Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Fallen Women

By Dorothée Dupuis

Naomi Fisher and Dorothée Dupuis discuss the place of femininity, celebration and nature in Fisher’s work, and the idea of reaching a « guilt free » turning point in one's practice.

Dorothée Dupuis discute con Naomi Fisher sobre el lugar de la feminidad, la celebración y la naturaleza en la obra de Fisher, así como la idea de alcanzar un punto de inflexión “libre de culpa” en la propia práctica.

Naomi Fisher - Dancarchy Refuge - installation view with performance_MG_6556

Naomi Fisher, Dancarchy Refuge, installation view, 2014

Dorothée Dupuis: Your work exists through a variety of mediums ranging from drawing and painting to video, performance, and installation. Ancient Greek theater, tableaux-vivants, Renaissance’s religious frescos, Comedia dell’arte, soap operas, science fiction, comics & literature, the pornographic and the erotic, corporate advertising and fashion photography form a part of your inspirations. Building the representation of a world in tension between various hardcore streams of powers, characters, and situations and visually relying on pop culture codes, you play with anachronisms, mixing the B-C gynaeceum with the Paris catwalk. Can you talk about the way you construct your work, narratively and formally, and how you incorporate your influences?

Naomi Fisher: B.C. Gynaeceum! I love how you trace the subjects my work touches on!

My brain filters through mass consumption of art history, critical theory, pop culture, conversations with peers, looking at new art, trolling the internet. At some point after all the intake, I hide out and try to be uncritical of what comes out of me. After privately engaging with my output, edits happen, new work gets produced.

Most important is interaction with friends who live hybrid lives: artist/curator/writer/nomad, all trying to find solutions for over-engaged lives, straddled between cities, conversing with peers scattered around the globe. The last show at Bas Fisher Invitational (the space I run in Miami) was curated by Anna Frost and Annika Kuhlman. PĿΛNΞS “explored hybrid structures that can meet the growing demand for flexibility and mobility.” This exhibition and curatorial method points to finding new structures for filtering information and existing as an artist, as a human, as a pea pod growing from altered DNA. Everything is changing. What worked in the past may not work today.


Untitled, 2014.

D.D.: You represent mostly female characters, engaging in actions emphasizing their “feminine essence” in an uncompromising way. One of your last films, Vizcaya (2011), was a dreamy narrative taking place in the beautiful setting of the Vizcaya castle in Miami, questioning the colonial origins of the building through the initiation tale of a young “savage” captured by the Castle’s female owner and slowly rendered to bourgeoise life, its pettiness and cruel rules revealed through the process of the“denaturalization” of the captive girl. In your work women often are literally equated to nature. Generations of feminists have on the contrary tried to “de-essentialize” women, trying to push away this natural association coming from the beginning of time. Personally, I think it’s interesting to understand the construction of the feminine. This constructed feminine remains a powerful agent of disruption in the world of patriarchy by the values and counter-values it actually embodies–against efficiency, intelligibility, and rationality. What would be your perspective on the feminism against femininity, construction against essentialism? What is your interest in woman’s life and experience as a thematic?

N.F.: Feminism against femininity is an interesting place to start… I think my feminism is first about equality in treatment and perception for all genders, races, nationalities, and economic privileges… And absolutely against femininity as a choiceless construct.

Vizcaya Performance Art Basel December 3, 2011  exhibited work archive

Vizcaya, color photograph, 2011.

Seeing my 1999 piece, Assy Flora up now at the Rubell Collection makes me reflect on 20 year old me. The work was part of figuring out existence in a world I felt unsafe in. It expressed my love of the jungle and fascination with how plant forms are part of material culture, but hate of the essentialist connotation of “mother nature.” It was a critique of sexualized imagery by having a woman’s ass in commercial floral print underwear hover above a pile of flowers, with details of dirt and snails crawling on skin. At the time I was inspired by Hélène Cixous’ text “The Laugh of the Medusa” where she encouraged women to write their own story, however complicated it may be.

The storybook part of my childhood, living in Singapore and traveling to rain forests in Malaysia with a butterfly net while my botanist father collected plants, was a formative time. I was part of nature, but as a collector, a colonizer. An 8-year-old white girl who didn’t speak the language in the Sarawak longhouse.

