Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

«Camp Fires. The Body as Queer Stage» en UV Estudios, Buenos Aires, Argentina

Por Mariano Lopez Seoane Buenos Aires, Argentina September 27, 2019 – October 19, 2019

Installation view, Camp Fires, curated by Kerry Doran, Violeta Mansilla and Simon Wursten Marín, at UV Estudios, Buenos Aires. Photo: UV Estudios & Santiago Ortí. © Jacolby Satterwhite. Courtesy of the artist and Mitchell-Innes & Nash, New York.

Camp Fires is one of those exhibitions that, literally, cannot be experienced without a map. In the domestic space of UV, which tends to turn towards the intimate, 16 video works from different parts of the globe are piled up, occupying every last corner. Gender Conscious Free Nail Art Tutorial, by Emilio Bianchic, hovers over the bathroom mirror on the second floor, inviting a strabismic contemplation, divided between the reflection itself and the artist’s tribute to makeup. American Reflexxx, by Signe Pierce and Alli Coates, hides in a tiny room that enhances the feeling of suffocation created by the work: a home video that follows the geographical and post-situational dérive of a non-gender character without a face, through the commercial area of an anonymous city in the USA. And thus follows, on the stairs, going through the stair breaks and even on the terrace, from where it is projected on a remote wall, the crossing of virtual imagination and videogames proposed by Jacolby Satterwhite.

The profuse room text prepared to guide the viewer includes a numbered blueprint. This “map” is also a confession: the curators set out to create a world map of the existing video that inevitably is a map of the existing video of the world. Whole. The global ambition of the show is announced from the playful English in the title.

Latin American history authorizes us, when it does not encourage us, to exercise suspicion against everything that is presented as “global”, one that at times borders on paranoia. A paranoia justified by the painful succession of colored lenses, pulverized dreams and various forms of fraud and violence familiar to this geography. It’s not surprising that caution abounds when traveling through an exhibition such as Camp Fires, a compendium that brings together works produced in such distant places, and contexts as diverse as Mexico, Uruguay, China, USA and Kuwait. How can they even coexist in the same place, the suspicious spectator wonders, the parody of certain Islamic traditions proposed by Fatima Al Qadiri and the revaluation of a pre-colonial Mexican mascot courtesy of Javier Ocampo, with the hedonistic burst in Fire Island that documents, or imposts, the House of Ladosha? The most politicized decree without major procedures that this meeting can only take place under the regime imposed by the imperial eye, more penetrating and fearsome than Sauron’s eye of fire.

Installation view: Gender Conscious Free Nail Art Tutorial (still) by Emilio Bianchi, at Camp Fires, curated by Kerry Doran, Violeta Mansilla and Simon Wursten Marín, at UV Estudios, Buenos Aires. Image courtesy of the artist and UV Estudios

That these works are only possible due to the effective existence of an empire is something that is beyond doubt. What, with candor, we call “globalization” has provided these artists with the bare elements to produce their works: video cameras or mobile phones produced by international corporations, of course, but also the inclusion, sought or not, in the “contemporary art” system, which has a whole series of norms and protocols that allow for creation, and above all, the reading of these works. There is another global element without which this exhibition would not be possible: the experience, and the sensitivity, which the curators call queer, and which, as these works confirm, have long since surpassed the confines of their cradle in the metropolises of the white North to spread across territories of different colors, not always modern and not always urban. We know: queer —and the multiple voices and dissidences that it encapsulates—is one of the linguas francas of this battered empire, but no less effective for it, that begins after the end of the Second World War. 

It has been discussed to exhaustion in activist, academic and artistic circles whether this term—and the political and theoretical perspective that it founded—can be used in other contexts without bending over the colonial offensive of which, whether they want it or not, all products that reach us from the USA participate. The benefit of the doubt arises from the detour that the term takes from its origin: queer, and everything that it encapsulates, was redefined in the North in the late 1980s as an expression of a dissidence; furthermore, it is subversion and militant political opposition. Similar to the dissident ancestry the term camp has, which knew how to name the capacity of different persecuted and silenced communities to play with the dominant and exclusive cultural codes, to re-signify them, and thus, make them function as weapons in the struggle for survival. This is the meaning that Kerry Doran, Violeta Mansilla, and Simon Wursten Marín rescue for their global mapping, reminding us that the history of colonial rule is also the history of the multiple forms of dissidence with respect to the moral and aesthetic norms imposed, and that the international expansion of capital has been answered at different times with a strengthening of internationalism, notorious in the Communist International. Thus, Doran, Mansilla, and Wursten Marín could say, paraphrasing Marx, that the queer spectrum travels the world. Or, better yet, that it sets it on fire, as the title of the exhibition suggests, that it shakes camp’s drowsiness—in the year of its institutionalization in the MET and its peak in mass-circulation—to open it to new uses, new intonations, new secret codes.

