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Escultura impermanente: Rita Ponce de León at Proyecto AMIL, Lima, Peru

By Diego del Valle Ríos Lima, Perú 03/08/2017 – 06/03/2017

The great darkness, the little darkness, 2016-2017 & A Change of Mind Serves to Advance an Honest Mind Drawings (I started saying somethins but I forgot and said something else), 2014. Chinese ink and colored pencil drawings on paper, framed. Courtesy of Proyecto AMIL.

As a modern society, we’re moving little by little yet ever-more rapidly toward an unavoidable crisis stemming from a semio-capitalist system that alienates us all. According to Franco Bifo Berardi [1], semio-capitalism is an articulation of overproduction through psycho-cognitive stimuli that saturate all the media through which we relate to one another and our environment. These stimuli mediate and limit contact between bodies as well as interaction among people. The anxiety that stimulus-saturation brings on is a constant sensation all of us in the modern city and its infrastructures share. In that context, the exhibition entitled Escultura impermanente (Impermanent Sculpture), by Rita Ponce de León and staged at Proyecto AMIL in Lima, presents itself as a space for exploring the de-territorialization of the body in light of the need for a renewal and consensus that is unattached to semio-capitalism.

The show’s title alludes to the body’s continuous transformation and the incessant adaptability to which it is subject in an environment of immediacy and under pressure from modern structures. It also frames the show’s central elements: body and space, understanding sculpture as the evocation of a line that, through movement, can create a three-dimensional relationship between artworks and audiences that activates body-related reflections, both physical and virtual.

Rita Ponce de León, Escultura Impermanente. Proyecto AMIL, 2017. Installation view. Courtesy of Proyecto AMIL. Photo: Juan Pablo Murrugarra

At the entry to the exhibition space, the work on paper entitled SÍ-NO, el camino a casa está lleno de caminos a casa (2017) hangs from the ceiling as it receives visitors. This subtle welcome, an abstraction of words for “yes” and “no,” announces that the space spectators will soon enter was designed to remind us that home transcends materiality and is part of life’s journey. The simple piece manages to define the exhibition’s pace vis-à-vis the pause that underlies deciding yes or no. Here anxiety becomes a personal, introspective breather.

Conformed by murals, drawings, a sculpture and an installation, the exhibition is divided into two galleries; light is a prominent museographic element throughout the show. In the first space, artworks are presented beneath white fluorescent lighting that plunges us into the chill of semio-capitalism’s hyper-technological postmodernity as the sole force for experiencing the world. Tensions between environment and body begin to be identified.

This space’s murals portray bodies constrained by the rigidities of modern forms, where angles and straight lines subdue, oppress and distort the body. Small, abstract drawings—of flawless form and composition—illustrate the body’s natural resistance to those forces. In these first drawings, Ponce de León transmits the start of a corporeal process of transcendence through liberation and relaxation. As in Japanese Butoh dance [2] (a recurring reference in the artist’s work found throughout the exhibition), bodies in her drawings are subject to continual transformation and limit-exploration, as well as what these encompass, when it comes to preconceived ideas that organize the body in relation to its surroundings. The need for close contact inside and out of bodily limits begins to create a way forward.

¿Cómo desaparecer una puerta?, 2017. Wood and metal sculpture. Courtesy of Proyecto AMIL. Photo: Juan Pablo Murrugarra

That notion migrates from paper to space beginning with the work entitled ¿Cómo desaparecer una puerta? (2017), a sculpture formed by three moveable wooden frames that suggest the movements of opening and shutting a door. The sculpture impinges on the entryway between the two galleries and obliges visitors to explore body movements in relation to the sculpture as a means of breaking with the rigidity of its rectangular form and the limits it imposes. The piece places human posture, splayed across the forms that oppress it, into crisis, in order to (re)-take control of an interrupted trajectory.

The second gallery’s warm, tenuous light greets visitors and encloses them within a space whose height has been reduced. The curatorial text points out the gallery “represents darkness and all those forms of ‘living’ we don’t know”; movements are interrupted and other, indeterminate ways of understanding the space emerge. This idea, though also found in the drawings’ amorphous character and in relation to Butoh dance technique, however, does not completely manage, in museographic terms, to transgress in such a way as to achieve a reflexive echo of the white cube’s rigid limits and characteristics as presented in the first gallery. If our intimate spaces’ darkness confronts us with ourselves, could this have been an excellent opportunity to explore the possibilities of constructing a much more visceral space alongside the artworks? The poiesis behind Ponce de León’s work possesses a capacity for recuperating the human friction from which the contemporary art realm has slowly retreated, to become just another image in semio-capitalism’s cognitive stew.