Out of Africa is a film I’ve watched over and over again, where a woman tries to hold on to the fragile earth as her consciousness awakens and world collapses. There is beauty in this romantic vision of female coming of age in a foreign land, surrounded by a jungle that threatens to overtake, finding strength without a man to protect them. A female gaining consciousness is the closest thing to a threat to the colonizer in Hollywood films of that era, but it is a complicit contradiction, reinforcing the bulldozing, reordering, and renaming of another peoples’ history.


Another Universe Crept Around, Lava In the Air, 2009. Acrylic, ink, and watercolor on paper. 30×22. Leo Koenig Inc.

D.D.: It seems to me that actually you might be using these stereotypes to better break them and pull them from a side, challenging these ideas about the feminine and the role of women in society. Of course in times of intense, hardcore conservative backlash towards women’s freedom and liberties, such attacks to their right to dispose of their own bodies, or even a global atmosphere of slut shaming on a variety of subjects, it’s hard not to see your work as an open plea for female equality and freedom, drawing on very ancient ritual feminine traditions, whether they be sacred, pagan, aesthetic, or just linked to the organization of everyday life and global peer caring such as emotional labor. Do you feel that these days the need for challenging different female representations is more crucial than ever due to that increasing conservative context?

N.F.: Yes, absolutely. If I speak about body, sex, or nature, I am unintentionally in dialog with a complicated lineage of essentialist thinkers that are so problematic. We like to think we are beyond this, we are in a technological space that can resist limits of gender, race, economy; we are thinkers, innovators. But living in a body, we still get exhausted, sick, and horny. We expose ourselves with apps: nipple free on Instagram, lustful on Tinder.

Naomi Fisher - Vizcaya - Color Photograph - 2011 - Vizcaya Museum and Gardens

Vizcaya, color photograph, 2011. Vizcaya Museum and Gardens. Courtesy of Naomi Fisher.

My favorite artworks of the last year deal with new materials and technology in a way that acknowledges we are humans living in a body on this planet called Earth. iPhones make life quicker and easier, but they aren’t stopping the seas from rising, nor our bodies from aging. Liz Craft’s sculpture “Mermaid” floored me–a goddess defiled. Ida Ekblad’s alien graffiti paintings evoke teenage identity as the foundation for abstraction. Ella Plevin & Daniel Keller’s sea trash sculptures are our dystopic destiny. Katja Noviskova links the beauty of looking at animals with the need for movement in the markets. Sandra Vaka Olsen’s photograms with sunscreen marks her body’s traces beneath photos of moist technological interfaces. Lee Maida reconfiguring a photo of Matisse and a nude model reinforces that we are still under the gaze of the patriarchy. K8 Hardy’s entire Instagram feed deconstructs self-representation on a platform of infinite likes.

We need to not just challenge representation, but how the system evaluates, interprets, and places value on artwork and art world labor.

Naomi Fisher - #Puzzled_MG_6197

#Puzzled, acrylic and ballet barre on linen, 60×84”, 2014

D.D.: For this issue, we were notably thinking about the “hangover” in relation to failed utopias, the idea that one day you wake up and yesterday’s hopes and fantasies vanished (may they were a bit unrealistic in the first place, conceived and discussed in times of high optimism due to alcohol and partying). But on the other hand, the hangover leaves you both more rational and dreamy, a state where guilt and freedom mix in a particular way. The other day we talked about maturity in the work, the moment one says “fuck guilt” and confronts possible misunderstandings in order to keep doing one’s work more freely, without wondering all the time about feedback, especially if you are a female artist concerned with sexuality and feminism and you leave in a Southern, provincial town of the United States. Can you expand on that? Do you think it’s an age thing, or it’s more about how the morning after hits you depending on how hard you’ve been partying before ?

N.F.: When you’ve been living freely without a safety net for a long time, there is a point of total “fuck it” that ensues. I might get sick and not have proper healthcare, but I have been doing this to live the life I want to lead. I’m an artist and work my ass off to keep going. Being an artist sometimes means being a warrior, occasionally a court jester, often a chameleon.

Now, watching the sunset over the sea from a high rise in Miami, I think this entire city ebbs and flows between the party and the hangover. The sea is rising. High tide floods the streets. But buildings keep getting built; luxury goods are the primary signifier.

exhibited work archive.Vizcaya as shot in the studio.

Regulate, acrylic, characoal, panel, cloth rack, 2011. 5 x 6 x 3 in. Courtesy of Naomi Fisher.

The hangover is a reckoning. Have you gone too far and hurt yourself, do you need to scale back to heal? Or is the hangover a growing pain your body and mind needed to experience?

