Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

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Contributors Issue 11

Lorena Peña Brito (Mexico City, 1978) has studied Visual Arts (UdeG); Critic of Art, Curatorial Management, and has a Master’s in Critical Theory for the 17 Institute of Critical Studies. She was a member of Colectivo de Acción y Creación Artística (C.A.C.A.) and co-founder of the alternative project of contemporary art Clemente Jacqs Laboratorio. She coordinated the curatorial area at the Cabañas Cultural Institute, as well as several projects from the Planning Department of the General Directorate of Culture of Guadalajara. She was a member of the nonprofit organization Aires de Occidente (AC) that aimed to discuss contemporary art and creative processes. She has written texts for various exhibitions in Guadalajara and her work has been published in different magazines nationwide. She has been a counselor for MURA, LAJM, and Mural, Reforma; and was a jury of PECDA Jalisco, of where she has also been a tutor in the disciplines of Visual Arts and Interdiscipline. She worked as an independent professional for various projects, among others: Diagonal Escuela Libre (member of the organizing committee) and has recently carried out curatorial projects for the City Museum, the International Book Fair, and the Ministry of Culture, Jalisco. She has obtained the PECDA, Jalisco, PAC and Bancomer Foundation grants for PAOS GDL, and FONCA Special Projects and Spanish Cultural Action for the project Abierto-Abierto. She is currently the director of PAOS GDL: José Clemente Orozco Workshop Museum. She lives and works in Guadalajara.

Daniel Garza Usabiaga holds a Ph.D. in Art History and Theory from the University of Essex (UK) and a Postdoctoral position at the Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM (México City). He was curator of the Museum of Modern Art and Chief Curator of the Museo Universitario del Chopo in Mexico City. He is the author of Mathias Goeritz and Emotional Architecture. A Critical Review 1952- 1968 (Vanilla Planifolia, 2012). Currently he is an independent curator and academic.

Willy Kautz (São Paulo, 1975) is a curator of contemporary art. He is currently artistic director of the XIII FEMSA Biennial, Nunca fuimos contemporáneos. He was the artistic director of the Curatorial Program of the XII Biennial FEMSA, Poéticas del decrecimiento; and senior curator of Museo Tamayo Arte Contemporáneo (2012-2013), period in which he made the exhibitions: Hay más rutas que la nuestra, Matt Mullican; That World/Ese mundo, and Erick Beltrán. Atlas Eidolon. He was Head of Visual Arts at La Casa del Lago Juan José Arreola (2010-2011); Curator of Casa Vecina (2010); and Associate Curator of the Museo Tamayo Arte Contemporáneo (2001-2005). His main exhibitions include: Cuasi-corpus. Arte concreto y neoconcreto de Brasil (2002); Gordon Matta-Clark: proyectos Anarquitectónicos (2003); Mira Schendel. Continuum amorfo (2004), at Museo Tamayo Arte Contemporáneo; Yo uso perfume para ocupar más espacio, at Carrillo Gil Art Museum (2009); Pobre Artista Rico. El valor estético en transacción, at Casa del Lago Juan José Arreola (2012); Tropicalia Negra, at Museo Experimental El Eco (2013); José Luis Sánchez Rull, Cementerio Radioactivo. ¡Los humanos matan, la carne habla!, at Museo Universitario del Chopo (2014); Gabriel de la Mora. Lo que no vemos lo que nos mira, at Amparo Museum (2014-2015); Post neo mexicanismos, ESPAC, México City, Capilla de las Artes, Puebla, Arts Center, Monterrey and San Agustín, Zacatecas (2016 – 2017); Formasobrefondo, at Proyectos Monclova (2017). He lives and works in Mexico City.

Víctor Palacios Armendáriz (Mexico City, 1973) Studied History of Art at the Universidad Iberoamericana. Since 2012, he has been the Head of Visual Arts of Casa del Lago Juan José Arreola of UNAM. At UNAM he has participated in collaborative exhibitions such as: Los comedores de loto, Diógenes y los perros, Un ensayo sobre el ocio, Preludios de una reubicación I, Una rosa tiene forma de una rosa and Oficios e instintos. He participated in the Curatorial Program at De Appel Arts Center, Amsterdam, The Netherlands. He has worked as a curator at the Tamayo Museum of Contemporary Art and in Sala de Arte Público Siqueiros. He was the Chief Curator of the Carrillo Gil Art Museum and curator of the Museum of Modern Art in Mexico City. He has been a subject teacher at the National School of Painting, Sculpture and Engraving “La Esmeralda,” and has been a contributor to magazines such as Cain, Art Nexus, GasTV, Code, among others.

Ana Paula Lopes graduated from the BFA program Art: History, Criticism and Curatorship at the Pontifical Catholic University of São Paulo, PUC-SP. A researcher of the curatorship of the Latin American sphere, she has carried out researches as Jovem Arte Contemporânea exhibition of 1972 at the Museum of Contemporary Art of the University of São Paulo, MAC-USP; 1,000 m² in 84 Lots: an experimental curatoria, research focused on the professor and curator Cauê Alves. She worked as a pedagogue at the São Paulo Art Biennial, A Iminência das Poéticas, Sesc and at the exhibition Made by … Feito. She has worked in galleries such as White Cube São Paulo, Mendes Wood DM and currently in Jaqueline Martins Gallery.

Natalia Valencia (Bogotá, 1984) is an independent curator based in Mexico City. She has collaborated with institutions such as Museo de Arte Moderno (MAMM) in Medellín, L’appartement 22 in Rabat, CAPC Museum in Bordeaux, Palais de Tokyo in Paris, Proyectos Ultravioleta in Guatemala, AIT in Tokyo, among others. She is a former editor of Terremoto Magazine in Mexico, and she worked as fellow researcher of Latin American art at Centre Pompidou in Paris in 2013.

Carolina Ponce de León is an art researcher, a cultural organizer, and an independent curator. She lives and works in Bogotá.

Diego del Valle Ríos (Mexico City, 1990) is a cultural organizer and independent writer. In Guadalajara, he has worked at Arena México Arte Contemporáneo, Taller Mexicano de Gobelinos, Páramo, and the Diéresis Collection, as well as with Spinello Projects in Miami. From 2013 to 2015 he was co-director of Trama Centro (Guadalajara). He currently serves as editor of Terremoto.

