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Reseñas - Estados Unidos

Carribean Fragoza

Tiempo de lectura: 10 minutos

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17.08.2018

Made in L.A. 2018, en el Hammer Museum, Los Ángeles, EE.UU.

Por Carribean Fragoza, Los Ángeles, California, EE.UU.
3 de junio de 2018 – 2 de septiembre de 2018

Imaginemos cosas chingonas: asombro y visión en Made in L.A. 2018

Piensa en la última vez que te asombró algo. Me refiero a estar asombrado genuinamente, visceralmente, de modo que te sientes fascinadx o abrumadx a pesar de ti mismx. Como el sonrojarse para unx correteadx, el asombro en una exhibición de arte para aquel regular aficionadx al mismo, es difícil de encontrar y casi imposible de fingir. Pero estos son días extraños. Los últimos dos años, de hecho, han estado cargados de momentos en los que me creía demasiado cansada para volver a experimentar: el miedo a pelear o huir de la policía, de ICE (anteriormente conocido como La Migra o INS), Seguridad Nacional (una invención post 9-11), incluso pesadillas históricas más abstractas como el fascismo y el apartheid—las cuales no habían figurado conscientemente en el panorama de horrores de mi vida personal. Al menos no en ese vocabulario.

Y, sin embargo, a los pocos minutos de llegar al Museo Hammer para la bienal Made in L.A., me volví a encontrar con el asombro y una de sus hermanas distópicas, la súbita intimidación. El sonido de una respiración pesada me congeló en mi paseo por el ala este del museo mientras me acercaba a una pequeña sala oscura de la galería. Los sonidos se enrollan como humo o un dedo que hace gestos atrayentes. No puedo decirte cuántas veces he entrado en una galería (o en cualquier habitación) donde los sonidos de la respiración pesada inevitablemente han resultado ser algún tipo de cosa sexual. O al menos lo suficientemente sexual como para tener que redirigir apresuradamente a los niños pequeños a otra parte. De hecho, me detuve antes de entrar a la sala porque sabía que no había manera de que no fuera a entrar, una línea de pensamiento que se ha traducido en todo tipo de escenarios en mi vida. En el interior de dicha galería encontré el video y las coreografías sonoras de la artista de danza taisha paggett titulado counts orchestrate, a meadow (or weekly practice with breath).

Los sonidos de la respiración de múltiples performers habían sido grabados, coordinados y acoplados con monitores que reproducían interpretaciones en video de movimientos táctiles de cuerpos raspando o rodando sobre tierra rocosa y dura. paggett, originalmente de Fresno, California, en el Valle Central, evita someter al público a esperados tropos sexuales del cuerpo (sí, incluso las impactantes imágenes del sexo no pueden convertirse en nada más que un tropo aburrido, incluso cuando intenta desafiar a otros tropos sexuales aburridos. En Hollywood y en sus alrededores suburbanos de L.A., el lugar de nacimiento del video porno como lo conocemos, el sexo aburre a medida que entusiasma). En cambio, paggett presenta un conjunto diferente de yuxtaposiciones. La artista presenta cuerpos perfectamente sanos de hombres y mujeres de color que realizan una serie de acciones aparentemente ilegibles en un paisaje no identificado. La experiencia multisensorial es a la vez audaz, tierna y atractivamente desconcertante. Ciertamente más sorprendente, incluso fascinante, que un par de tetas exageradas.

Señoras y señores, L.A. hoy no es lo que solía ser. Nunca lo fue. La bienal de Made in L.A. de este año refleja, afortunadamente, una ciudad complicada, conflictiva y polifacética compuesta por comunidades profundamente arraigadas que se extienden por generaciones, así como por migrantes de todo el país y el mundo. Está refrescantemente ausente de la larga inclinación hacia el este, hacia los mundos de arte de Nueva York o Europa, que tantas veces han plagado las bienales de arte en otros lugares. En cambio, Made in L.A. se inclina irreverentemente en sí misma como su propio centro gravitacional artístico. En los últimos años, más notablemente en 2014, Made in L.A. recibió críticas públicas —principalmente de personas de color en Los Ángeles— que denunciaron la flagrante falta de representación de la bienal. El año 2016 marcó un cambio notable: para variar, personas de color fueron incluidas, concretamente lxs prósperxs artistas Chicanxs/Latinx, como núcleo de la bienal en vez de una ocurrencia de último momento. Continuando y reforzando este enfoque de la bienal de 2016, la curadora principal Anne Ellegood, la curadora asistente Erin Christovale y la curadora asociada MacKenzie Stevens fueron las encargadas de esta edición de Made in L.A.

