman mundos compartidos mediante las interacciones sociales que suscitan. Como eco del llamado decolonial por provocar el total colapso como única manera de reinventarnos, Stavrides señala hacia la necesidad de (re)crear los espacios comenzando por destruirlos. De esta forma, se puede encontrar la potencia que radica en efectuar (performar) las relaciones sociales como aquella habilidad que permite crear nuestra propia historia como seres humanos. Siguiendo a Virno y a Benjamin —y sin darse cuenta siguiendo también el conocimiento aymara sobre el tiempo—, Stavrides propone fracturar la linealidad occidental de la Historia para que sean las potencialidades del pasado no realizado, aquellas que no lograron manifestarse, las que permitan repensar aquello que es necesario y urgente cambiar para desmantelar la instrumentalización de los espacios por parte del capitalismo. ¿Cómo re-experimentamos los espacios en un presente-futuro que promete el fin de los mismos como los conocemos? ¿Hay manera de inaugurar sensibilidades otras que nos permitan prepararnos para esa inminente transformación de los espacios y su efecto en las relaciones sociales?

Ana Bidart, Velocímetro, 2019. Gis sobre muro. Imagen cortesía de ESPAC

ESPAC, en la Ciudad de México, es uno de los muchos espacios expositivos que habitan arquitecturas que fueron originalmente pensadas para ser hogares. Ubicado en una zona mayoritariamente residencial, la cotidianidad que fluye a través y alrededor del perímetro de esta casa incita a resignificar el “cubo blanco” desde lo artístico y museográfico. Ante la urgente pregunta de cómo resignificar los encuentros que se suscitan en un sistema artístico que excede a sí mismo, el equipo de ESPAC en conjunto con lxs artistas Ana Bidart y Armando Rosales cooperaron en Distancia doble para explorar el espacio expositivo institucional desde una sensibilidad artística que subvierta el habitar de la casa como potencial de abrir reflexiones sobre el habitar y lo común. En diálogo con obras de Roberto Matta, Enrique Guzmán, Wilfredo Lam, José Clemente Orozco y Carlos Mérida, mismas que forman parte de la colección de ESPAC, lxs artistas desbordaron la abstracción que las caracteriza para establecer relaciones espaciales y conceptuales a partir de sus propias exploraciones y reflexiones artísticas y personales. Dichas obras representan cuerpos inestables en flujo que confunden, dislocan y tensionan las figuras tipificadas de lo físico tanto en su aspecto matérico como anatómico. Creadas a lo largo del siglo XX, aquel que inaugura las crisis existenciales, este conjunto de obras es reubicado en el presente a manera de urgente recordatorio sobre el potencial de la reimaginación como vía de libertad. Como uno de los puntos fijos de nuestras relaciones sociales en el sistema del arte, ¿puede el espacio expositivo detonar una reconfiguración y resignificación de nuestro habitar como “comunidad artística”?

Por medio de sutiles gestos, Ana Bidart nos alude a reconocer la vitalidad que discurre a través de la casa que devino espacio expositivo. Sus obras son el registro de un espacio en movimiento en relación al entorno y al cuerpo que lo habita, ya sea el cuerpo humano o el cuerpo de obra artística. Ana integra a la exposición la dimensión temporal y metereológica al trazar el recorrido de la luz de sol en el muro del patio exterior de la casa (Velocímetro, 2019) y al colocar una hoja de papel en una de las esquinas de un muro alto del patio interior, misma que toma presencia a través de su sombra y sonido al soplar el aire y darle movimiento (Hoja de sala, 2019). Luz y viento aparecen mediante una poética de la contemplación para reconocer que todo lo realizado por el ser humano es una extensión de la naturaleza que la afecta inevitablemente y que consecuentemente nos corresponde.

Ana Bidart, Tiro al blanco (Enrique Guzmán), 2019. Pintura acrílica sobre lino. Imagen cortesía de ESPAC

Al interior del espacio, Ana evidencia la transformación del mismo que resulta del trabajo físico para el montaje de la exposición. Materiales como pintura o cinta adhesiva son mimetizados con el ras del suelo y los rincones de la arquitectura para formar parte de la historia de ESPAC a través de las huellas de exposiciones pasadas que nuestra atención no percibe. Lo accidental y fortuito inician una pequeña sublevación del sentido de la mirada acostumbrado a recorrer una exposición siempre en cara a una disposición de los objetos que difícilmente se distancian de la estandarización de diseños museográficos que los organizan. La desorientación de la mirada como metáfora para imaginar otras formas de subvertir lo espacial.

