Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

A favor de lo espectral

Curaduría por Marco Valtierra

Espacio Cabeza / Bienal de Pintura José Atanasio Monroy Guadalajara, Jalisco, México June 13, 2020 –

Alejandra Ruiz, No quiero morir (2018). Image courtesy of the artist

Alicia Ayanegui, Almohadas (2017). Image courtesy of the artist

Daniela Libertad, Estudio para triángulo de cuatro líneas (2013 – 2015). Image courtesy of the artist

In Favor of the Spectral a curatorial project by Espacio Cabeza for Hecho en casa – Curatorial Program of the José Atanasio Monroy Painting Biennale. The curatorship goes over how the experience of the spectral opens itself in multiple ways in our contemporaneity by articulating different themes as disappearance, memory, imagination, visibility and invisibility, the future and the metaphysics of existence.  As a curatorial text, Marco Valtierra, art historian and curator, discussed with philosopher Daniela Mesa Cardona.

I – Marco Valtierra: How should we think about the different experiences—fragmentary, invisible—of that which is called spectral? Or better yet, how should we face what seems to escape our eyes? When thinking about the idea, vague at some point, of curating “something” about the spectral, the questions that arose along the way remained as a personal concern. A restlessness to face the ghost, to recognize its fissures turned into deep cracks and stop running away from a dreadful silhouette. Only then I found out that spectrality is performative.

Meanwhile the questioning remained, how can we keep encouraging the conversation about contemporary aesthetics, outside the fringes of the dominant discourses, in order to reposition it in other horizons and territories, to promulgate new experiences of sensitive and affective contemplation?

II – Daniela Mesa Cardona:  While influenced by their context and conditions, artists as subjects with agency have contributed with experiments in their field that have resulted in different ways of creating, understanding and connecting with works of art. We’ve already read countless times, and from different voices, the development that Aesthetics had–and which we all can empirically confirm either we are aware or not of the reasons—that the façade of art was torn down as a natural essence that can be dissected into specific properties.

So, what does the leitmotiv that tells us that any object can potentially be a work of art demonstrate? The face-to-face encounter with the spectrum. The weight of history and its deep inscription on memory. The relevance of agency and choices.

III – Marco Valtierra: Here we can ask about the singular, what experiences do the artworks gathered here lead us to?  Political, emotional, memorial experiences or are they rather the range of possibilities and the overlay of each one of these experiences? As Helena Chávez Mac Gregor says, “as experience of sensibility (subjectivity) that burst in, stirring the discursive and visibility moments, like a force field that makes the aesthetic experience a revolutionary policy.”

The aesthetic experience and its different scenarios, in this exhibition, are subjected to a virtual spectrality, to a logic of tactile experience: to swipe, to see, to let go, or, with any luck, to react and share. Images are shared on a wall to disappear, being pushed into the time of oblivion, of things seen. But I insist on the way in which the past persists in the present and how it updates and goes around, makes itself. That which we have agreed to call “politics of memory”, affective memories that make subjectivities, emphasizing the places where these gain command and power. A stress must be put on the symptoms of the phantasmic: that which insists to be but isn’t.

While this exhibition starts from the idea of spectrality, its approach is not unidirectional, on the contrary, it tries to make appear different and multiple experiences surrounding the very phenomenon of contemporaneity; articulated around a force that links them at the same time it draws a correlative and causes them to overflow.

On the expectation of a time of dispossession, simultaneously and intimately linked to the time of disappearance, and following Jean-Louis Déotte: “[…] it seem evident to me that since World War II a community of sensibility has been constituted around a certain kind of affection linked to disappearance. We are a part of it. This cosmopolitical community is affected (and this is what its members share: an affection) by a silence that possesses a particular tonality.” How to continue existing, when only silence remains?

IV — Daniela Mesa Cardona: We know that Aesthetics appeared as an autonomous field during the eighteenth century and that since the crisis of modern culture (white and European) more and more in art and through art, we are having conversations about asymmetrical power dynamics. Which, of course, also talk about art as a field and as a normative and prescriptive institution. But that if we see in those marginal territories—which are not just a few—the so necessary questionings point to the ways of this Aesthetics in crisis that had delusions of universality.

That art got rid of the requirement of focusing only on the formal internal elements of the artwork—and that these had to be necessarily aesthetic—shows the participation of the subjects (many subjects) in historical dialectic processes. Knowing this was not a product of spontaneous generation opens the doors to understanding that this discipline does not have a lineal discourse, let alone a homogenous one.