Dorothée Dupuis (Paris, 1980) is a French curator, writer, and editor who has been based in Mexico City since 2012. She is the founder and director of Terremoto Magazine. A dedicated feminist, Dupuis’s curatorial practice and writings seek to expose, question, and challenge power structures in the field of art. In Mexico, she has curated exhibitions and projects at Lodos (Mexico City), Parallel Oaxaca (Oaxaca), IFAL Casa de Francia (Mexico City), PAOS (Guadalajara), and SQUASH editions (Mexico City). She is Associate Curator for the Visual Arts of Lille 3000 Festival in France to be held in 2019. She is a regular contributor to Frieze (UK), Flash Art (IT), and Crash (FR). In Mexico her writing has appeared in Terremoto, Harper’s Bazaar, I-D, Vice, and ANIMAL.

Carla Stellweg is a Latin-Americanist who has worked as a museum and non-profit director, writer and editor, curator, and professor. Ms. Stellweg is considered a pioneer promoter and facilitator in the Latin American international contemporary art field. Founder and editor of the first bilingual quarterly avant-garde contemporary art journal in Mexico, Artes Visuales. In 1979, she was awarded a Critic-in-Residence from the National Endowment for the Arts at the Los Angeles Institute of Art (LAICA)—a forerunner of today’s MOCA Los Angeles where she edited the first ever English-Spanish Latin American & Latino Art in the LAICA’S Journal. She has also been awarded a Rockefeller Fellowship in the Humanities at the University of Texas, Austin and the Rockefeller Fellowship in the Humanities, at the University of Texas, Austin. In 1998, she became the Executive Director and Curator of Blue Star Contemporary Art in San Antonio, TX. Recently she was a consultant and author of an essay for the catalogue “Radical Women: Latin American Artists 1960-1985.” In 2010, Stanford University Library – Special Collections purchased Ms. Stellweg’s 40-year archive based on her experience playing a pioneering role in promoting Latino and Latin American artists. Every 5 years the archive is updated with further activities. Her archive of ephemera, artist’s books, mail art, and rare portfolios was purchased by MoMA’s Latin American archive and library in 2015. She has been a professor in the Department of Visual Critical Studies and Art History at the School of Visual Arts, New York since 2005 where she teaches “What is Latin American & Latino Art?” and also acts as an occasional visiting professor for programs such as SOMA, Mexico City, the Postgraduate Studies of UNAM (National Autonomous University, Mexico City – Instituto de Investigaciones Estéticas & Facultad de Filosofía y Letras) and Tecnológico de Monterrey, Mexico. Ms. Stellweg frequently participates in symposiums surrounding Latin American and Latino art topics both in the US and Latin America.

Maya Juracán is an independent historian and curator. She has an interest in dialogues with socially engaged art. She incorporates knowledge of history and pedagogy within curatorial practices. Her works include: Marilyn Boror, Nos/Otros, Centro Cultural Municipal; Ullf Anner, Y desde siempre fuimos hacia la vida, archive photography based project with Swedish Embassy and the Memory Museum; Para que no vuelva a pasar, documental photography project of Sepur Zarco’s women; Anna Maria Angelucci, Proyecto O, Italian Institute and Fundación Paiz. She also works as a Pedagogue in social action and artivism projects, with the Youth Action Program. She has written art criticism in the newspaper La Hora, Guatemala. She studied Lecturer in Language Literature and Bachelor’s Degree in History and Social Sciences, as well as cultural management at the Francisco Marroquin University and the New York Foundation of Art. She took the Art & Activity: Interactive Strategies for Engaging with Art course at the Museum of Modern Art in New York (MOMA). She has been invited to various meetings, forums and discussions on contemporary art, curatorial practices and creative processes of various artists in Spain and Guatemala. She also worked as a director and coordinator in art foundations such as Fundación Yaxs and Fundación Paiz. In 2018 she is invited to the artistic residence “La Ira de Dios” in Buenos Aires, Argentina.

James McAnally is co-founder and curator of The Luminary, a forum for artistic research and experimentation based in St. Louis, Missouri. McAnally is also the co-founder and editor of Temporary Art Review, an international platform for contemporary art criticism that focuses on artist-run and alternative spaces. In his art practice, he works as a part of the collaborative US English and is a recent recipient of the Creative Capital | Warhol Foundation Arts Writers Grant for Short-Form Writing.

Stephanie Elyse Sherman is a director, producer, designer, curator, writer, and strategist specializing in collaborative systems. Working across design, art, and culture, her projects take shape as organizations, stories, and strategies that transform sites and scenarios of consumption into platforms for co-production. She is a co-founder of Elsewhere, a living museum and residency made from a former thrift store; Common Field, a national network of artist organizations; and currently a co-producer at radioee.net, a nomadic, multilingual online radio station. She is also a Phd Candidate in Art + Design at the University of California San Diego, where she writes about the intersection of social and speculative design. Stephanie holds a MA in Philosophy from Duke and a BA in Literature from University of Pennsylvania. Her projects have been supported by The Andy Warhol Foundation for the Visual Arts, the National Endowment for the Arts, the Open Society Foundation, and many others. She was born in New Orleans, travels incessantly, and currently calls London home.

Nicole Smythe-Johnson is a writer and independent curator based in Kingston, Jamaica. She has written for ARC magazine, Miami Rail, Flash Art, Jamaica Journal, and several other local and international publications. Most recently, she was Assistant Curator on Neither Day Nor Night (2017), an exhibition of the work of Jamaican painter John Dunkley at the Perez Art Museum in Miami. She is currently Editor of Caribbean Quarterly, the University of the West Indies’ flagship journal.

Juliana Dos Santos has a BFA in Visual Arts and a MFA in Art & Education from the São Paulo State Institute of Arts (UNESP). She has been developing research on Afro-Brazilian art and culture together with the valorization of Black artists and Afro-Diasporic aesthetics. She has worked as an art educator in the Afro Brazil Museum where she developed educational activities. She has had experience with some of the research groups in traditional and popular manifestations of African matrices of Afro-Brazilian dance and musicality. Dos Santos has participated in exhibitions and national and international residencies with videos-performances, performances, photography, installation, and urban intervention among other formal languages. The poetics of her works range from reflections of gender, race, and class to investigations of more formal visual arts and relational elements such as mediation and interventions in public space.