I don’t think a universal utopia will happen in our lifetime, but it’s the carrot we are chasing at the end of a stick. The hangover shows us the party was simply a party, a catharsis to keep us going. A fractured state reminding us we need to readdress and retool our goals to get somewhere, even if its simply to the next party.

D.D.: Literality of representation in your work has always been a big thing and, in my opinion, a big strength: freedom of depicting female bodies engaging in various actions that could be labeled as scandalous or inappropriate in other frameworks of representation–I was thinking about the scandalous “fallen woman” in classical painting evoked by Linda Nochlin. Lately, you have been drifting a bit from the literal representation of the female body or at least in a more metaphoric, constructed way, through series of work that use other “feminine” fields of knowledge as other ways to critique patriarchy. I am thinking of the use of astrology  in “Swamp of Sagittarius” for example, realized during Art Basel Miami Beach last December in collaboration with Agatha Wara, or your current reflection about the representation of nature in architecture, drawing on your childhood’s interest in the flora and landscape of the region (you are born and raised in Miami). Could you tell us about these two projects in relation to these ideas of marginal forms of knowledge and organization?

Garbage Picnic

Garbage Picnic, color photograph, 2011. Courtesy of Naomi Fisher.

N.F.: As much as I am frustrated by the system confining contemporary art, I still love art objects and actions. In a time where dialog about rejecting the insularity of contemporary art often results in art that is even more coded, I believe it is possible to be smart and as you said, literal.

A selfie is not just a girl gazing at herself. It is a body caught in a system of representation. Screen culture and technological reduction have created a new dilemma around the gaze, how female representation cannot escape being in dialog with porn–a body is not just a body. Nor is a tropical flower just a flower when the jungle is a fetishistic stand-in for “natural,” when global warming deniers fantasize about how nature will spontaneously heal itself.

When scale becomes architectural, something new happens. I am creating an art deco inspired 5-story frieze of abstracted palm fronds. Amidst the battles within critical discourse, I rejoice in making a beautiful permanent installation that people will experience daily in city life. The visual structure is anchored by a trunk with roots that break free from the grid, implying growth into the building, as nature will surely do to all concrete over time.


Untitled, watercolor on paper. 2014. Courtesy of Naomi Fisher.

I really appreciate that you see the use of astrology in Swamp of Sagittarius as part of a feminist critique of patriarchy. As the least religious generation in centuries, ours is also invested in new age systems of spirituality. Rapid advances in technology creates schisms with deeper emotional and financial needs. Many solutions can be found through technology, but not always.

According to an article on CNN last year, 86% of fund managers failed to outperform the S&P 500. Systems have been created to understand the way markets flow, yet most underperformed the index. Swamp of Sagittarius uses the oldest algorithm to gain insight into astrological compatibility with artists, artworks, and galleries before someone makes an investment. Agatha Wara and I created a new art advisory firm to give results based on centuries of ancient knowledge, providing astrologically-driven forecasting solutions for contemporary art. Swamp of Sagittarius can help.


Naomi Fisher - Dancarchy Refuge - installation view with performance_MG_6556

Naomi Fisher, Dancarchy Refuge, vista de exposición, 2014

Dorothée Dupuis: En tu trabajo utilizas una variedad de medios: del dibujo y la pintura al video, performance e instalación. Entre tus inspiraciones está el teatro griego antiguo, los tableaux vivants, los frescos religiosos renacentistas, la Comedia dell’arte, las telenovelas, la ciencia ficción, los cómics y la literatura; lo pornográfico y erótico, la publicidad corporativa y la fotografía de moda. Al crear la representación de un mundo con una tensión entre varias fuentes duras de poder con personajes y situaciones, y aprovechando visualmente códigos de la cultura pop, juegas con anacronismos, mezclando los gineceos con las pasarelas de París. ¿Puedes hablar de cómo construyes narrativa y formalmente tu obra, y cómo incorporas tus influencias?

Naomi Fisher: ¡Los gineceos! ¡Me encanta cómo delineas los temas de mi trabajo! Mi cerebro filtra un consumo masivo de historia del arte, teoría crítica, cultura pop, conversaciones con colegas, visitas a arte nuevo, recorridos por internet. En cierto punto, después de tanto consumo, me escondo y trato de tener una posición no crítica sobre lo que produzco. Tras revisarlo en privado, hago unas ediciones y se produce una nueva obra.