And in the sensibility linked to disappearance, it is silence who questions us by facing us to the spectrality of art, of artists, and of ourselves. We know we must face our own history, reflect on the marks it has left in us, and come to terms with the consequences of our constant choices. These works lead us to initiate a conversation about the past and the memory of art that is made in our present, but also about the place in which these works are being inscribed in it, in us and in virtuality. How do new ways of exhibiting art influence our cognitive, emotional and physiological responses to works of art?

V— Marco Valtierra: Above all, what position does the body take in these new modes? Modes that haunt us for a long time. Let us not forget, our time is the time of dispossession. And in this framework, where everything seems to open up and new laws appear in the narratives about the sensible experience, how to name that whose logic is non-existence?

VI— Daniela Mesa Cardona: By making a conversation from diverse and distinct experiences possible and acknowledging the cracks of the past and their effect. The work of art, by the artist’s choice and action, questions and challenges established history for trying to standardize it. In the words of Miguel Ángel Hernández Navarro, art is making history: “[…] as the writing of time with aspirations of truth and justice” and memory “[…] as the fundamental object that goes through it and makes the past affect the present” (p.31).

And it is quite right that by choice these questionings start conversations that generate works that aim to subvert these dominant policies of the past. Let aesthetics never go back to functionalism, just as we do not go back to the mere contemplative attention of the work of art.

VII— Marco Valtierra: The specters we carry on our shoulders will have to be invoked, which hold a significant place in memory, in our affections, in our conscience. This is about conjuring the specters, not to exorcize them but to recognize the crevice they inhabit today.

VII— Daniela Mesa Cardona: The silence that does not question, besides insolent, is unforgivable, especially because we see and hear the never-ending specters with which we live day by day. Where do we want them to live today and tomorrow?

IX— Marco Valtierra: Perhaps the specter is not always hidden. Today more than ever it is present, and its presence is felt in multiple ways. The specter and its performativity, though an event of the past, gains power only through its future condition.

For the time being, this conversation will remain pending…

Espacio Cabeza is a nomadic, nonprofit and self-managed platform dedicated to contemporary art exhibition, founded by artist Juan Carlos Guerrerosantos. The exhibition schedule seeks to contribute to the panorama, discussion and cultural promotion of the current artistic practices.

Daniela Mesa Cardona (Armenia, 1995) is editor, writer and Aesthetics and Philosophy of Art researcher. Licensed on Philosophy and Literature by Universidad de Caldas (Colombia), with a Master’s degree on Philosophy by Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM), an academic exchange on the History of Art program of Universidad de Guadalajara (México), and with an research fellowship as Visiting Research Fellow at the Centre for Aesthetics of University of Leeds (United Kingdom).

Marco Valtierra (Guadalajara, 1994) graduated on History of Art by Universidad de Guadalajara. He is currently curator at Espacio Cabeza and founder and co-director of Laboratorio Curatorial Archipiélago. In 2019 he worked as education assistant at Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (MUSA). He has written papers for colloquiums and academic encounters of institutions as Universidad de Guadalajara, Universidad de Guanajuato and ENES Morelia (UNAM).

Special thanks to Al revés Traductores for the English translation of this curatorial text.

Exhibition available at

Alejandra Ruiz, No quiero morir (2018). Image courtesy of the artist

Alicia Ayanegui, Almohadas (2017). Image courtesy of the artist

Daniela Libertad, Estudio para triángulo de cuatro líneas (2013 – 2015). Image courtesy of the artist

A favor de lo espectral es una curaduría digital de Espacio Cabeza para Hecho en casa – Programa Curatorial de la Bienal de Pintura José Atanasio Monroy. La curaduría revisa cómo la experiencia de lo espectral se abre en múltiples maneras en nuestra contemporaneidad, a través de la articulación de distintas temáticas como la desaparición, la memoria, la imaginación, la visibilidad e invisibilidad, el porvenir y la metafísica de la existencia. A modo de texto curatorial, el historiador del arte y curador Marco Valtierra entabló un diálogo con la filósofa Daniela Mesa Cardona.

I — Marco Valtierra: ¿Cómo pensar las distintas experiencias —fragmentarias, materiales, sensibles— de aquello denominado espectral? ¿O mejor aún, cómo encarar aquello que parece huir de nuestras miradas? Al proponerme la idea, lejana en algún momento de curar “algo” sobre lo espectral, las incógnitas que se abrían paso en el trayecto se mantenían inscritas en una inquietud personal. Una inquietud en mirar al fantasma de frente, reconocer sus fisuras vueltas grietas hondas y dejar de huir de la silueta ominosa. Descubrí sólo entonces que la espectralidad es performática. Paralelamente persistía el cuestionamiento, ¿cómo seguir alentando la conversación sobre la estética contemporánea, fuera de los márgenes de los discursos dominantes, para reposicionarla en otros horizontes y territorios, para legislar nuevas experiencias de contemplación sensible y afectiva?