Adriano Pedrosa is an independent curator, writer, and editor. Currently, he is curator at the Museu de Arte de São Paulo. He was adjunct curator and editor of publications of the 24th Bienal de São Paulo (1998), curator in charge of exhibitions and collections at Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte (2000-03), co-curator and co-editor of the publications of the 27th Bienal de São Paulo (2006), curator of InSite_05 (San Diego Museum of Art, Centro Cultural Tijuana, 2005), artistic director of the 2nd Trienal de San Juan (2009), curator of 31st Panorama da Arte Brasileira—Mamõyaguara opá mamõ pupé (Museu de Arte Moderna, São Paulo, 2009), co-curator of the 12th Istanbul Biennial, and curator of the São Paulo pavilion at the 9th Shanghai Biennale (2012). Other exhibitions include F[r]icciones (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, 1999); Desenhos: A-Z (Museu da Cidade, Lisboa, 2008); The Traveling Show and El Gabinete Blanco (Colección Fundación Jumex, Mexico, D.F., 2010); Conversations in Amman (Darat Al Funun, The Khalid Shoman Foundation, 2013); artevida (Casa França Brasil, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Escola de Artes Visuais e Cavalariças do Parque Lage, Biblioteca Parque Estadual, Rio de Janeiro, 2014); and Histórias Mestiças (Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, 2014).

Nicolás Cuello (1989) is Professor of History of Arts at the National University of La Plata. There he studied the Masters in Aesthetics and Theory of the Arts. He is secretary of the Free Chair of Sexual Policies in the same institution. He works as a JTP at the National University of the Arts. He is a member of the research project “Critical Genealogies of Sexual Disobedience from the South” directed by Fernando Davis in the LABIAL (FBA-UNLP). He currently works as a Doctoral Scholar of CONICET under the direction of Ana Longoni and is pursuing a PhD in Social Sciences at the National University of Buenos Aires with the project “Critical Visuals: Artistic Activism and Sexual Politics in Argentina (1997-2012),” filed in the Research Institute “Gino Germani” (UBA). He is a member of the CeDInCI / UNSAM Program of Feminist and Gender Politic Memories.

 


 

Contributors Issue 10

Pilar Tompkins Rivas is the director of Vincent Price Art Museum (VPAM) at East Los Angeles College. Previously, she was coordinator of curatorial initiatives at the Los Angeles County Museum of Art (LACMA) and director of residency programs at 18th Street Arts Center. Specializing in US Latino and Latin American contemporary art, she has been an arts professional since 2002 and has organized dozens of exhibitions throughout the United States, Colombia, Egypt, France, and Mexico. She co-curated Home – So Different, So Appealing and A Universal History of Infamy at LACMA; L.A. Xicano at LACMA, the Fowler Museum, and the Autry National Center; and Vexing: Female Voices from East L.A. Punk at the Claremont Museum of Art, and curated Tastemakers & Earthshakers: Notes from Los Angeles Youth Culture, 1943-2016 and A Decolonial Atlas: Strategies in Contemporary Art of the Americas at VPAM, as well as Civic Virtue: The Impact of the Los Angeles Municipal Art Gallery and the Watts Towers Arts Center for the City of Los Angeles.

Iván Argote (born in 1983) is a Colombian artist who lives and works in Paris. Argote deals with the way that man relates to with the myriad changes that take place daily in the historical, economic, political, and moral realms. His aim is to question the role of subjectivity in the revision of these concepts. Argote involves the body and emotions in the construction of his thinking, and develops methods to generate reflection about the way we construct certainty in relation to politics and history. By creating interventions and performances for the public space, which are sometimes further developed in the format of films and installations, the artist explores the city as a space of transformation.

Sandra de la Loza. Her work examines underlying power dynamics embedded in social space, often drawing upon extensive archival research and mobilizing community-based networks. She is the founder of the Pocho Research Society (PRS) (2002), a project that explores the elasticity of the artifact and the mythmaking aspects of “History” through conceptual, performative, social, and aesthetic strategies that result in multi-media installations, video, photographic work, social engagement, publications, and public interventions. Efforts to co-generate autonomous spaces for artistic production, community action, and critical dialogue have resulted in collectively run community centers, pedagogical spaces, and multi-disciplinary events such as the October Surprise (2004), Arts in Action (2000-2004), Decolonize LA (2016), and at Land’s Edge (2016-2017). Currently, De la Loza collaborates with a the North East Alliance to employ creative strategies to mobilize residents and shift the debate around gentrification.

Rafa Esparza was born, raised, and is currently living in Los Angeles. Esparza is a multidisciplinary artist. His work ranges in medium from installation and sculpture to drawing and painting; and most predominantly live performance. Woven into Esparza’s bodies of work are his interests in history, personal narratives, and kinship. He is inspired by his own relationship to colonization and the disrupted genealogies that result from it. Esparza has performed in a variety of spaces ranging from community engaged places such as AIDS Project Los Angeles to galleries including Los Angeles Contemporary Exhibitions, Highways Performance Space, REDCAT, Human Resources, SOMArts, and, most recently, public sites throughout the city of LA.

Sam Durant (b. 1961, Seattle) is a multimedia artist whose works engage a variety of social, political, and cultural issues. Often referencing American history, his work explores the varying relationships between culture and politics, engaging subjects as diverse as the civil rights movement, Southern rock music, and Modernism. His work has been widely exhibited internationally and in the United States. He has had solo museum exhibitions at the Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Dusseldorf; S.M.A.K., Ghent, Belgium; and the Govett-Brewster Art Gallery in New Zealand. His work has been included in the Panamá, Sydney, Venice and Whitney Biennales. Durant shows with several galleries including Blum and Poe in Los Angeles, Paula Cooper Gallery in New York; Praz-Delavallade in Paris, and Sadie Coles Gallery in London. Durant teaches art at the California Institute of the Arts in Valencia, California.

Nadinne Canto Novoa (Chile) Researcher and university teacher. She has a degree in Theory and History of Art and a PhD in Aesthetics from the University of Chile. She has published articles on contemporary art, politics, and culture, and has worked as a curator. As an artist, she has participated in exhibitions at the Museum of Contemporary Art and the Biennial of Medial Arts in Santiago, the ArteBA art fair, Fundación Proa in Buenos Aires, and the Biennial of Documentary Photography in Tucumán. She currently manages the project of data visualization Cartografía de la Movilización Estudiantil, funded by the National Council of Culture and the Arts.