Installation view, Camp Fires, curated by Kerry Doran, Violeta Mansilla and Simon Wursten Marín, at UV Estudios, Buenos Aires. Photo: UV Estudios & Santiago Ortí. Courtesy of Básica TV and UV Estudios, Buenos Aires

The camp fire, the fire, as a meeting place and a space to strengthen ties, is the ideal place to produce this displacement. And this exhibition wants to be a fire in at least two ways. On one hand, it wants to function as a meeting point for names, trajectories, cultures, languages and diverse genres. A space of cohabitation, sometimes forced, of artists and works that in many cases their faces have not been seen. And like every collective exhibition, Camp Fires proposes an art of combination and stakes all on the sparks that this chaotic and friendly coexistence can produce. We are then faced with an “open” exhibition, whose definitive figure depends largely on alchemical processes—of attraction and rejection—difficult to predict. And it is noteworthy that the curators want to take this opening and this indeterminacy to its final consequences, radicalizing the declaration at this conventional level—institutionalized until nothing is felt anymore—that it corresponds to the spectator “to close the meaning of the work”. Camp Fires does not imagine an audience dedicated to contemplation more or less crazy, more or less informed, more or less diverted. Rather, it proposes modes of movement through space and modes of use of works that necessarily produce, and will produce, an alteration of their coordinates. And it aims to challenge, and convene, a series of specific audiences through a program that aims to fulfill the promise of meeting and strengthening ties that we associate with a fire, and encourage the heat of the show to spill into academics echoes, artistic reverberations or activism networks. A week after the opening, for example, Emilio Bianchic gave a nail sculpture workshop with the participation of activists from the Trans Memory Archive. Crossing the screen that contained it, momentarily renouncing its work statute, Bianchic’s tutorial was emancipated to transform itself into knowing how to share with one of the most marginalized communities of Argentine society. And excuse for a long conversation about a local history of resistance and struggles that trans activists strive to ignite.

La fuerza que contiene una forma (still), by Florencia Rodríguez Giles, at Camp Fires, curated by Kerry Doran, Violeta Mansilla and Simon Wursten Marín, at UV Estudios, Buenos Aires. Image courtesy of the artist and Ruth Benzacar Galería de Arte, Buenos Aires.

Camp Fires is thus inscribed in a venerable tradition. Practically extinguished from contemporary life, the fire has a very long and dispersed history, which in the West we associate with moments of communion with friends and with nature, but also with those illustrious ancestors that made the fire the circulation point of knowledge and the takeoff platform for all conspiracies: the witches. Without a doubt, this exhibition is an internationalist coven, a meeting of sorceresses and magicians from different latitudes, speakers of different languages and different cultures, all utilizing a connection with the body that tests Spinoza’s question for its limits and its power. Does anyone know what a body can do? The artists gathered in this exhibition seem to obsessively seek answers to that question, making their bodies not so much a standard of more or less stable identities (according to the logic of representation) but laboratories in which the scope of the human is cooked and the possibility that this evolutionary (?) milestone be overcome (according to the above-mentioned logic of experimentation). The human becomes thus an element to mix and match, a subordinate principle that adds to the queer reprogramming scene, as evidenced in the animal choreographic athletics of Young Boy Dancing Group, in the digital survival that SOPHIE gives its face, in the cosmetological synthesis of the woman designed by Jes Fan and in the ritual training that Florencia Rodríguez Giles illustrates, to name just a of the works. The beings that inhabit these and other interventions live suspended in a limbo in which the new does not finish being born because the old does not finish dying. Being the old and the new stress points in that long-time arc that we call humanity.

Yes. The evidence found in caves in South Africa indicates that the first fires were made by our ancestors Australopithecus robustus and Homo erectus approximately 1.6 million years ago. The appeal to camp fire, then, beyond the clever of the pun, seeks to question that which extends as an igneous thread from what was not yet an us to what, as this exhibition states, no longer is.

