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Reportes - CDMX - México

Helena Lugo, Carmen Argote

Tiempo de lectura: 8 minutos

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20.10.2022

Rehacer, re-maternar y transformar

Entrevista con Carmen Argote a propósito de su exposición Sus formas del otro en Commonwealth and Council en Ciudad de México.

Her Forms of Other [Sus formas del otro], la exposición individual de Carmen Argote presentada en Commonwealth and Council, exhibe nuevas obras de una serie en curso llamada Mother [Madre] que explora las formas escultóricas, los recuerdos de su pasado, la meditación y el ritual. La práctica de Argote ahonda en su propio paisaje psíquico, su propio cuerpo, sus traumas y su niña interior como medio para sanar, crear y reconciliarse con el mundo. Hace guardianes y objetos reconfortantes, esculturas que cobran vida a medida que se forman a través de acciones, símbolos, gestos, y se enredan o encarnan a través de sus procesos psicológicos. Sus rituales, su arte y sus procesos reflejan, en última instancia, sus estados emocionales o espirituales.

 Helena Lugo: ¿Puedes explicarnos el proceso de esta exposición en particular? Todos los «objetos» parecen haber pasado por un largo proceso de creación: incluyen pintura, objetos encontrados, plantas, frutas, ropa… y la mayoría de los elementos se trenzan, enredan, entrelazan entre sí. ¿Puedes explicar esto con más detalle?

Carmen Argote: Este cuerpo de trabajo es parte de una serie más amplia que llamo Mother y ha pasado por varias etapas de desarrollo que son paralelas a mi propia exploración psicológica. El acto de trenzado se convirtió en una acción simbólica de integración corporal con la mente y el espíritu, dando lugar a una presencia colectiva que se pedía en el arte. El proceso de creación de arte se cruza con la terapia, el caminar de forma lúdica (galumphing),[1] y la investigación consciente que permite que los materiales reunidos, las formas y las figuras, y un lenguaje visual se desarrollen en una conversación continua. Este trabajo ha alimentado mi conexión espiritual con una realidad menos centrada en el ego.

HL: A menudo hablas de los objetos y de su generosidad como algo que se reconoce o con lo que se entabla una conversación, como depositarios o custodios. ¿Podrías profundizar en tu relación con los objetos y la materia?

CA: Un día estaba sosteniendo una almohada suave y me sentí humilde y sorprendida por cómo este objeto no vivo podía revivir mi memoria de una versión infantil —más joven— de mí que necesitaba ser calmada. Este momento catalizó una conciencia que ilustró profundamente que no hay demarcaciones entre mi Yo y el objeto. El espacio y las emociones que alberga el objeto son generosos y generadores, estos sentimientos y el proceso en las exploraciones psicológicas inspiraron la acción específica en la fabricación de los objetos reconfortantes y protectores.

HL: Para esta exposición has creado dos tipos de seres: objetos reconfortantes y protectores. ¿Puedes hablarnos más de ellos? ¿Qué consuelo proporcionan? ¿Qué es lo que protegen?

CA: Los objetos reconfortantes, al igual que los protectores, son etapas de desarrollo dentro de la serie más amplia que llamo Mother. Dentro de Mother, hay arquetipos, cuerpos de dolor, protectores, objetos de consuelo y sombras. Los protectores han adoptado ciertas posiciones de las manos que recuerdan la posición de mis manos al caminar. Éstas parecen indicar un permiso de una energía de entrega (no un abandono, sino un permitir que las cosas sean como son), a veces las manos empujan y crean una especie de límite. Pienso en los protectores como patrones de comportamiento que se elevan a la conciencia y se dejan ir. Quizás estos protectores eran sistemas de creencias que me mantuvieron a salvo en algún momento, y que ya no contribuían a una vida de bienestar.

HL: ¿Puedes contarnos quién es ese Otre al que te refieres y cómo entiendes la alteridad?

CA: La idea del Otre proviene de las primeras etapas de la obra, en las que estaba borrando lápidas que decían Mother. Mientras frotaba las lápidas, empecé a deconstruir MOTHER [madre], OTHER [otre], y HER [ella]. Se convirtió en una pregunta: ¿quién es ELLA? ¿Quién es le OTRE? ELLA se sentía distante de Madre; OTRE en este contexto me recuerda a otras versiones de mi Yo, se convirtió en otra pregunta que me planteé y que abrió posibilidades. ¿Qué pasaría si permitiera que mis represiones se hicieran conscientes y disminuyeran? ¿Quién sería ese otre yo? ¿Sería mi madre, ella? ¿O sería le otre yo que estuve protegiendo todo este tiempo y manteniendo a salvo sin saberlo con todos estos Protectores?