Lo más importante es la interacción entre amigos con vidas híbridas: artistas/curadores/escritores/nómadas, todos tratando de encontrar soluciones para nuestras vidas excesivamente comprometidas, a medio camino entre ciudades, conversando con colegas regados por el mundo. La última exposición en Bas Fisher Invitational (el espacio que dirijo en Miami) fue curada por Anna Frost y Annika Kuhlman. PĿΛNΞS exploraba “estructuras híbridas que pueden responder a la creciente exigencia de flexibilidad y movilidad”. Esta exposición y método curatorial busca encontrar nuevas estructuras para filtrar información y para existir como artista, como humano, como una vaina que crece con el ADN alterado. Todo está cambiando, lo que funcionó en el pasado quizás ya no funcione más.


Sin título, 2014.

D.D.: Representas sobre todo personajes femeninos concentrados en acciones que enfatizan sin concesiones su “esencia femenina”. Una de tus películas más recientes, Vizcaya (2011), era una narrativa onírica situada en el hermoso escenario del castillo Vizcaya en Miami que cuestionaba los orígenes coloniales de la construcción a través de una historia de iniciación de una joven “salvaje” capturado por la dueña del castillo e introducida lentamente a la vida burguesa, que revela sus reglas mezquinas y crueles a través del proceso de “desnaturalización” de la muchacha cautiva. En tu obra, las mujeres a menudo se equivalen literalmente a la naturaleza. Ha habido generaciones de feministas que, al contrario, han tratado de “des-esencializar” a las mujeres, tratando de alejarse de esta asociación con lo natural que viene desde el comienzo del tiempo. Personalmente, me parece interesante entender la construcción de lo femenino. Esta construcción continúa siendo un poderoso agente de disrupción en un mundo patriarcal, gracias a los valores y contravalores que efectivamente encarna, al enfrentar la eficiencia, legibilidad y racionalidad. ¿Cómo ves esta tensión de feminismo contra feminidad, de la idea de lo femenino como construcción y como esencialismo? ¿Cómo te acercas a la vida y experiencia de las mujeres como tema?

N.F.: Es interesante comenzar por feminismo contra feminidad… creo que mi feminismo es primero sobre igualdad en el trato y percepción para todos los géneros, razas, nacionalidades y privilegios económicos… y absolutamente contra la feminidad como una construcción sin elección.

Vizcaya Performance Art Basel December 3, 2011  exhibited work archive

Vizcaya, fotografía a color, 2011.

Ver mi obra de 1999 Assy Flora —actualmente en la Rubell Collection— me hace reflexionar acerca de cómo era yo a los 20 años. La obra era un intento de entender la existencia en un mundo donde no me sentía a salvo. Expresaba mi amor por la selva y la fascinación acerca de cómo las plantas hacen parte de la cultura material, pero odiaba la connotación esencialista de la “madre naturaleza”. Era una crítica de las imágenes sexualizadas de tener el trasero de una mujer con calzones con una impresión floral comercial florando sobre un montón de flores, con detalles de tierra y caracoles reptando sobre la piel. En ese entonces me inspiraba el texto La risa de la medusa, de Hélène Cixous, donde alentaba a las mujeres a escribir su propia historia, sin importar lo complicado que fuera.

La época de cuento de hadas de mi infancia, cuando vivía en Singapur y viajaba a las selvas de Malasia con un red para cazar mariposas mientras mi padre botánico recolectaba plantas, fue formativa. Hacía parte de la naturaleza pero como coleccionista, como colonizadora. Era una niña blanca de 8 años que no hablaba el idioma del hogar comunal de los Sarawak.

He visto la película Out of Africa una y otra vez, es la historia de una mujer que intenta aferrarse a la tierra frágil mientras su consciencia se despierta y el mundo colapsa. Esta visión romántica de una mujer que llega a la adultez en una tierra extraña, rodeada por una selva que amenaza con extenderse, encontrando la fuerza sin un hombre que la proteja, es hermosa. Una mujer que se hace consciente es lo más cercano a una amenaza para los colonizadores en las películas de Hollywood de ese entonces, pero es una contradicción cómplice, que refuerza la demolición, reorganización y renombramiento de la historia de otro pueblo.


Another Universe Crept Around, Lava In the Air, 2009. Acrílico, tinta y acuarela sobre papel. 30×22. Leo Koenig Inc.