Mariano López Seoane is professor and researcher for the Master in Gender Studies and Politics at the Universidad National de Tres de Febrero. He is currently the Academic Secretary for the Centro Interdisciplinario de Estudios y Políticas de Género (CIEPOG) at the same university. He is also professor of Latin American Studies and Queer Studies and Theory at the local venue of the New York University (NYU). In parallel, he works as critic, writer, curator, and translator specialized in theory. From 2017 to 2019, he coordinated the Conversations Program for the Art Basel Cities: Buenos Aires initiative, and in 2018 he curated the Culture and Sexual Diversity Space for the International Book Fair of Buenos Aires. His articles about art, literature, cinema, theater, and cultural policy have appeared in books and academic and journalistic media. In 2017, he published his first novel, El regalo de Virgo, edited by Mansalva



4 OCT – 6PM  Talk & Nailart. Emilio Bianchic with Valeria Licciardi & Magali Muñiz (Archivo de la Memoria Trans Argentina). Los Bohemios (Humboldt 540)
11 OCT – 8PM Presentation of the single and video, “La hora de los magos” by Agustín Cerreti (sello Otras Formas). UV (Humboldt 401)
18 OCT – 7 PM Screening Program: Meriem Bennani, Lukas Beyeler, Mauro Guzmán. Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat. Olga Cossetini 141.

Vista de instalación, Camp Fires, curada por Kerry Doran, Violeta Mansilla y Simon Wursten Marín, en UV Estudios, Buenos Aires. Fotografía por UV Estudios & Santiago Ortí. © Jacolby Satterwhite. Cortesía del artista y Mitchell-Innes & Nash, Nueva York.

Camp Fires es una de esas exhibiciones que, literalmente, no puede visitarse sin un mapa. En el espacio doméstico de UV, que suele invitar a lo íntimo, se amontonan 16 piezas de video provenientes de distintos puntos del globo, ocupando hasta los últimos rincones. Gender Conscious Free Nail Art Tutorial, de Emilio Bianchic, sobrevuela el espejo del baño del segundo piso, invitando a una contemplación estrábica, repartida entre el propio reflejo y el elogio del maquillaje a cargo del artista. American Reflexxx, de Signe Pierce and Alli Coates, se esconde en un cuarto diminuto que potencia la sensación de asfixia que crea la pieza: un video casero que sigue la deriva geográfica y post-situacionista de un personaje sin género, y sin rostro, por la zona comercial de una ciudad anónima de los EE.UU.. Y así siguiendo, en las escaleras, atravesando los descansos y hasta en la terraza, desde donde se proyecta, en una pared alejada, el cruce de imaginación virtual y videojuegos que propone de Jacolby Satterwhite.

El profuso texto de sala preparado para orientar a la espectadora incluye un plano numerado. Este “mapita” es también una confesión: las curadoras se propusieron hacer un mapa del mundo del video actual que es necesariamente un mapa del video actual del mundo. Entero. La ambición global de la muestra se anuncia desde el inglés juguetón del título.

La historia de América Latina nos autoriza, cuando no nos alienta, a ejercitar una sospecha contra todo lo que se presenta como “global” que por momentos orilla a la paranoia. Una paranoia justificada por la penosa sucesión de espejitos de colores, sueños pulverizados y diversas formas de estafa y violencia de sobra conocida en esta geografía. No es de extrañar entonces que prime la cautela cuando se recorre una exhibición como Camp Fires, un compendio que reúne trabajos producidos en lugares tan distantes, y contextos tan diversos, como México, Uruguay, China, EE.UU. y Kuwait. ¿Cómo pueden siquiera convivir, se pregunta la espectadora desconfiada, la parodia de ciertas tradiciones islámicas que propone Fatima Al Qadiri y la revalorización de una mascota mexica precolonial cortesía de Javier Ocampo, con el reviente hedonista en Fire Island que documenta, o imposta, la House of Ladosha? La más politizada decreta sin mayores trámites que esta reunión sólo puede tener lugar bajo el régimen que impone el ojo imperial, más penetrante y temible que el ojo de fuego de Sauron.

Gender Conscious Free Nail Art Tutorial (still) por Emilio Bianchic, en Camp Fires, curada por Kerry Doran, Violeta Mansilla y Simon Wursten Marín, en UV Estudios, Buenos Aires. Imagen cortesía del artista y UV Estudios, Buenos Aires.