Carribean Fragoza is a writer and artist from South El Monte, California. She has published fiction and poetry in publications such as Palabra Literary Magazine, Emohippus, BOMB Magazine, and Huizache Magazine. Her arts/culture reviews and essays have been published in online national and international magazines such as Letras Libres, Culture Strike, Los Angeles Review of Books, and Tropics of Meta. She is a graduate of UCLA and CalArts’ MFA Writing Program. She is founder and co-director of the South El Monte Art Posse (SEMAP), a multi-disciplinary arts collective. SEMAP currently runs a column on KCET Departures about the San Gabriel Valley, called “East of East.”

Raquel Gutiérrez is a film actor, curator, publisher (Econo Textual Objects, established 2014), playwright, arts administrator, and community organizer. She writes about art, culture, music, film, performance, and community building and creates original solo and ensemble performance compositions. She performed her poetry, prose, and essay works locally, nationally, and internationally as a solo artist. Gutiérrez earned her MA in Performance Studies from New York University in 2004. She has written catalog essays for visual artists Hector Silva, Shizu Saldamando, Wu Tsang, and Rafa Esparza.

Laura Aguilar (b. 1959) is a US American photographer born and raised in the San Gabriel Valley. She studied photography at East Los Angeles College and has shown her work for more than 30 years. Between 1993 and 2005, she was included in more than 50 exhibitions, showing in La Biennale di Venezia, Aperto 93, the Smithsonian Institution’s International Gallery in Washington D.C., and the International Center of Photography in New York City.

Guadalupe Rosales is an artist and archivist based in Los Angeles. Rosales is the founder of Veteranas and Rucas and Map Pointz, both digital archives found on Instagram. She has lectured at various institutions such as UCLA, The New Museum, The New York University, and The Graduate Center in New York. Last year, Rosales took over The New Yorker’s social media for a week and was one of the top-rated takeovers of the year. She has an ongoing project developing an archive of photographs, objects, and ephemera related to the 90s Los Angeles Latinx party crew scene. By preserving artifacts and memorabilia, Rosales’s work deconstructs and reframes marginalized histories, offering platforms of conversation and agency of self-representation. Rosales is currently an artist-in-residence on LACMA’s instagram.

Matt Stromberg is a freelance arts writer based in Los Angeles. In addition to Terremoto, he has contributed to Contemporary Art Review Los Angeles, The Guardian, LA Weekly, KCET Artbound, Hyperallergic, Artsy, Frieze, and Daily Serving, and has written several catalogue essays as well as artist profiles for the book LA Artland (2005).

Daniel Joseph Martinez. Throughout four decades of carreer, Daniel Joseph Martinez has engaged in an interrogation of social, political, and cultural mores through artworks. Martinez represented the US in 11 biennials worldwide, including the Venice Biennial, Istanbul Biennial, Berlin Biennial, Mexico City Biennial, Lyon Biennial, France, two Whitney Biennials, and the Cairo Biennial, in addition to two international projects of US Department of State. Martinez has received three National Endowment for the Arts Individual Artists Fellowships, a fellowship from the Getty Center, an Alpert Award in the Arts, and a Pollock-Krasner Foundation Grant. Most recently, Martinez was a recipient of the 2017 Achievement Award for The Cisneros Fontanals Art Foundation’s 15th Annual Grants & Commissions Program and the prestigious honor of receiving American Academy Fellowship in Berlin, Germany (Berlin Prize) in 2016. Committed to grass-roots organizations, Martinez was a co-founder of Deep River and LA><Art, both in Los Angeles. Martinez is professor of theory, practice, and mediation of contemporary art in the Department of Art at the University of California, Irvine. He teaches in the Graduate Studies Program, New Genres Area, and Critical & Curatorial Studies. He lives and works in the Crenshaw District in South Los Angeles.

André Sztutman (b. São Paulo, 1986) is a musician and plastic artist. He has a degree in Visual Arts from the FAAP (Fundação Armando Álvares Penteado). He has studied with Osmar Pinheiro, Rubens Espírito Santo, Evandro Carlos Jardim, Laura Vinci, and Peter Pal Palbert, among others. He is currently studying for an Interdisciplinary Master in Theatre and Living Arts at the National University of Colombia. He has participated in group exhibitions such as Nova Arte Nova, Centro Cultural Banco do Brasil (2009); Premio Energias da Arte, Instituto Tomie Othake (2009); Conversas, Rearranjos e Fósseis, Projeto Coletor (2014). Notable among his solo projects is the exhibition Pinturas at Warm Gallery, São Paulo (2015), as well as artist residencies at ISA, Instituto Superior de Arte de Havana, Cuba (2016) and Projeto Quarto Andar, Coletiva Saara, Rio de Janeiro (2013). He lives and works in Bogota, Colombia.

Lucas Rehnman is a Brazilian artist-researcher born in São Paulo, Brazil. After completing a Masters course in Arts in the Public Spheres at École Cantonale d’Art du Valais (Sierre, Switzerland) in 2016, his research and practice evolved from drawing and conceptual art to reflection on decolonizing processes, democracy, writing, and oral transmission strategies. He is a member of Brazilian sound collective EPICAC Tropical Banda and works as an art advisor and independent professor as well.

Entre (entre.uy) is a space for discussion, research, formation, creation, action, dissemination, and encounters between worlds like art, technique, the academy, and militancy to put in common and friction its logics, harnessing each other.

Edgar Alejandro Hernández (b. Mexico City, 1977) is a journalist, researcher, curator, and art critic. He has a degree in Communication Sciences from UNAM and is a co-author of the books Sin límites. Arte contemporáneo en la Ciudad de México 2000-2010 (2013) and Déjà vu. Celda Contemporánea 2004/2007 (2014). He is editor and compiler of the book Abuso mutuo. Ensayos e intervenciones sobre arte postmexicano 1992-2013 (2017) by Cuauhtémoc Medina. Curator of the exhibitions Miasma (2017) by Yoshua Okón; and Museo Guggenheim Aguascalientes (2015-2016) by Rolando López. Co-curator of the exhibition Aquatania. Parte I (2016) by Cristóbal Gracia and co-produced the film El No-Me-Mires (2015) by Carlos Amorales. He has written about contemporary art in the newspapers El UniversalReforma, and Excelsior, for the German Press Agency (DPA), as well as in the magazines Código, Vice, Ramona (Argentina) and Forbes. He is currently editor of the cultural section of the newspaper Excelsior and director of the cultural promoter Cubo Blanco.