D.D.: Me parece que en realidad usas estos estereotipos para destruirlos y sacarlos del camino, retando estas ideas sobre lo femenino y el rol de las mujeres en la sociedad. Por supuesto que en estos tiempos de regresión conservadora intensa y dura hacia la libertad de las mujeres, con ataques a su derecho a disponer de sus cuerpos o incluso en una atmósfera global de slut shaming [matoneo a la sexualidad femenina] en torno a varios temas, es difícil no ver tu obra como un reclamo por la igualdad y libertad femeninas, partiendo de rituales femeninos antiguos, sean sagrados, paganos, estéticos o simplemente relacionados con la organización de la vida cotidiana y la solidaridad global de las colegas como partos emocionales. ¿Crees que ese contexto conservador del presente hace que cuestionar diferentes representaciones femeninas sea más crucial que nunca?

N.F.: Sí, totalmente. Si hablo del cuerpo, sexo o naturaleza estoy estableciendo un diálogo no intencional con un linaje problemático de pensadores esencialistas. Nos gusta creer que esto es algo que ya superamos, que estamos en un espacio tecnológico que puede resistir los límites de género, raza, economía… somos pensadores, innovadores. Pero al vivir en un cuerpo, seguimos sintiéndonos exhaustos, enfermos y cachondos. Quedamos expuestos con apps: sin pezones en Instagram o cachondos en Tinder.

Naomi Fisher - Vizcaya - Color Photograph - 2011 - Vizcaya Museum and Gardens

Vizcaya, foto a color, 2011. Vizcaya Museum and Gardens. Cortesía de Naomi Fisher.

Mis obras favoritas del año pasado hablan de nuevos materiales y tecnología, reconociendo que somos humanos viviendo en un cuerpo en este planeta llamado Tierra. Los iPhones hacen la vida más veloz y fácil, pero no detienen la subida de los mares ni el envejecer de nuestro cuerpo. La escultura Mermaid, de Liz Craft, de una diosa profanada me dejó sin palabras. Los grafitis extraterrestres en las pinturas de Ida Ekblad evocan identidades adolescentes como la base de la abstracción. Las esculturas de basura marina de Ella Plevin & Daniel Keller son nuestro futuro distópico. Katja Noviskova hila la belleza de mirar a los animales con la necesidad de movimiento en los mercados. Los fotogramas de Sandra Vaka Olsen hechos con bloqueador solar marcan los rastros de su cuerpo bajo fotografías de interfaces tecnológicas húmedas. La reconfiguración de una fotografía de Matisse y una modelo desnuda de Lee Maida subrayan que seguimos bajo la mirada del patriarcado. El Instagram de K8 Hardy deconstruye la autorrepresentación en una plataforma de likes infinitos.

Necesitamos cuestionar no solamente la representación, sino la manera en que el sistema evalúa, interpreta y da valor a una obra de arte y al trabajo en el mundo del arte.

Naomi Fisher - #Puzzled_MG_6197

Naomi Fisher, #Puzzled, acrílico y barra de ballet sobre lino, 60×84”, 2014

D.D.: Para este número estamos pensando sobre la “resaca” en relación con utopías fallidas. Es la idea de que un día te despiertas y las esperanzas y fantasías de ayer desaparecieron (quizás por haber sido poco realistas desde el comienzo, o por haber sido concebidas y discutidas en épocas de optimismo exagerado por el alcohol o la fiesta). Pero, de otro lado, la resaca te deja más racional y ensoñado, es un estado donde la culpa y libertad se mezclan de forma especial. El otro día hablábamos de madurez en el trabajo, del momento en el que uno dice “al diablo la culpa” y confronta posibles malentendidos para seguir trabajando más libremente, sin preguntarse todo el tiempo sobre la retroalimentación, especialmente si eres una artista mujer preocupada por la sexualidad y el feminismo cuando vives en un pueblo provinciano del sur de Estados Unidos. ¿Puedes expandir eso? ¿Crees que es una cuestión de edad o de lo difícil que es la mañana siguiente tras una fiesta dura?

N.F.: Cuando has vivido mucho tiempo libremente sin una red de seguridad, se llega a un punto de total “no me importa”. Puedo enfermarme sin tener acceso a un buen servicio médico, pero tengo que seguir haciendo esto para vivir la vida que quiero. Soy una artista y trabajo sin parar para seguir andando. Ser una artista a veces significa ser una guerrera, a veces un bufón de corte, a menudo un camaleón.

Ahora, viendo el atardecer desde un edificio en Miami, creo que esta ciudad fluye entre la fiesta y la resaca. El mar está subiendo, la marea alta inunda las calles. Pero siguen construyendo edificios, los bienes de lujo son el significante primario.

exhibited work archive.Vizcaya as shot in the studio.