II — Daniela Mesa Cardona: Si bien están influidos por su contexto y sus condiciones, los artistas como sujetos con agencia han propiciado experimentaciones en su campo que han resultado en diferentes formas de producir, entender y relacionarse con las obras de arte. Ya hemos leído un sinfín de veces, y en diferentes voces, la realización que tuvo la Estética —y que todos podemos corroborar empíricamente seamos conscientes o no de las razones— de que se derribó la fachada del arte como una esencia natural que se puede diseccionar en propiedades específicas. Entonces, ¿qué evidencia el leitmotiv que nos dice que cualquier objeto puede potencialmente ser una obra de arte? El encuentro cara a cara con el espectro. El peso de la historia y su inscripción profunda en la memoria. La relevancia de la agencia y las elecciones.

III — Marco Valtierra: Aquí vale la pregunta sobre lo singular ¿qué experiencias abren las obras aquí reunidas? ¿experiencias políticas, afectivas, memoriales o son más bien el entramado de posibilidades y la superposición de cada una de estas experiencias? Como bien apunta Helena Chávez Mac Gregor “como experiencia de la sensibilidad (subjetividad) que irrumpe, removiendo los momentos discursivos y de visibilidades, como campo de fuerzas que hacen de la experiencia estética una política revolucionaria”. La experiencia estética y sus distintos escenarios en esta muestra están sujetas a una espectralidad virtual, a una lógica de experiencia táctica: deslizar, ver, dejar ir, o en el mejor de los casos: reaccionar y compartir. Las imágenes se comparten para que desaparezcan en un muro, quedando relegadas al tiempo del olvido, de lo visto.

Pero yo insisto sobre la manera en cómo el pasado persiste en el presente, y en qué formas se actualiza y circula, se construye. Aquello que hemos acordado llamar “políticas de la memoria”, memorias afectivas que construyen subjetividades, haciendo hincapié en los lugares donde éstas adquieren dominio y potencia. Hay que poner el acento en los síntomas de lo fantasmático, aquello que insiste en ser, pero no es. Si bien esta muestra parte de la noción de espectralidad, no se inscribe en una visión unidireccional, por el contrario, procura a hacer “aparecer” distintas y múltiples experiencias ceñidas al fenómeno propio de la contemporaneidad; articuladas sobre una fuerza que las vincula al tiempo que traza un correlato y las hace desbocar. Sobre la expectativa de un tiempo del despojo, simultáneamente ligado de manera íntima a la época de la desaparición, Jean-Louis Déotte señala “[…] me parece evidente que desde la Segunda Guerra Mundial, se ha constituido una comunidad de la sensibilidad alrededor de un cierto tipo de afecto ligado a la desaparición. Somos parte de ella. Esta comunidad cosmopolítica se ve afectada (y esto es lo que comparten sus miembros: un afecto) debido a un cierto silencio que posee una tonalidad particular”. ¿Cómo seguir existiendo, cuándo sólo resta el silencio?

IV — Daniela Mesa Cardona: Sabemos que la Estética surgió y se estableció como campo autónomo en el siglo XVIII, y que desde la crisis de la cultura moderna (blanca y europea) cada vez más en el arte y a través del arte, tenemos conversaciones sobre las relaciones asimétricas de poder. Que desde luego, también hablan del arte como campo y como institución normativa y prescriptiva. Pero que si miramos en esos territorios márgenes —que no son pocos— los tan necesarios cuestionamientos señalan los modos de esta Estética en crisis que tuvo delirios de universalidad. Que el arte se deshiciera del requerimiento de tener que enfocarse sólo en los elementos internos formales de la obra —y que estos tuvieran necesariamente que ser estéticos— es la muestra de la participación de los sujetos (de muchos) en procesos históricos dialécticos. Saber que esto no fue producto de ninguna generación espontánea nos abre las puertas a comprender que esta disciplina no tiene un relato lineal, ni mucho menos homogéneo. Y en la sensibilidad ligada a la desaparición el silencio es quien nos interpela al encontrarnos con la espectralidad del arte, de los artistas y de nosotros mismos. Sabemos que tenemos que encarar nuestra propia historia, reflexionar sobre las marcas que ha dejado en nosotros, y asumir las consecuencias de las elecciones constantes. Estas obras nos llevan a entablar una conversación sobre el pasado y la memoria del arte que se hace en nuestro presente, pero también, sobre el lugar en el que estas obras se están inscribiendo en él, en nosotros y en la virtualidad. ¿Cómo inciden los nuevos modos de exhibición en las respuestas cognitivas, emocionales y fisiológicas que tenemos de las obras de arte?