En el centro de esta extensa exposición se encuentra la recurrente aparición del cuerpo, especialmente de mujeres de color y personas queer. Los cuerpos considerados por mucho tiempo como «otros» o alternativos —cuerpos de color y cuerpos migrantes—, tienen y continúan dando forma al cuerpo de una ciudad que también es diferenciada por lo que respecta a al resto de las ciudades de EE.UU.. En Los Ángeles, las identidades a través de los cuerpos permanecen en una transición constante a través del espacio. Estas son transiciones de cuerpos comprometidos en sus propios viajes internos. Y ningún cuerpo permanece libre de impuestos por sus muchas navegaciones.

El asombro resonó cuando me encontré íntimamente con el cuerpo que había soportado pesadas cargas. La visión del artista EJ Hill parado inmóvil en el centro de la sala es una experiencia fascinante para muchos espectadores que se desplazaron incómodamente, a menudo no dispuestos a explorar la sala antes de retirarse embarazosamente. Fui cautivada por el contacto inesperado con el cuerpo del artista, así como la transformación completa de la galería de un cubo blanco en un campo de atletismo, que incluye un falso césped verde vibrante y una pista de atletismo. En el otro extremo del campo, el artista EJ Hill se encuentra sobre su escultura titulada Altar (for victors past, present, and future), un podio donde los atletas reciben sus medallas. Meditativamente, por períodos de turnos completos de trabajo, el artista se queda de pie con los ojos cerrados y perfectamente quieto, aparentemente sin descansos de baño, comida o agua. Es una prueba de resistencia que raya en el abuso. Y eso precisamente es parte del punto de Hill. Destaca las hazañas de resistencia física y psicológica que se demandan a los hombres negros, ya sea en deportes o trabajo manual duro, así como la serie de violencias cotidianas que experimentan, particularmente bajo la fuerza letal de la policía. Un paseo por la pista te llevará a una serie de fotografías tituladas Excellentia, Mollitia, Victoria, para la cual el artista corrió una serie de vueltas alrededor de varias escuelas de Los Ángeles, en un acto de «desaprender» conductas que a menudo se les enseña a las personas de color desde edad temprana en instituciones de aprendizaje.

Cuando llegué a los dibujos sobre papel de Carmen Argote, estaba preparada para la sorpresa. Me quedé sin aliento al ver por primera vez Documentation of Platform with Mobile Unit, un título que revela poco sobre sí mismo. En mi opinión, este encuentro con las rayas y las pausas de las manchas marrones inmediatamente significaba una cosa: sangre de período. ¡Finalmente, menstruación! Levantémonos en el útero, aplaudí. Por desgracia, las manchas de color marrón oscuro eran manchas de café impresas con café molido, filtros y un conjunto de cafeteras coordinadas de manera impresionante. Me gustaron las huellas, no obstante, porque me recordaron las primeras obras feministas de la década de 1970 que usaban sangre menstrual y otras secreciones vaginales, como el Blood Work Diary de Carolee Schneeman de 1972. De alguna manera, los estampados de café y las telas teñidas de Carmen pueden hablar íntimamente de la experiencia de la domesticidad de género como la menstruación lo hace, al mismo tiempo que abordan el paisaje industrializado de Los Ángeles, mismo que inevitablemente da forma y mueve los cuerpos. La vida en L.A. es una danza íntima de dos vías entre las personas que viven y trabajan allí, y las demandas laborales de sus economías de molienda.

