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27.01.2021

Renato Ranquine presents "Se Vende Arte" at SOMA Galeria, Brazil

Curitiba, Brazil
December 17, 2020 – February 2, 2021

Desde hace algunos años, el artista Renato Ranquine utiliza las estrategias de difusión de mercados populares para circular la frase “Compre arte”. Paneles Led hechos en China, camisetas con impresiones de baja calidad, stickers, banners y todo tipo de soporte para imágenes reproducibles, se utilizan en su repertorio y, más allá de la ironía y la crítica inicial, vale la pena pensar en cuáles son las consecuencias o relaciones más profundas de estas asociaciones. También vale la pena señalar cómo el rigor en la construcción de las piezas es uno de los elementos que lleva la obra más allá de la mera palabra de juego, manteniéndolo en una situación ambigua entre la crítica y la fascinación —tanto por el mercado del arte como por estas formas.

En una entrevista con Ranquine, él mismo contó cómo emplea la producción de Jeff Koons en estos materiales, lo que parece sintomático para la discusión. En general, el artista estadounidense utiliza estrategias para reiterar el carácter fetichista de la obra de arte, o al menos su aspecto de mercado. Reproducciones de globos inflables de acero inoxidable, suntuosas vitrinas para la presentación de objetos triviales como pelotas de baloncesto o aspiradoras y la exacerbación de un gusto kitsch —especialmente en esculturas en las que agiganta bibelots de figuras como caniches o cerditos de porcelana— son algunas de sus operaciones y formas de actuar. Para el crítico Hal Foster, hay un cinismo en esta reificación. Pero al mirar las obras, es posible percibir al mismo tiempo los aspectos regresivos —la infantilización, sexismo, estereotipos, etcétera— y lo seductor de esta experiencia: superficies brillantes, escalas monumentales. Elementos que señalan contradicciones y comportamientos arraigados en su contexto social, como el carácter ostentoso y extravagante de parte de la cultura estadounidense.

A su vez, Ranquine parte del vocabulario de los mercados populares para hablar sobre el mercado del arte. La diferencia en el contexto social, generacional y económico también podría plantearse como una de las formas de entender los puntos de contacto y las divergencias de ambas obras. Si hay algo precario en la producción de Ranquine, no parece haber autocomplacencia o alabanza de la precariedad, sino una reproducción de la atmósfera de lugares como el Saara en Río de Janeiro o la 25 de Marzo en São Paulo, como elementos del lenguaje. Productos hechos con bajo presupuesto, imágenes de alta circulación, colores llamativos y un cierto exceso son interiorizados en el proyecto de Ranquine en contrapunto a la idea de los espacios asépticos del arte.

Pero el enfoque del lenguaje visual del mercado popular al mercado del arte parece decir algo más estructural más allá de la provocación inicial: ambos son mercados. Con sus diferentes escalas, valores, códigos, mercancías o estrategias de venta, buscan los mismos objetivos —la venta— y sabemos que el mercado del arte tiene en la mistificación de sus productos una de sus estrategias centrales. En el proyecto de Ranquine hay una disolución de estas jerarquías y vale la pena pensar en las razones por las que el mercado del arte se convierte en un tema en sí mismo, no sólo en su producción.

Otras iniciativas de artistas, galerías de arte o investigadores también cuestionan la estructura misma del mercado del arte, tanto en sus aspectos problemáticos como en aquellos fascinantes. Jerry Gogosian, DamienHirst, Marcel Broodthaers, Andrea Fraser, Marcos Chaves, Carmela Gross, Jac Leirner, Hans Abbing, Álvaro Seixas, David Shrigley, Pobra_Ok, Rubens Mano, entre muchos otros, cada uno a su manera ya han señalado cuestiones del mercado del arte en su investigación y producciones, con la ambigüedad de reconocer los problemas de una estructura en la que participan, o en otros casos, señalar los límites de una situación en la que en esencia, el sujeto quiere participar.

Por supuesto, en el siglo XIX, las galerías francesas que luego comenzaron a vender arte libremente también fueron un tema en la producción de sátiras y pinturas de este período. El fenómeno de las ferias incesantes y la participación casi obligatoria de un artista en el equipo de una galería, sin embargo, parece más reciente; desde la década de 1990 hasta nuestros días. En consonancia con una serie de políticas neoliberales, trabajo precario y desmantelamiento de la esfera pública en detrimento de los intereses privados, es fácil ver cómo en el campo del arte los intereses y los agentes privados ganan centralidad en la programación de espacios públicos, así como en los flujos de recursos, directa o indirectamente.

En este sentido, la posición de Soma Galeria en la recepción de un proyecto tan autocrítico, poco después de la reapertura de su nueva sede principal, es encomiable. La banalidad de la frase “compre arte” a veces suena desesperada —el artista o galerista suplicando por una venta— a veces irónica —comprar arte o comprar lápiz labial o cualquier otra cosa, apuntan a la intercambiabilidad de las mercancías. El problema se aborda en el propio lenguaje y, por lo tanto, su relevancia. Al hablar de la dimensión de la mercancía de la obra de arte, o mejor dicho, señalando cómo el mercado del arte es una dimensión fundamental del funcionamiento de este sistema, Renato Ranquine va en contra de la supuesta transparencia y fluidez de las relaciones entre artistas, galeristas y coleccionistas, y presenta este mecanismo en su opacidad.

—Texto por Leandro Muniz

https://www.instagram.com/compre.arte/

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