Reúne vida, mientras cuelgues de esta tierra, 2017. Installation in MDF, white paint, itop care, burners. Courtesy of Proyecto AMIL. Photo: Juan Pablo Murrugarra

The second gallery’s murals portray the figure of the body as it makes and undoes itself; the artist asks us to confront the difficulty that lies behind attempts to break with the system’s paradigms. The body detaches from itself and falls into madness. One of the murals along the longest wall portrays the construction of a horizon from an inverted perspective. Next to this mural stands the installation entitled Reúne vida, mientras cuelgues de este tierra (2017). It invites visitors to sit at a table and interact, through touch, with small clay and ceramic pieces on a surface that keeps the pieces warm. They are complemented by drawings that seek to portray the incommensurate. These last establish a sensorial relationship that—in dialogue with the upside-down horizon mural—close the show by discovering a transition in the symbolism of the horizon as well as the micro- and macro-cosmos, that restores a feeling of closeness within and without corporeal limits and conceptions.

It’s difficult to not consider the exhibition’s empathic capacity linked with feminist thought. In the Latin American context, remains more crucial than ever to project the body as a first political territory from which to fight the imposition and oppression of conservative and moral ideologies and discourses, which have oust the individual capacity to take decisions on the same. To recognize the work of Ponce de León from a feminist gaze enables us to recognize our own body in order to emancipate it from the patriarchal norms and limits that semio-capitalism’s modern and technological outlook imposes to justify the oppression, exploitation and devaluation of the human being.

In Escultura impermanente, Rita Ponce de León forces us to abandon our bodies to then—based on abstraction and the aesthetic—re-think and question routes for negotiating and defining the relationship between the functional and the phenomenological, the physical, the technological and the sentient body.

 

Diego del Valle Ríos is an independent curator that lives and works in Mexico City. He is currently Managing Editor for Terremoto.

Notes:

[1] Franco ‘Bifo’ Berardi. (2011). After the Future. Edinburgh, Oakland, Baltimore: AK Press.
[2] Dance techniques created by Kazuo Ohno and Tatsumi Hijikata in the postwar context of Japan in the 1950s.

La oscuridad grande, la pequeña oscuridad, 2016-2017 & Dibujos de cambio de idea (comencé diciendo algo, pero lo olvidé y dije otra cosa), 2014. Dibujos en tinta china y lápiz sobre papel, enmarcados. Cortesía de Proyecto AMIL.

Como sociedad moderna nos movemos poco a poco y cada vez con más rapidez hacia una inevitable crisis resultado del sistema semiocapitalista bajo el cual estamos alienados. Dicho sistema, de acuerdo a Franco Bifo Berardi [1], es la articulación de la sobreproducción a través de estímulos psíquico-cognitivos mismos que saturan todos los medios a partir de los cuales nos relacionamos con nosotros mismos y con nuestro entorno; estos estímulos median y limitan el encuentro de los cuerpos y la interacción entre personas. La ansiedad provocada por esta saturación de estímulos es el sentimiento constante que compartimos todos aquellos que habitamos la ciudad moderna y sus infraestructuras. En este contexto, la exposición Escultura Impermanente de Rita Ponce de León en Proyecto AMIL (Lima, Perú) logra revelarse como un espacio para explorar la desterritorialización del cuerpo ante la necesidad de renovación y de consenso alejada del semiocapitalismo.

El título de la exposición hace alusión a la continua transformación del cuerpo y a la incesante adaptabilidad a la que es sometido en un entorno de inmediatez bajo la presión de las estructuras modernas. Así mismo, enmarca los elementos centrales de la muestra: el cuerpo y el espacio, entendiendo el término escultura como la evocación de un trazo que a partir del movimiento es capaz de crear una relación tridimensional entre las obras y el público para accionar una reflexión corporal (física o virtual).

Rita Ponce de León, Escultura Impermanente. Proyecto AMIL, 2017. Vista de instalación. Cortesía de Proyecto AMIL. Fotografía: Juan Pablo Murrugarra

En la entrada al espacio, la obra sobre papel SÍ-NO, el camino a casa está lleno de caminos a casa (2017) recibe al visitante colgando del techo. Esta sutil bienvenida, la cual es una abstracción de las palabras “sí” y “no”, anuncia que el espacio al que se está por ingresar fue hecho para recordarnos que el hogar trasciende la materialidad y se encuentra en el devenir de la existencia. Esta sencilla pieza logra definir el ritmo de la exhibición en relación a la pausa que existe detrás del titubeo de elegir entre un sí y un no: aquí la ansiedad se convierte en un respiro introspectivo y personal.

Compuesta por murales, dibujos, una escultura y una instalación, la exhibición se divide en dos salas, cabe mencionar que un elemento museográfico importante en esta muestra es la luz. En la primera sala, las obras se presentan bajo una iluminación blanca fluorescente misma que nos sitúa en la frialdad de la postmodernidad hiper-tecnológica del semiocapitalismo como única fuerza para experimentar el mundo. La tensión entre el entorno y el cuerpo comienza a ser identificada.