Que estos trabajos sólo sean posibles debido a la existencia efectiva de un imperio es algo que está más allá de toda duda. Lo que con candor llamamos “globalización” ha provisto a est*s artistas de los elementos mínimos para producir sus obras: cámaras de video o teléfonos móviles producidos por corporaciones internacionales, claro está, pero además la inclusión, buscada o no, en el sistema del “arte contemporáneo”, que dispone toda una serie de normas y protocolos que permiten producir, y sobre todo leer, estas piezas. Hay otro elemento global sin el cual esta exhibición no sería posible: la experiencia, y la sensibilidad, que l*s curador*s llaman queer, y que, como confirman estos trabajos, hace rato han superado los confines de su cuna en las metrópolis del Norte blanco para extenderse por territorios de diversos colores que no siempre son modernos y no siempre son urbanos. Lo sabemos: lo queer y las múltiples voces y disidencias que encapsula es una de las linguas francas de este imperio maltrecho, pero no por eso menos efectivo, que inicia tras el fin de la Segunda Guerra Mundial.

Se ha discutido hasta el hartazgo en círculos activistas, académicos y artísticos si este término, y la perspectiva política y teórica que funda, puede ser utilizado en otros contextos sin plegarse a la ofensiva colonial de la que participan, lo quieran o no, todos los productos que nos llegan de EE.UU.. El beneficio de la duda viene dado por un desvío que el término carga desde su origen: queer, y todo lo que encapsula, se resignificó en el Norte a fines de los 80s como expresión de una disidencia; es más, de una subversión y de una oposición política militante. Similar prosapia disidente tiene el vocablo camp, que supo nombrar la capacidad de distintas comunidades perseguidas y silenciadas de jugar con los códigos culturales dominantes, y excluyentes, para resignificarlos y hacerlos así funcionar como armas en la lucha por la supervivencia. Este es el sentido que rescatan para su mapeo global Kerry Doran, Violeta Mansilla y Simon Wursten Marín, recordándonos que la historia del dominio colonial es también la historia de las múltiples formas de desidentificación con respecto a las normas morales y estéticas impuestas, y que a la expansión internacional del capital se ha respondido en distintos momentos con un fortalecimiento del internacionalismo, célebremente en la Internacional Comunista. Así las cosas, Doran, Mansilla y Wursten Marín podrían decir, parafraseando a Marx, que el espectro queer recorre el mundo. O, mejor, que le prende fuego, como sugiere el título de la exhibición, que sacude la modorra del camp —en el año de su institucionalización en el MET y de su pico de circulación masiva— para abrirlo a nuevos usos, nuevas entonaciones, nuevos códigos secretos.

Vista de instalación, Camp Fires, curada por Kerry Doran, Violeta Mansilla y Simon Wursten Marín, en UV Estudios, Buenos Aires. Fotografía por UV Estudios & Santiago Ortí. © Jacolby Satterwhite. Cortesía Básica TV y UV Estudios, Bueno Aires.

El camp fire, el fogón, en tanto lugar de encuentro y de fortalecimiento de lazos, es el sitio ideal para producir ese desplazamiento. Y esta exhibición quiere ser un fogón en al menos dos sentidos. Por un lado, quiere funcionar como punto de reunión de nombres, trayectorias, culturas, lenguas y géneros diversos. Un espacio de cohabitación, forzada, de artistas y obras que en muchos casos no se han visto las caras. Y como toda muestra colectiva, Camp Fires propone un arte de la combinatoria y apuesta todo a los chispazos que pueda producir esta convivencia caótica y amistosa. Estamos entonces ante una exhibición “abierta”, cuya figura definitiva depende en gran medida de procesos alquímicos —de atracción y rechazo— difíciles de prever. Y es notorio que las curadoras quieren llevar esta apertura y esta indeterminación hasta sus últimas consecuencias, radicalizando la declaración a esta altura convencional —institucionalizada hasta el adormecimiento— de que corresponde a la espectadora “cerrar el sentido de la obra”. Camp Fires no imagina un público dedicado a la contemplación más o menos alocada, más o menos informada, más o menos desviada. Antes bien, propone modos de circulación por el espacio y modos de uso de las obras que necesariamente producen, y producirán, una alteración de sus coordenadas. Y trabaja para interpelar, y convocar, a una serie de públicos concretos por medio de un programa que se propone cumplir la promesa de encuentro y de fortalecimiento de lazos que asociamos con el fogón, y propiciar que el calor de la muestra se derrame en ecos académicos, reverberaciones artísticas o en redes de activismo. A una semana del opening, por ejemplo, Emilio Bianchic dictó un taller de escultura de uñas con la participación de las activistas del Archivo de la Memoria Trans. Atravesando la pantalla que lo contenía, renunciando momentáneamente a su estatuto de obra, el tutorial de Bianchic se emancipó para transformarse en saber compartir con una de las comunidades más marginalizadas de la sociedad argentina. Y excusa para una larga conversación sobre una historia local de resistencias y luchas que las activistas trans se esfuerzan por avivar.