La experimentación de otras formas de habitar juntxs sólo es posible a partir de la vulnerabilidad. La hegemonía del sistema sociopolítico y cultural que organiza y administra nuestra realidad impone distancia e insensibilidad a través de la violencia y el temor para anular toda potencia de comunalidad, de “hacer la vida en común” en palabras del pensador mixe, Floriberto Díaz. Reconocer heridas físicas, emocionales o espirituales es reconocer la posibilidad de sanar. ¿Es el espacio expositivo un espacio que permite la vulnerabilidad compartida? Armando Rosales difumina el interior y el exterior al perforar una y otra vez la arquitectura de la casa de ESPAC atravesando límites con gruesas cuerdas anudadas que alegóricamente unen aquello que se ha naturalizado como opuesto (Flujo 2, 2019). Al vulnerabilizar la estabilidad del “cubo blanco” institucional, Armando nos recuerda que la obra de arte es recíproca al mundo y que no se contiene solamente al espacio que la exhibe. Así mismo, recuerda que al exponer nuestro trabajo artístico e intelectual, nos exponemos a nosotrxs mismxs diluyendo los márgenes entre lo laboral y lo personal (lo público y lo privado), aspectos invariablemente unidos afectándose uno a otro. Reconocer que un espacio expositivo nos presenta vulnerabilidad, es decir, pensamientos y sentimientos de lxs artistas a través de la obra —a pesar de que ésta tiene su propia autonomía una vez que es creada y presentada—, es un posible camino a resignificar la multiplicidad de contextos que compartimos a través del arte y las relaciones sociales que suceden en los mismos. ¿De qué forma podemos agudizar las fuerzas intrínsecas del espacio expositivo para que éstas afecten las políticas que nos organizan como “comunidad artística”?

Uno de los hábitos colectivos más ricos que permite el arte es la proximidad que suscita el encuentro espacio-temporal entre cuerpos y objetos que contienen acciones e ideas, mismas cristalizan nuestra sociabilidad. Sin embargo, actualmente dicha proximidad está mediada casi en su totalidad por eventualidades accionadas por lógicas de consumo y espectáculo que diluyen la potencia que radica en la confluencia. Desde una consciencia reflexiva sobre cómo afectamos desde el cuerpo y cómo los otros cuerpos nos afectan, ambxs artistas trazan tensiones relacionales.

Armando Rosales, Flujo 2, 2019. Cuerda de rafia, agujeros sobre pared de ladrillo. Imagen cortesía de ESPAC

Bidart, a través de la serie de pinturas Tiro al blanco dota de un nuevo cuerpo a cada una de las obras de la colección expuestas. Parece partir de una importante observación: ¿por qué la sensibilidad masculina es la que habita primordialmente el espacio de la exposición? Ana hace un reflejo subversivo de la paleta de colores y la composición de las obras de Matta, Mérida y Guzmán a través de un tranquilo gesto de dripping que desmantela el mito masculino de la modernidad en el arte. La sensibilidad como subversión.

Por su parte, Armando interviene el orden pre-establecido del espacio expositivo y sus protocolos de exhibición con la intención de resignificar el contexto: revela el revestimiento interior de tablaroca al descubrir la ventana que ha sido oculta (Doceavo uso de lo ajeno: la vía, 2019),  y a su vez, manipula el sistema automático de iluminación artificial para oscurecer la sala cada cierto periodo de tiempo. Contrastes se revelan mientras la mirada se acostumbra a la oscuridad. De esta forma, interrumpe con la experiencia y afecta la percepción y apreciación de las obras a partir de desorientar la mirada del público.

Todo despliegue y organización de obra y discurso artístico implica al cuerpo y, por ende, a las políticas que lo afectan. ¿Reimaginar para poner en tensión el habitar común, es aquí una propuesta de continua experimentación que se llevará a cabo en ESPAC de ahora en adelante o un ejercicio aislado que corre el riesgo de reducirse a lo anecdótico? Personalmente, el accionar esta política estética de desorganización y destrucción de certezas espaciales en el campo del cubo blanco institucionalizado me parece rico y sustancioso. Nos toca ahora replicar esta desestabilización de certezas asumidas para abrir espacios de poesía donde cuerpo, objeto y espacio se revelen en su multiplicidad.

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