Rolando López (b. 1978, Aguascalientes) is an artist and holds an undergraduate degree in Graphic Design and an MA in Social Sciences and Humanities with an emphasis on Communication from the Autonomous University of Aguascalientes. He recently won the award given by the KADIST (Artist Circle Award/summer 2017) for young contemporary art pledges. He had artist residencies at the EESI École Européenne Supérieure de l’image/Angouleme, France and Artpace/San Antonio, Texas, United States (2017). From 2014 to date he has developed the project “Aguascalientes Guggenheim Museum,” in which he has played several roles as artist, historian, anthropologist, coordinator, curator, researcher, inventor, and museographer. This project has been exhibited in Mexico City (2015), in Queretaro (2016), and in San Antonio, USA. He has participated in several collective and individual exhibitions, as well as in events of sound art (Festival Aural 2016). He is a founding member of the Agencia A.C. organization that aims to investigate in-depth about the art system of his locality. He is a graduate of the first generation of the SOMA Educational Project (Mexico City, 2013). He has been a state scholar (2011-2013) and national scholar (2007-2012) for the development of culture and arts in the area of visual arts (alternative media).

Daniela Lieja Quintanar is a Los Angeles-based curator whose research interests include contemporary art and curatorial practices that explore the politics and social issues of everyday life. Presently, she serves as Project Coordinator and Contributing Curatorial Advisor for the forthcoming exhibition and publication Below the Underground: Renegade Art and Action in the 1990s Mexico at the Armory Center for the Arts in Pasadena, as part of PST LA/LA. She recently worked with artist Teresa Margolles, as project art coordinator for her contribution to the Public Art Biennial CURRENT: LA Water. In addition, she was a research assistant at the Getty Research Institute’s project Urban Transfer(s): Building the Latin American Metropolis from Independence to the Threshold of Modernism. Lieja holds a BA in Ciencias de la Cultura (Cultural Studies) from the Universidad del Claustro de Sor Juana, Mexico City, and a MA in Art and Curatorial Practices in the Public Sphere from USC.

Juan Capistrán (Guadalajara, Mexico) lives and works in Los Angeles, California. He attended Otis College of Art and Design for undergraduate work (BFA 1999) and the University of California at Irvine for graduate work (MFA 2002). His work has been exhibited nationally and internationally at The Bronx Museum, Bronx, NY; Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles; Museo Tamayo, Mexico City; Chisenhale Gallery, London; The Hammer Museum, Los Angeles; and kurimanzutto, Mexico City. In 2016, Juan Capistrán and Hazel Mandujano opened Mandujano/Cell, a contemporary visual art project space that works with local, national and international artists on exhibitions and publishing.

Jimena Sarno is a multidisciplinary artist and organizer. She works across a range of media including installation, sound, video, text, and sculpture. Born in Buenos Aires, Argentina and currently living in Los Angeles, her experience as a South American immigrant informs her practice. She is the organizer of Analog Dissident, a monthly discussion gathering that encourages intersectional approaches and is aimed at radical/immigrant/ POC/ queer artists and thinkers to engage critically outside of traditional art institutions, school, gallery openings,  and most importantly, outside of social media . Her work has been exhibited at LACE, The Mistake Room, Human Resources, PØST, UCI Contemporary Art Center, Control Room, The Luminary, Fellows of Contemporary Art, and Grand Central Art Center, among others. She is the recipient of the 2015 California Community Foundation Fellowship for Visual Artists.

Nao Bustamante is an internationally known artist, residing in Los Angeles, California. Bustamante’s precarious work encompasses performance art, video installation, filmmaking, sculpture, and writing. She has exhibited at the Institute of Contemporary Arts in London, the New York Museum of Modern Art, The San Francisco Museum of Modern Art, Sundance International Film Festival/New Frontier, Outfest International Film Festival, El Museo del Barrio Museum of Contemporary Art, First International Performance Biennial, Deformes in Santiago, Chile and the Kiasma Museum of Helsinki. Bustamante is an alumna of the San Francisco Art Institute, New Genres program and the Skowhegen School of Painting and Sculpture. Currently, she holds the position of Professor of Art at the USC Roski School of Art and Design. There, she also serves at the Vice-Dean of Art and the MFA Director.

Virginia Lázaro Villa is a Fine Arts graduate from the Complutense University of Madrid, Spain, where she obtained the Fellowship of Collaboration with the Department of Aesthetics and Art History. After completing her bachelor’s degree in Visual History, she studied at the Reina Sofía Museum of Contemporary Art, specializing in art criticism. Among other professional dedications, she has worked as a playwright, art critic, and editor. Since 2015, she has been the co-director of the platform and contemporary art magazine nosotros, where she has participated since 2012. Through her theoretical research and work as an artist, she reflects and investigates contemporary iconoclastic behaviors, new resistances, and the possibilities of the political on the Internet as a new alternative space of presentation/ representation.

Fritzia Irízar-Rojo (b. Culiacán, Sinaloa, 1977) studied painting at the School of Arts and Crafts of the Autonomous University of Sinaloa. She has a degree in Visual Arts from the National School of Painting, Sculpture and Printmaking “La Esmeralda” in Mexico City and a Specialization in sculpture at the Kalamazoo Institute of Arts in Michigan, USA. She has received the grant for Jóvenes Creadores of the state of Sinaloa three times, as well as the Jóvenes Creadores grant from the National Fund for Culture and the Arts (FONCA) of Mexico in three of its broadcasts, the grant of the BANCOMER-MACG Arte Actual 2011 program, the residence grant from the French Institute at the Centre International des Recollets in 2016, and the Residency fellowship at the Headlands Center for the Arts in San Francisco in 2016. Likewise, she was chosen by the commission of the CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation of the United States of America in its program of prizes and commissions in 2011, as well as by the program of residences AIR-KREMS in Austria in 2013. Among the distinctions she has received include: the International Prize “Unión Latina a la Creación Joven”, the prize “Antonio Lopéz Saenz”, the State Prize of Photography of Salón de la Plástica Sinaloense, the acquisition from the Northwest Biennial Prize, and the BMW Journey Award nomination in 2015. Recently her work was part of the MERCOSUR Biennial in Brazil and she has exhibited in Germany, France, Spain, United States, Belgium, Colombia, and England, among others.