HL: Utilizas materiales llenos de símbolos, ¿puedes platicarnos más sobre ellos? Me refiero a los significados de las flores que has utilizado, los nidos de avispa que caen de los árboles, la ropa de tu madre, los símbolos que evocan la relación con tu padre…

CA: Los materiales que se ven en las obras conectan con los objetos y con restos de recuerdos de mi vida. La búsqueda de materiales se produce en relación con el espacio, ya sea caminando, en mi casa-estudio o en el espacio donde se hace el arte. Las acciones de búsqueda, rescate y exploración espacial son corporales y se digieren dentro del proceso de creación artística. Se siente como un consumo, a veces de mis propias pertenencias personales y otras veces de las pertenencias simbólicas de otra persona. Estos materiales se transforman en nuevas formas con un significado simbólico diferente. Es al jugar con estos materiales, en el proceso de creación artística, cuando se puede articular la función simbólica de los mismos. El uso de cierto material es a menudo un impulso instintivo; y sólo después de que el proceso de creación de arte haya sucedido puedo preguntar al arte por qué es de la manera que es, y lo que está tratando de simbolizar. Es aquí donde lo simbólico puede trasladarse al lenguaje. Es entonces cuando puedo asimilar lo que el arte sabía, y continuar la conversación con él. A menudo me sorprendo al descubrir que, por ejemplo, las agallas de roble que me sentí obligada a recoger, hervir y utilizar son la respuesta inmunitaria de un árbol. A menudo me siento obligada a espolvorear polvo de hierro sobre una obra mientras la termino, pensando más en la reacción como alquimia, sólo para hacer la conexión con el hierro y la sangre. Entonces, la acción de utilizar el hierro se convierte en una especie de sangre vital para el objeto. Otro ejemplo: al observar un montón de chaquetas que me regaló mi madre y que ya no me pongo, en esta perspectiva pude verlas como un material lleno de intención y peso por la relación entre mi madre y yo. El equipo para motocicleta de una obra anterior, ahora con el tiempo, se vuelve representativo de una determinada etapa de la relación con mi padre. El material adquiere un significado simbólico que, en este caso, alimenta un impulso para resolver lo que no se pudo hacer en un momento anterior. De este modo, los materiales son paralelos a mi desarrollo humano y su contenido simbólico surge a través de su re-creación, re-materialización y transformación.

HL: Creo que tu práctica puede entenderse más como una performance que como un objeto o acción final, ya que intervienen muchos procesos y los objetos están cargados de significado. ¿Puedes ahondar en esta experiencia performática?

CA: El arte ilustra lo que es una práctica basada en el proceso. En este cuerpo de trabajo, en particular, cada uno de los objetos, obras sobre papel, pinturas y destejidos se crearon haciendo una acción. Por lo general, estas acciones privadas son conversaciones encarnadas que ocurren a través del proceso de creación de arte con una presencia espiritual que yo llamo El Arte. Para mí, una acción en este contexto es una conversación con un inconsciente colectivo, un conocimiento compartido, tanto humano como no humano. Recientemente, he abierto este espacio privado dentro de mí y he comenzado a realizar estas acciones en público, donde la acción implica la realización en vivo de la obra. Las acciones parecen poner en práctica lo que se ha nutrido tanto de mi quehacer artístico como de mis exploraciones psicológicas. Las etapas de desarrollo de un ser humano y las etapas dentro del desarrollo de un cuerpo de trabajo tienen una relación simbiótica. No utilizo el término «performance» o «performativo» por la forma en que pienso en el público. No pienso en éste como un público que está atado a una expectativa de permanecer y observar durante una duración determinada, de principio a fin. Pienso en el público como une testigue que puede ir y venir, quedarse o marcharse; y que lo que se siente es la conexión entre la creación, mi Yo, mis salidas psicológicas y el Arte. La generosidad de los objetos es que sostienen las acciones para mí y aminoran lo que llevo dentro, me orientan, proveen en su materialidad y en el proceso de su realización.

HL: Siendo una mexicana que ha vivido la mayor parte de su vida en Estados Unidos, ¿sientes que hay una identidad latinoamericana particular en este trabajo?

CA: Lo que siento es el virus colectivamente percibido del capitalismo tardío que lleva a un desencarnamiento incesante, a una equiparación del valor de une misme con sus logros y lo que puede producir. Lo que se siente es la objetivación del ser humano como un recurso prescindible y explotable que se utiliza para obtener beneficios. Deseo volver a centrarme en mí misma y en mi intención de vivir de una manera que priorice mi bienestar y alimente la compasión por la humanidad. Como persona latina que también es inmigrante, soy consciente de las heridas del trauma generacional, y a través de la re-paternidad de mi niña interior veo las posibilidades de nuestra humanidad colectiva.

HL: Por último, ¿puedes decirnos qué es lo siguiente en este proceso de transformación del Yo? ¿Podemos esperar algún nuevo cuerpo de trabajo en torno a estas mismas reflexiones?

CA: En este momento, mi atención se centra en mantener el espacio necesario para cuidar la integridad del cuerpo de trabajo completo, independientemente de que las obras individuales se dispersen. El cuerpo de trabajo que llamo Mother aún no está del todo resuelto y lo veo reunirse en su próxima transformación en el RIPE CHILD.

Notas

  1. Moverse de forma torpe, pesada o ruidosa; poco elegante.

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