Los murales en este espacio muestran cuerpos constreñidos por la rigidez de las formas modernas donde ángulos y líneas rectas vencen, oprimen y deforman al cuerpo. Pequeños dibujos abstractos de impecable composición y forma, retrataran la natural resistencia del cuerpo antes estas fuerzas. En estos primeros dibujos, Ponce de León trasmite el comienzo de un proceso corporal de trascender por medio de la liberación y la relajación. Como en la danza Butoh [2], referencia recurrente en la obra de la artista y que se encuentra constantemente en la exposición, los cuerpos en los dibujos de Rita se encuentran en una continua transformación y exploración de sus límites y lo que estos contienen en relación a ideas preconcebidas que organizan el cuerpo de acuerdo a su entorno. La necesidad de un contacto próximo dentro y fuera de los límites corporales empieza a abrirse paso.

¿Cómo desaparecer una puerta?, 2017.  Escultura en madera y metal. Cortesía de Proyecto AMIL. Fotografía: Juan Pablo Murrugarra

Esta idea pasa del papel al espacio comenzando por la obra ¿Cómo desaparecer una puerta? (2017), una escultura formada por tres marcos de madera móviles que remiten el movimiento del abrir y cerrar de una puerta. La escultura invade el acceso entre las dos salas obligando al visitante a explorar movimientos corporales a partir de la escultura para romper con la rigidez de su forma rectangular y los límites que impone. La pieza logra poner en crisis la postura humana misma que se vuelca sobre la formas que la oprimen para (re)tomar el control de una trayectoria interrumpida.

La luz cálida y tenue de la segunda sala recibe al visitante para contenerlo en un espacio cuya altura ha sido reducida. El texto indica que esta sala “representa la oscuridad y todas aquellas formas ‘del vivir’ que no conocemos”; los trayectos se rompen y surgen otras formas indeterminadas de entender el espacio, idea que aunque es encontrada en la característica amorfa de los dibujos en relación a la técnica de danza japonesa, no logra en su totalidad trangredir museográficamente para obtener un eco reflexivo sobre la rigidez de los límites y características del cubo blanco en relación a la primera sala. Si la obscuridad de nuestros espacios íntimos nos enfrenta con nosotros mismos, ¿podría ser esta una excelente oportunidad para explorar las posibilidades de construir un espacio mucho más visceral en conjunto con las obras? La poiesis detrás de la obra de Ponce de León tiene la capacidad de recuperar la fricción humana de la que se ha alejado poco a poco el campo del arte contemporáneo para solamente convertirse en una imagen más del mosaico cognitivo del semiocapitalismo.

Reúne vida, mientras cuelgues de esta tierra, 2017. Instalación en MDF, pintura de blanco, itop care, hornillas. Cortesía de Proyecto AMIL. Fotografía: Juan Pablo Murrugarra

Los murales en las paredes de esta segunda sala muestran la figura corporal haciéndose y deshaciéndose; la artista nos enfrenta con la dificultad que yace detrás del intento de romper con los patrones del sistema. El cuerpo se abstrae en sí mismo y enloquece. Uno de los murales a lo largo de la pared más extensa muestra una construcción de un horizonte desde una perspectiva invertida. Junto a ese mural se encuentra la instalación Reúne vida, mientras cuelgues de esta tierra (2017), la cual invita al visitante a sentarse a una mesa y relacionarse a través del tacto con pequeñas piezas de barro y cerámica sobre una superficie que las mantiene a una temperatura cálida. Las piezas son acompañadas por unos dibujos que intentan representar lo inconmensurable, mismos que establecen una relación sensorial, que en diálogo con el mural del horizonte invertido, cierran la exposición para encontrar en el simbolismo del horizonte y del micro y macro cosmos una transición para la restitución del sentimiento de proximidad dentro y fuera de los límites y concepciones corporales.

Es difícil no querer considerar la capacidad empática de la exhibición vinculada con el pensamiento feminista. En el contexto Latinoamericano, sigue siendo más crucial que nunca proyectar el cuerpo como un primer territorio político desde el cual se pueda combatir la imposición y opresión de parte de ideologías y discursos conservadores y morales que han desplazado la capacidad individual de tomar decisiones sobre el mismo. Reconocer el trabajo de Ponce de León desde una mirada feminista, nos permite reconocer nuestro propio cuerpo para emanciparlo de las normas y límites patriarcales impuestos desde la visión moderna y tecnológica del semiocapitalismo para justificar la opresión, explotación y devaluación del ser humano.

En Escultura Impermanente, Rita Ponce de León nos obliga a abandonar nuestros cuerpos y empezar a replantear y cuestionar desde la abstracción y la estética rutas para negociar y definir la relación entre lo funcional y lo fenomenológico, entre lo físico y tecnológico y el cuerpo sensible.

 

Diego del Valle Ríos es curador independiente quien vive y trabaja en Ciudad de México. Actualmente es Editor de Terremoto.

Notas:

[1] Franco ‘Bifo’ Berardi. (2011). After the Future. Edinburgh, Oakland, Baltimore: AK Press.
[2] Técnicas de danza creadas en  Japón en 1950 por Kazuo Ohno y Tatsumi Hijikata en el contexto de la posguerra.

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