Mario de Vega (b. Mexico City, 1979) Exploring the threshold of human perception and the physicality of listening, Mario de Vega’s work digs into the materiality of sound, the vulnerability of systems, materials, and individuals, and the aesthetic potential of unstable arrangements. He has been guest artist and lecturer at Universität der Künste Berlin, Internationales Musikinstitut Darmstadt, Technische Universität Berlin, École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris, Centro de Diseño, Cine y Televisión, KW Institute of Contemporary Art, Laboratorio Arte Alameda, Kyushu University, Tama Art University, Universität für angewandte Kunst Wien, and Harvestworks Digital Media Arts Center, among others. His work has been exhibited in Mexico, North America, Chile, South Africa, India, South Korea, China, Russia, Japan, and around Europe. He lives and works in Berlin and Mexico City.

Víctor Albarracín Llanos is a writer, curator, and visual artist. He has an MFA in Public Practices at Otis College of Art and Design, Los Angeles. Between 2005 and 2009, he was coordinator of the Curatorial Council of Fundación El Bodegón (arte contemporáneo – vida social). In 2014 he co-founded Selecto–Planta Baja, Los Angeles, California. He has published three essay books, articles and short texts, and writes frequently for publications in Colombia and Latin America. Since 1998, he has been a professor, project consultant, and juror of various university art faculties in Colombia. He won the National Critics Award at 2009 and the Fulbright Scholarship-Ministry of Culture 2012. He is currently artistic director of Lugar a Dudas in Cali, where he founded and directs Escuela Incierta.

Carmen Argote is a Los Angeles based-artist whose work focuses on the exploration of personal history through architecture and the spaces that she inhabits. Argote received her MFA from UCLA in 2007 and attended the Skowhegan School of Painting and Sculpture in 2009. Argote exhibited in the Vincent Price Museum in 2013 and at the 2017 California Pacific Triennial: Building As Ever at The Orange County Museum of Art. She is currently exhibiting work as part of Mi Tierra: Contemporary Artists Explore Place at the Denver Art Museum, and at Home–So Different, So Appealing at the Los Angeles County Museum of Art as part of the Getty Foundation’s Pacific Standard Time LA/LA. Argote’s work will be included in Proyectos LA with Instituto de Visión this September. Her next solo exhibition Pyramids, will be at Panel, LA this September.

Daniel Aguilar Ruvalcaba (b. 1988) is a contemporary artist that produces images, texts, objects, and other things. He is a member of Biquini Wax EPS where he installs exhibitions, puts and removes chairs, changes the toilet paper, closes and opens the door. He writes in several hands with the collective Arte y Trabajo BWEPS.

 


 

Contributors Issue 9 

Fernanda Brenner works as an independent curator and artistic director based in São Paulo. In 2012, Fernanda founded Pivô, a non-profit art space dedicated to investigating and exhibiting contemporary in São Paulo. Fernanda has been working as the artistic director of the space since it’s opening, in the past 5 years the space has enabled more than 50 projects, including exhibitions, lectures and artists residencies, hosting over 200 artists from 15 different countries. Her writings appeared in a number of publications and websites such as Frieze, Frieze Week, Artreview, Vdrome, the Exhibitionist, Artsy and Harpers Bazaar and she is part of the editorial board of The Exhibitionist journal.

Selection of recent exhibitions include: So Far So Good at the White Cube Gallery and Neither that launched Mendes Wood DM’s gallery new venue in Brussels. She is currently working as a curatorial correspondent for FRONT (Cleveland Triennial), curated by Jens Hoffman and Michele Grabner and opening in 2018.

Tiago Carneiro da Cunha was born in 1973 in São Paulo and currently lives in Rio de Janeiro. Awarded the Brazilian Government’s Apartes/Capes scholarship in 1998 for postgraduate studies in Visual Arts at Goldsmiths College, London, he was tutored by the Chapman Brothers, Pierre Bismuth and Liam Gillick, among other artists. Since then, he has had solo exhibitions at Galeria Fortes Vilaça (São Paulo), Kate Macgarry Gallery (London) and Misako&Rosen Gallery (Tokyo) and has taken part of group exhibitions in museums and galleries worldwide. Recent noteworthy exhibitions include 30th São Paulo Biennial (2012), Bienal Naïfs do Brasil 2016 (SESC, 2016), Prospect 2013 (Museum of Contemporary Art San Diego, EUA, 2013) and New Work: Tiago Carneiro da Cunha and Klara Kristalova (San Francisco Museum of Modern Art – SFMoma, 2010). He was a Guest Artist at the University of the Arts, Philadelphia, in 2009; and Guest Lecturer at the 2010 Capacete/São Paulo Bienal Talks. His work is featured in public and private collections such as the Coleção Gilberto Chateaubriand (Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro), Saatchi Collection (UK), and Thyssen-Bornemissa TB21 (Austria).

Hank Willis Thomas (New York) is a conceptual artist working with ideas of identity, history and race, appropriating language and images from the civil rights movement and changing their meaning to expose stereotypes. Willis Thomas has expanded his practice beyond making art to expose cultural divisions in our society. He earned two masters degrees from the California College of the Arts and a BA from New York University.

Modou Dieng (Portland, Ore.) was born in Saint-Louis, Senegal, near the capital city of Dakar, where he studied art as an undergrad. He’s lived in the United States for over a decade, working as an artist, curator and educator. His paintings deal with hybridity, and the symbolic and mythological power of pop culture icons using mixed media materials. He earned his MFA from the San Francisco Art Institute and he’s an associate professor at the Pacific NW College of Art.

Devon Van Houten Maldonado (Mexico City) is an independent journalist and critic focusing on writings about pluralism and multiplicity in contemporary culture. He has worked in recent years to create constructive dialogue and networks between Latin America and the United States. V.H. Maldonado has collaborated with many publications in Europe, the United States and Mexico. He earned his BFA from the Pacific NW College of Art.