Regulate, acrílico, characoal, panel, rack de ropa, 2011. 5 x 6 x 3 pulgadas. Cortesía de Naomi Fisher.

La resaca es el ajuste de cuentas. ¿Has ido demasiado lejos, te has hecho daño y necesitas bajarle a la intensidad para sanar? ¿O es la resaca un dolor de crecimiento que tu cuerpo y mente necesitan experimentar?

No creo que llegue una utopía universal durante nuestras vidas, pero es la meta que perseguimos. La resaca nos muestra que la fiesta fue solamente una fiesta, una catarsis para que siguiéramos adelante, un estado fracturado que nos recuerda que necesitamos revisar y recomponer nuestras metas para llegar a algún lado, así sea a la siguiente fiesta.

D.D.: La literalidad representativa siempre ha sido importante en tu obra y, en mi opinión, una de sus fortalezas: la libertad de representar cuerpos femeninos en varias acciones que pueden ser clasificadas como escandalosas o inapropiadas en otros marcos de representación… pensaba en la escandalosa “mujer caída” en la pintura clásica que evoca Linda Nochlin. Recientemente, te has desviado de la representación literal del cuerpo femenino, o al menos has pasado a unas formas más metafóricas, con obras que usan otros campos de conocimiento “femenino” para criticar el patriarcado. Pienso en el uso de la astrología en Swamp of Sagittarius, por ejemplo, realizado en Art Basel Miami Beach el pasado diciembre, en colaboración con Agatha Wara o tu reflexión actual sobre la representación de la naturaleza en arquitectura, rescatando tu interés de infancia en la flora y paisajes de la región (naciste y creciste en Miami). ¿Podrías hablarnos de estos dos proyectos y cómo se relacionan con las ideas de formas marginales de conocimiento y organización?

Garbage Picnic

Garbage Picnic, foto a color. 2011. Cortesía de Naomi Fisher.

N.F.: A pesar de la frustración que siento por el sistema que limita al arte contemporáneo, sigo amando los objetos de arte y las acciones. En una época donde el diálogo acerca de rechazar la insularidad del arte contemporáneo a menudo resulta en arte aún más codificado, me parece posible ser inteligente y, como dijiste, literal.

Un selfie no es solo una muchacha mirándose a sí misma. Es un cuerpo atrapado en un sistema de representación. La cultura de la pantalla y la reducción tecnológica han creado un nuevo dilema sobre la mirada, sobre cómo la representación femenina no puede escapar el diálogo con la pornografía: un cuerpo no es solo un cuerpo. Y una flor tropical no es solo una flor cuando la selva es un reemplazo fetichista por lo “natural”, cuando los negadores del calentamiento global fantasean que la naturaleza se sanará sola.

Cuando la escala se vuelve arquitectónica, algo nuevo sucede. Estoy creando un friso de cinco pisos de alto con hojas de palma abstraídas inspiradas en el arte deco. En medio de las batallas del discurso crítico, siento gozo al hacer una instalación permanente hermosa que la gente podrá experimentar a diario en la vida de ciudad. La estructura visual está anclada en un tronco con raíces que se liberan de la cuadrícula, dando la sensación de que crece hacia adentro del edificio, como seguramente sucederá eventualmente con la naturaleza y el concreto.


Untitled, acuarela sobre papel. 2014. Cortesía de Naomi Fisher.

Me gusta que consideres la astrología en Swamp of Sagittarius como parte de una crítica feminista al patriarcado. Como la generación menos religiosa en siglos, la nuestra también está comprometida con la nueva era de un sistema espiritual. La rapidez en los avances tecnológicos crean cismas con necesidades emocionales y financieras más profundas. Muchas soluciones pueden encontrarse a través de la tecnología, pero no siempre.

Según un artículo en CNN, el año pasado el 86% de los gestores de fondos no lograron mejorar el desempeño del S&P 500. Se han creado sistemas para entender los flujos del mercado, sin embargo la mayoría tuvo un desempeño por debajo del índice. Swamp of Saggitarius usa los algoritmos más antiguos para entender la compatibilidad astrológica con artistas, obras y galerías antes de hacer una inversión. Agatha Wara y yo creamos una nueva forma de asesoría para dar resultados basados en siglos de conocimiento, dando soluciones de pronóstico con base astrológica para el arte contemporáneo. Swamp of Saggitarius puede ser de ayuda.


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Las relaciones mentales


Revolución y creación

Drifting on a Dream