Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Aullido

Vicente Prieto Gaggero

OMA Art Gallery Santiago, Chile October 16, 2019 – December 5, 2019

Vicente Prieto Gaggero, Aullido (2019). Vista de instalación. Foto por Carlos Molina, cortesía del artista

Vicente Prieto Gaggero, Aullido (2019). Vista de instalación. Foto por Carlos Molina, cortesía del artista

Vicente Prieto Gaggero, Aullido (2019). Vista de instalación. Foto por Carlos Molina, cortesía del artista

La rigidez que propone el cuadrilátero pone a prueba la unión de los materiales para situarlo en la galería y en relación con un cuerpo visitante. Hemos querido interpelar al espectador a través de la tensión e imágenes que conforman el cuerpo de trabajo, poniendo así la violencia en todas sus acepciones, donde cada elemento evidenciará de manera metafórica los dolores universales, físicos, sociales y políticos. ¿Cuáles serán los motores que mueven a los artistas a trabajar ese imaginario? —¿problemas sociales? ¿atractivo estético?.

La utilización de nuevos materiales —en diálogo directo con el mundo del arte contemporáneo— nos permite visualizar de manera poética el caos contemporáneo y filosófico. Por ello, una obra de arte contemporáneo no puede ser apreciada con una visión clásica, así como el arte ha cambiado, también tiene que hacerlo la perspectiva con la que se aprecia la obra. La instalación como objeto estético invita a interpelar al público y este tiene la decisión de entrar en el diálogo que propone el artista y la obra. No hay juicio valórico. Hay obra.

Ideas generales

El nombre Aullido se integra en el ring de la instalación, desde un punto de partida simbólico; abarcamos el concepto desde su significado más visceral, pasando a lo trivial y también los relatos de Ginsberg. Fue concebido gracias a las reflexiones estéticas y contingentes con José Manuel, donde coincidimos como concepto unificador y colectivo en la contemporaneidad. Sobre todo, es esa voz quejosa y prolongada que detona un encanto estremecedor. Los lobos la utilizan para comunicarse colectivamente, y es ahí donde ningún lobo se resiste a unirse al coro de su manada. La asociación de esto, es de un grito honesto del pueblo inmerso en un neo-liberalismo chileno triste y doloroso. En la batalla diaria y cotidiana, pero colectiva.

Es muy significativo lo premonitorio de esta instalación con el estallido social en Chile, aumenta el sentido de forma inconmensurable. Parece ser que la instalación otorgaba de herramientas al estallido social que vivimos hoy.

El proceso de la exposición siempre se desarrolló en la visualización histórico-material a una contingencia social, específicamente los dolores íntimos, universales, sociales y políticos, donde desde el lenguaje de la violencia se narra a los paisajes sociales contemporáneos. Es por eso que los ejes conceptuales fueron la tensión, y la intensidad gestual del dolor en sus antiguas y nuevas formas de resistencia.

Para la realización del cuadrilátero hubo una indagación asociado a materiales identitarios como la arcilla cocida y otros de la esfera industrial como el concreto y el acero. Materiales que contienen una gran carga simbólica por separado y sus uniones son igual de violentas a los combates de un ring. La arcilla cocida carga un poder simbólico e identitario en los paisajes vernáculos nacionales y latinoamericanos, en contraposición al concreto y el acero que nos hablan del desarrollo de las grandes capitales centralizadas.

Mi interés por poner en tensión los conceptos de dolor y batalla surgen de ese hombre alienado en la sociedad contemporánea neoliberal, lo veo tanto en Chile como en mis viajes por Latinoamérica. Donde creo que todos compartimos alma de lucha, por el hecho de ser pueblo somos boxeadores; existe una rebeldía donde hay un poder sobrehumano a luchar por un lugar dentro del “orden social”. Y esa batalla surge y convive en el dolor. 

En la propuesta se representa gracias al cuerpo visitante que,  como agente activo en la instalación, son los boxeadores. Se busca interpretarlos directamente haciéndolos parte de la instalación. Para el cuerpo visitante está el ring ausente, ellos se encuentran al vacío de la lucha. En el centro de la instalación hay una veintena de guantes colgados, y están ahí para ellos. 

Se busca trasladar los significados del dolor universal, físico y social a los objetos instalados para construir una experiencia que se realiza gracias a la unión del objeto expuesto y el cuerpo visitante. El público está inmerso en afecto y fisicalidad en un contexto socio-político donde portan el verdadero significado a la obra.