V — Marco Valtierra: Sobre todo, ¿qué posición toma el cuerpo en estos nuevos modos? Modos que nos persiguen desde hace mucho tiempo. No lo olvidemos, nuestro tiempo, es el tiempo del despojo. Y en este entramado, donde todo parece abrirse y aparecen nuevas legislaciones en las narrativas sobre la experiencia sensible, ¿cómo nombrar aquello cuya lógica es la no-existencia?

VI — Daniela Mesa Cardona: Posibilitando la conversación desde las experiencias distintas y diversas, y reconociendo las grietas del pasado y su efecto. La obra de arte, por elección y acción del artista, cuestiona y desafía a la historia establecida por querer uniformizarlo. Como dice Miguel Ángel Hernández Navarro, el arte está haciendo historia: “[…] como escritura del tiempo con aspiración de verdad y justicia” y memoria “[…] como el objeto fundamental que la atraviesa y que hace que el pasado afecte el presente” (p. 31). Y está más que bien que por elección los cuestionamientos abran conversaciones que generen piezas que tienen por objeto una subversión de estas políticas dominantes del pasado. Que la estética no regrese a los funcionalismos, así como nosotros no regresamos a la pura atención contemplativa de la obra de arte.

VII — Marco Valtierra: Habrá que convocar a los espectros que cargamos sobre nuestros hombros, que ocupan un lugar significativo en la memoria, en nuestros afectos, en nuestra conciencia. Se trata de conjurar a los espectros, no para exorcizarlos, sino para reconocer el hueco donde habitan hoy.

VIII — Daniela Mesa Cardona: El silencio que no interpela además de insolente es imperdonable, especialmente porque vemos y escuchamos el sinfín de espectros con los que convivimos a diario. ¿Dónde queremos que habiten hoy y lo sigan haciendo mañana?

IX — Marco Valtierra: El espectro quizá no siempre se oculta. Hoy más que nunca está presente y su presencia se siente de múltiples maneras. El espectro y su performatividad, aunque acontecimiento del pasado, adquiere potencia sólo en su condición venidera.

Por lo pronto, esta conversación seguirá pendiente…

Espacio Cabeza es una plataforma nómada, sin fines de lucro y autogestiva dedicada a la exhibición de arte contemporáneo, fundada por el artista Juan Carlos Guerrerosantos. La programación expositiva busca contribuir al panorama, discusión y difusión de las prácticas artísticas actuales.

Daniela Mesa Cardona (Armenia, 1995) es editora, escritora e investigadora en Estética y Filosofía del Arte. Profesional en Filosofía y Letras de la Universidad de Caldas (Colombia), con estudios de Maestría en Filosofía en la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) (México), un intercambio académico en el programa de Historia del Arte de la Universidad de Guadalajara (México), y con una estancia de investigación como Visiting Research Fellow en el Centre for Aesthetics de la University of Leeds (Reino Unido).

Marco Valtierra (Guadalajara, 1994) es egresado de la licenciatura en Historia del Arte de la Universidad de Guadalajara, actualmente es curador de Espacio Cabeza y fundador y co-director del Laboratorio Curatorial Archipiélago. En 2019 se desempeñó como auxiliar de educación en el Museo de las Artes de la Universidad de Guadalajara (MUSA). Ha escrito ponencias para coloquios y encuentros académicos de instituciones como la Universidad de Guadalajara, la Universidad de Guanajuato y la ENES Unidad Morelia, UNAM.


Aune Ainson, Alicia Ayanegui, Tabata Bandin, Daniela Libertad, Milo Medina, Alejandra Ruiz, Raúl Rebolledo, Elizabeth Rosas, Sayuri Sánchez Rodríguez, Álvaro Ugarte y Lucía Vidales

Agradecimientos especiales a Al revés Traductores por la traducción al inglés de este texto curatorial.

Exposición disponible en

Tags: , , , , , , , , , , , , , , , , , ,

Happiness! We’re All in It Together


Think Inside the Box

CIRCA MMXIV: Imagination is an Act of Freedom