El trabajo de Beatriz Cortez también habla de esto. Intensamente, de hecho. Su pieza Tzolk’in, instalada en el mezzanine del segundo piso directamente frente a la tienda del museo, imagina y/o reconoce cómo la vida prospera en medio de las diversas maquinarias que han convertido a L.A. en una de las economías más grandes del mundo. A pesar de que muchos de sus fabricantes industriales han abandonado la ciudad desde hace mucho tiempo, podemos encontrar uso en sus detritus descompuestos. Ciertamente, los inversionistas y gentrificadores han tenido el impulso capitalista y la falta de imaginación o compasión para aprovechar los «buenos huesos» de la ciudad. Pero el jardín cinético de Cortez tal vez rinde homenaje a la gente que de dichos huesos citadinos, así como de los físicamente suyos, construyó vidas tan duramente ganadas. Un conjunto de pequeños brotes tiernos de varias plantas nativas crecen tenuemente, temblando sobre la máquina escultórica que ella ha diseñado para muy fuerte traquetear periódicamente su canción metálica. Su chillido llena los pasillos y hace eco deliciosamente. Ésta sorprenderá la espuma del latte artesanal de cualquier persona o te sacará de tus profundos ensueños sobre el arte y la ciudad.

En cierto modo, la estrella de la exposición es Luchita Hurtado, en parte debido a sus llamativas pero meditativas pinturas del cuerpo femenino, pero también porque a los 97 años de edad, finalmente, está recibiendo una amplia atención por su trabajo. Su vida está inmersa en los círculos internos de artistas lucrativos como Wolfgang Paalen y Lee Mullican, sin embargo, sus pinturas rara vez recibieron atención, hasta ahora. La artista venezolana, criada en la ciudad de Nueva York, pinta imágenes de cuerpos femeninos desnudos y paisajes naturales, a menudo en contraste con textiles ricamente diseñados, evocando su origen latinoamericano, que reverberaba continuamente, burbujeando a pesar de los escalones superiores eurocéntricos del mundo del arte en el que vagaba.

Al pensar en el asombro, particularmente en cómo se puede experimentar visceralmente en el cuerpo, también incluiría la sensación de maravilla. La instalación al aire libre de Lauren Halsey, Crenshaw District Hieroglyphic, invita al público a ingresar en un prototipo de monumento público (que también es quizás un mausoleo) que rinde homenaje a la visión de la histórica comunidad negra del distrito de Crenshaw en el sur de Los Ángeles. Halsey ha esculpido una mezcla ordenada de iconografías que se inspiran en jeroglíficos egipcios antiguos, así como en marcas de hip hop como FUBU o graffiti callejero. Mi experiencia de asombro al contemplar las visiones (o las proposiciones) de Halsey de lo que podría ser, solo fue eclipsada por el sobrecogimiento de darme cuenta de quienes somos nosotrxs como personas de color y lo que hemos sido. El futuro está aquí, podemos vivirlo si elegimos entrar en nuestro potencial por completo (a pesar de los costos, por supuesto). Recordé la imaginación vigorosa de los activistas negros y chicanos durante el movimiento por los derechos civiles que trabajaron grandiosamente para imaginar y promulgar un futuro que no sólo era digno, sino glorioso. ¿Y por qué no? Rastrea la historia de cualquier comunidad de color y siempre encontrarás la grandeza. Sigue su rumbo hacia donde todas sus diásporas han aterrizado hoy y aún encontrarás la grandeza, incluso en las formas más cotidianas. Esto, por supuesto, no quiere decir que fuese perfecto. Pero el futuro era brillante, posible y alcanzable de maneras que a veces hoy se siente tan lamentablemente distante.

El asombro es raro, así los son también la maravilla y el sobrecogimiento. La intimidación, que opera en una longitud de onda inferior, es más penetrante tal vez, aunque puede pasarse por alto fácilmente. Para bien o para mal, se nos enseña a superar nuestros instintos que nos advierten sobre el lenguaje del terror. O a veces nuestros deseos son tan incomprendidos por otros como para ser mal formados, incluso temidos por nosotros mismos. Este año, la bienal Made in L.A. se sintió necesaria de maneras que no sabía que yo necesitaba personalmente y de una manera que creo podría ser útil para muchos de nosotros en tiempos dominados por la incertidumbre y los horrores. El asombro y todas sus variaciones espectrales parecen experiencias necesarias para movernos más allá de la parálisis del hastío y el cinismo hacia un futuro más radicalmente humano para todos los cuerpos.

Carribean Fragoza es escritora y artista originaria de South El Monte, California. Es fundadora y co-directora de South El Monte Art Posse (SEMAP), un colectivo de artes multidisciplinarias.

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