La fuerza que contiene una forma (still)de Florencia Rodríguez Giles, en Camp Fires, curada por Kerry Doran, Violeta Mansilla y Simon Wursten Marín, en UV Estudios, Buenos Aires. Imagen cortesía de l* artista y Ruth Benzacar Galería de Arte, Buenos Aires.

Camp Fires se inscribe así en una tradición venerable. Prácticamente extinguido de la vida contemporánea, el fogón tiene una historia larguísima y dispersa, que en Occidente asociamos con momentos de comunión con las amigas y con la naturaleza, pero también con esas antepasadas ilustres que hicieron del fogón el punto de circulación de saberes y la plataforma de despegue de todas las conspiraciones: las brujas. Y sin duda esta exhibición es un aquelarre internacionalista, una reunión de hechiceras y magos de distintas latitudes, hablantes de distintas lenguas y de distintas culturas, tod*s practicantes de una conexión con el cuerpo que pone a prueba la pregunta de Spinoza por sus límites y su potencia. ¿Acaso alguien sabe lo que puede un cuerpo? L*s artistas reunid*s en esta exhibición parecen buscar obsesivamente respuestas a esa interrogante, haciendo de sus cuerpos no tanto estandarte de identidades más o menos estables (de acuerdo con la lógica de la representación) sino laboratorios en los que se cuece el alcance de lo humano y la posibilidad de que ese hito ¿evolutivo? sea superado (de acuerdo con la lógica de la experimentación). Lo humano se vuelve así un elemento a mezclar y combinar, un principio subordinado que se suma a la escena de la reprogramación queer, como se comprueba en el atletismo coreográfico animal de Young Boy Dancing Group, en la sobrevida digital que le da SOPHIE a su rostro, en la síntesis cosmetológica de la mujer que diseña Jes Fan y en los entrenamientos rituales que diagrama Florencia Rodríguez Giles, por nombrar sólo algunos de los trabajos. L*s seres que habitan estas y otras intervenciones viven suspendid*s en un limbo en el que lo nuevo no termina de nacer porque lo viejo no termina de morir. Siendo lo viejo y lo nuevo puntos en tensión en ese largo arco temporal que llamamos humanidad.

Sí. La evidencia encontrada en cuevas en Sudáfrica indica que los primeros fogones fueron hechos por nuestras antepasadas las Australopithecus robustus y las Homo erectus hace 1.6 millones de años aproximadamente. La apelación al camp fire, entonces, más allá de la astucia del juego de palabras, busca preguntarse por aquello que se extiende como un hilo ígneo desde lo que aún no era un nosotr*s hasta lo que, así lo dice esta muestra, ya no lo es.

Mariano López Seoane es profesor e investigador en la Maestría en Estudios y Políticas de Género de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Actualmente es el secretario académico del Centro Interdisciplinario de Estudios y Políticas de Género (CIEPOG) de la misma universidad. Es además profesor de Estudios Latinoamericanos y Estudios y Teoría Queer en la sede local de la New York University (NYU). Paralelamente, se desempeña como crítico, escritor, curador y traductor especializado en teoría. De 2017 a 2019, coordinó el Programa de Conversaciones de la iniciativa Art Basel Cities: Buenos Aires y en 2018 curó el Espacio de Diversidad Sexual y Cultura de la Feria Internacional del Libro de Buenos Aires. Sus artículos sobre arte, literatura, cine, teatro y políticas culturales han aparecido en libros y en medios académicos y periodísticos. En 2017 publicó su primera novela, El regalo de Virgo, editada por Mansalva.



4 OCT – 6PM  Charla & Nailart. Emilio Bianchic con Valeria Licciardi y Magali Muñiz (Archivo de la Memoria Trans Argentina). Los Bohemios (Humboldt 540)
11 OCT – 8PM Presentación del single y vídeo La hora de los magos por Agustín Cerreti (sello Otras Formas). UV (Humboldt 401)
18 OCT – 7 PM Screening Program: Meriem Bennani, Lukas Beyeler, Mauro Guzmán. Colección de Arte Amalia Lacroze de Fortabat. Olga Cossetini 141.

A linha clara

New Bourgeois Latin American Immigrant who Learned Shopping and has Good Taste: Identity Subversions in the work of Elena Tejada-Herrera

Tan lógico como soñar con perros

Express Takeover of Santa Fe Mall in Mexico City ends with casualties