—Texto por Vicente Prieto

https://www.instagram.com/omaartgallery/

Vicente Prieto Gaggero, Aullido (2019). Vista de instalación. Foto por Carlos Molina, cortesía del artista

Vicente Prieto Gaggero, Aullido (2019). Vista de instalación. Foto por Carlos Molina, cortesía del artista

Vicente Prieto Gaggero, Aullido (2019). Vista de instalación. Foto por Carlos Molina, cortesía del artista

La rigidez que propone el cuadrilátero pone a prueba la unión de los materiales para situarlo en la galería y en relación con un cuerpo visitante. Hemos querido interpelar al espectador a través de la tensión e imágenes que conforman el cuerpo de trabajo, poniendo así la violencia en todas sus acepciones, donde cada elemento evidenciará de manera metafórica los dolores universales, físicos, sociales y políticos. ¿Cuáles serán los motores que mueven a los artistas a trabajar ese imaginario? —¿problemas sociales? ¿atractivo estético?.

La utilización de nuevos materiales —en diálogo directo con el mundo del arte contemporáneo— nos permite visualizar de manera poética el caos contemporáneo y filosófico. Por ello, una obra de arte contemporáneo no puede ser apreciada con una visión clásica, así como el arte ha cambiado, también tiene que hacerlo la perspectiva con la que se aprecia la obra. La instalación como objeto estético invita a interpelar al público y este tiene la decisión de entrar en el diálogo que propone el artista y la obra. No hay juicio valórico. Hay obra.

Ideas generales

El nombre Aullido se integra en el ring de la instalación, desde un punto de partida simbólico; abarcamos el concepto desde su significado más visceral, pasando a lo trivial y también los relatos de Ginsberg. Fue concebido gracias a las reflexiones estéticas y contingentes con José Manuel, donde coincidimos como concepto unificador y colectivo en la contemporaneidad. Sobre todo, es esa voz quejosa y prolongada que detona un encanto estremecedor. Los lobos la utilizan para comunicarse colectivamente, y es ahí donde ningún lobo se resiste a unirse al coro de su manada. La asociación de esto, es de un grito honesto del pueblo inmerso en un neo-liberalismo chileno triste y doloroso. En la batalla diaria y cotidiana, pero colectiva.

Es muy significativo lo premonitorio de esta instalación con el estallido social en Chile, aumenta el sentido de forma inconmensurable. Parece ser que la instalación otorgaba de herramientas al estallido social que vivimos hoy.

El proceso de la exposición siempre se desarrolló en la visualización histórico-material a una contingencia social, específicamente los dolores íntimos, universales, sociales y políticos, donde desde el lenguaje de la violencia se narra a los paisajes sociales contemporáneos. Es por eso que los ejes conceptuales fueron la tensión, y la intensidad gestual del dolor en sus antiguas y nuevas formas de resistencia.

Para la realización del cuadrilátero hubo una indagación asociado a materiales identitarios como la arcilla cocida y otros de la esfera industrial como el concreto y el acero. Materiales que contienen una gran carga simbólica por separado y sus uniones son igual de violentas a los combates de un ring. La arcilla cocida carga un poder simbólico e identitario en los paisajes vernáculos nacionales y latinoamericanos, en contraposición al concreto y el acero que nos hablan del desarrollo de las grandes capitales centralizadas.

Mi interés por poner en tensión los conceptos de dolor y batalla surgen de ese hombre alienado en la sociedad contemporánea neoliberal, lo veo tanto en Chile como en mis viajes por Latinoamérica. Donde creo que todos compartimos alma de lucha, por el hecho de ser pueblo somos boxeadores; existe una rebeldía donde hay un poder sobrehumano a luchar por un lugar dentro del “orden social”. Y esa batalla surge y convive en el dolor.

En la propuesta se representa gracias al cuerpo visitante que,  como agente activo en la instalación, son los boxeadores. Se busca interpretarlos directamente haciéndolos parte de la instalación. Para el cuerpo visitante está el ring ausente, ellos se encuentran al vacío de la lucha. En el centro de la instalación hay una veintena de guantes colgados, y están ahí para ellos.

Se busca trasladar los significados del dolor universal, físico y social a los objetos instalados para construir una experiencia que se realiza gracias a la unión del objeto expuesto y el cuerpo visitante. El público está inmerso en afecto y fisicalidad en un contexto socio-político donde portan el verdadero significado a la obra.

—Texto por Vicente Prieto

https://www.instagram.com/omaartgallery/

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