Pedro de Niemeyer Cesarino is professor of anthropology at the University of São Paulo and author of Oniska – poética do xamanismo na Amazônia (Perspectiva, 2011), Rio acima (Companhia das Letras, 2016), among other books and articles.

Carolina Castro Jorquera (n. 1982, San Felipe, Chile) curator and researcher, lives and works in Chile. She holds a Ph.D. in the department of Art History at the Universidad Autónoma de Madrid. Her interests are framed by the relationship that art is able to establish with other disciplines, such as science and mysticism, as well as with the different dimensions of human consciousness and the role of this interplay in the construction of history and in defining the present. She has a degree in Art, has completed a Masters in Contemporary Art and Visual Culture in the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia in Spain (2010) and participated in the 4th International Curatorial Course of the Gwangju Biennale (GBICC) in South Korea (2012). She writes regularly in her blog, and collaborates with digital contemporary art magazines like Artishock, The Miami Rail, and LatinxSpaces. She also contributes to the website of the Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC). His curatorial projects involve extensive research and commissioning of site-specific works, currently preparing projects with artists François Bucher (Colombia), Deniz Gul (Turkey) and Maria Ignacia Edwards (Chile). She is a curator of PLANTA, the Latin American independent spaces section at the CH.ACO fair in Santiago, Chile, and is member of the curatorial team at the Calor Calor residence in Baja California Sur, Mexico.

Cecilia Vicuña (b. 1948, Santiago, Chile) is a poet, visual and performance artist, and filmmaker whose multi-disciplinary and multi-dimensional works bridge art and life, the ancestral and the avant-garde. The author of more than a dozen volumes of poetry, her most recent books include Spit Temple: Oral Performances of Cecilia Vicuña (Ugly Duckling Presse, 2012), Chanccani Quipu (Granary Books, 2012) and Sabor a Mí (Chain Links, 2011). She also co-edited The Oxford Book of Latin American Poetry and is the co-founder of oysi.org, a site for the oral cultures and poetries of the world. Widely exhibited internationally, her work is in the collections of Tate Gallery in London, Museo de Arte Contemporáneo de Chile in Santiago and the Museum of Modern Art in New York, among others. This year, in addition to the solo exhibition at the Contemporary Arts Center, Vicuña will also be a part of Documenta 14 in both Athens, Greece and Kassel, Germany. She is represented by England & Co. Gallery in London.

Gabriel Mejía Abad is a visual artist based in the city of Bogotá, Colombia. He is founder and curator of contemporary art spaces in the same city such as El Bodegón and Miami. A big part of his work is dedicated to writing; he currently is director and editor in chief of Editorial Salvaje.

Marilia Loureiro (São Paulo, 1988), graduated in International Relations in São Paulo, with part of her studies at Institut d’Études Politiques de Paris (Sciences-Po), also holds a Master degree at Programa de Estudios Independientes (PEI) at Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). She has worked on the 29ª Bienal de São Paulo, on the curatorial cores at Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP) and Museu de Arte de São Paulo (MASP). Loureiro also took part as resident and researcher on independent spaces as Ateliê397, Casa Tomada and Capacete. She was the guest curator at Lugar a dudas, in Cali, Colombia, between August 2015 and March 2016 and is the current curator at Casa do Povo in São Paulo.

Pedro Victor Brandão (Rio de Janeiro, 1985) is a visual artist. Since 2003 he has been developing works with photography, video, text and social experiments. He has a BA in Photography from the Estácio de Sá University (2009), also attending to liberal study courses at EAV Parque Lage (from 2005 to 2010, and in 2015), and at Capacete’s Summer School (2012). He presented solo shows at Casa França-Brasil (Rio de Janeiro, 2011), and at Sé (São Paulo, 2016). His works have been shown in many institutions, such as Museu de Arte Moderna (Rio de Janeiro), SESC Consolação (São Paulo), Portas Vilaseca Galeria (Rio de Janeiro) and Niklas Schechinger Fine Art (Hamburg). As artist-in-residence he was part of FAAP (São Paulo, 2017), Lastro Centroamérica (Panama City, 2015), Z/KU – Zentrum für Kunst und Urbanistik (Berlin, 2014), Terra UNA, (Liberdade, 2013) and Cité International e des Arts (Paris, 2012). He lives and works in São Paulo.

PDP (Public Display of Professionalism) is a transdisciplinary think tank founded by Domingo Castillo, Patricia M. Hernández and Natalia Zuluaga. The projects that PDP undertakes question the ways in which [Miami]’s image, financial capital, and information flows generate new “creative” business models, neighborhood redevelopments, and high-end retail centers, all of which exploit a particular mode of [relaxed tropicality].

Maria do Carmo M. P. de Pontes (b. 1984, São Paulo; lives in London) is an independent curator and writer who holds an MFA in Curating from Goldsmiths College (2011). Recent exhibitions and projects include Hallstatt (2016–17) at Galpão Fortes d’Aloia & Gabriel, São Paulo; curating the Solo Projects of ARCOMadrid 2016; Akakor at Baró Galeria, São Paulo (2015); and Alter-Heroes at the Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC–USP, 2014). In 2014 she founded Question Centre, a nomadic exhibition platform that draws on generational bonds among artists. She has collaborated with different books and magazines, and is a regular contributor of Conceptual Fine Arts.

Ilê Sartuzi (b.1995, Santos; lives in São Paulo) is an artist and researcher. He studies Visual Arts at the Universidade de São Paulo (USP), where he organizes a series of Contemporary Art Debates. Previously he worked at the Research Centre of the Centro Universitário Maria Antonia, which is affiliated to USP. Recent exhibitions and projects include the exhibition programme of the Museu de Arte de Ribeirão Preto (MARP) (2017, 2015), Ainda não (2017) at Galeria Vermelho, São Paulo; and Subsessões: Avenida Paulista at the Museu de Arte de São Paulo (MASP), the last two in collaboration with the study group Depois do Fim da Arte.

Ana Vaz (1986, Brasilia) is an artist and filmmaker whose films, installations and performances explore complex relationships between environments, territories and hybrid histories pushing the boundaries of our perception. Recent showings of her work include the New York Film Festival, Toronto International Film Festival, Courtisane, Cinéma du Réel, Moscow Biennial of Young Art, Videobrasil, the Dhaka Art Summit as well as specific focuses at the Flaherty Seminar (USA) and Doc’s Kingdom (Portugal).

Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Rio Grande do Sul; lives in São Paulo). Recent exhibitions include Avenida Paulista (MASP, São Paulo, 2017), 32nd Bienal de São Paulo (2016), Ancestral (CCSP, São Paulo, 2016), The Negative Hand (EAV Parque Lage, Rio de Janeiro, 2015), The Violet Crab (David Roberts Art Foundation, London, 2015), The Brancusi Effect (Kunsthalle, Vienna, 2014), Modern Fears (Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, 2014), 9th Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2013) and Love and Hate to Lygia Clark (Zacheta National Gallery of Art, Warsaw, 2013).

Cristiano Lenhardt (1975, Itaara) graduated in Fine Arts from the Federal University of Santa Maria (UFSM) in 2000. Among the participations in collective exhibitions are the 32nd São Paulo Biennial (São Paulo, 2016); Naifs Biennial (Piracicaba, 2016); Soft Power, Kunsthal KadE (Amersfoort, 2016); 19th Contemporary Art Festival Sesc_Videobrasil, Panoramas do Sul, VB Galpão (São Paulo, 2015); 5th CNI SESI Marcantônio Vilaça Award, MAC-USP (São Paulo, 2015); Crossroads: Contemporary Art in Brazil, Wexner Center for the Arts (Ohio, 2014); 7th Biennial of Visual Arts of Mercosur (Porto Alegre, 2009); and Constructing Views, New Museum (New York, 2010). In recent years, he has participated in some residence programs, such as Phosphorus (São Paulo, 2013), Gasworks (London, 2013) and Made in Mirrors Foundation (Guangzhou, China, 2011). Lives and works in Recife, Brazil.

Bárbara Wagner (1980, Brasilia) holds an MFA from the Dutch Art Institute (Netherlands, 2011). In 2015 she was awarded the ZUM/IMS Photography Grant with the Masters of Ceremonies 2015-2016 project. The German born, Irish artist Benjamin de Burca (1974, Munique) has a practice in the arts since 2000 where painting, photography and video are equally important in his work. Working in collaboration since 2011, their work has appeared prominently in major international exhibitions such as the 32nd São Paulo Biennial (2016, São Paulo, Brazil); 36th EVA International (2014, Limerick, Ireland) and the 4th Biennial of the Indian Ocean (2013, La Réunion, France). In 2017, they were nominated for the Short Film award at the 67th Berlin International Film Festival, in this same year they participated in the 5th Skulptur Projekte in Munich, Germany. They live and work in Recife, Brazil.

Paulina Ascencio (Guadalajara, 1988) is a curator and researcher with education in Philosophy and Social Sciences. She did a research residency at Kadist, San Francisco and in PAOS, Guadalajara. She has worked in exhibitions at Zapopan Art Museum (MAZ), Instituto Cultural Cabañas, MURA, as well as with projects in art galleries and independent spaces. In 2015 she was part of the program Independent Curators International, New Orleans. That same year, she started Archivo MMXV, a sociological research program on the Internet. She has collaborated with publications such as La Tempestad and Harper’s Bazaar ART.

Fabiola Torres-Alzaga (Mexico City, 1978). She studied at Escuela Activa de Fotografía (1999) and later at Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2004). She lives and works in Mexico City, and her work has been exhibited individually and collectively, among these exhibitions are El polvo que se levanta crea telones, Nora Sotres Galería (2017); Entre actos, Museo del Chopo (2014); House of Games, Steve Turner Contemporary (2013), Los Angeles, USA; Porta-infinitos en la Sala de Arte Público Siqueiros, MX (2004); among other venues such as Maison des Arts de Malakoff (France), Museo Marco de Monterrey, Polytechnic Museum of Moscow, Laboratorio Arte Alameda (MX), Museo de Arte Moderno (MX), Museo Experimental El Eco (MX), Center for Contemporary Art (Tel Aviv), among others. She’s been granted the “Jóvenes Creadores” award from Fonca in 2004 and 2012, and in 2011 did a residency in Argentina through the Culture Department.

Alberto García del Castillo writes genre fiction and nonfiction about communities and queer, performs his own and other people’s writings, and collaborates in multiple configurations. He has published his writing in Girls Like Us, co-edited Midpoint (Théophile’s Papers, 2016) and published two books with Shelter Press: Merman (2017) and Retrospective (2014). Alongside Marnie Slater, is co-curator of Buenos Tiempos, Int.

César Segarra photographs fashion and makes portraits of artists, musicians, rara avis and other creative people. His photographs have been published in ADi-D, Neo2 and Petunia. Segarra runs the online publication Hipsters from Spain.

Susana Vargas Cervantes is an author, curator and activist. She has recently published Mujercitos (Editorial RM, 2014), and co-curated Girum Imus Nocte et Consumimur Igni (Museo Jumex, Mexico City, 2015) and Stan Firm inna Inglan: Black Diaspora in London, 1960–70s (Tate Britain, London, 2016).

Veronica Stigger is a writer, art critic and college professor. She holds a PhD in Critic Theory of Art from the São Paulo University (USP) and she did postdoctoral studies at Università degli Studi di Roma “La Sapienza”, at the Contemporary Art Museum of USP (MAC USP) and at the Institute for Lenguage Studies of the UNICAMP. She is coordinator of the Literary Criticism course of the International Film Academy and professor of the Art History and Photography PHD at FAAP. She is the author of 12 fiction books, standing out Os anões (Cosac Naify, 2010), Delírio de Damasco (Cultura e Barbárie, 2012) e Opisanie świata (Cosac Naify, 2013), for which she received the awards Machado de Assis, São Paulo (debut author) and Açorianos (long narrative).

 


 

Contributors Issue 8

Morgan Fisher (Washington, D.C., 1942) is a filmmaker and visual artist. Fisher degreed at Harvard College in art history, then studied film production in Los Angeles. He started making independent films in 1968, and has had films shown at international festivals and museums, and worked as an editor in the film industry. Fisher has taught at California Institute of the Arts (CalArts) and UCLA. In the late ‘90s he started painting, and he started exhibiting photographs in 2011. Fisher has had shows at Portikus, Frankfurt; Museum Abteiberg, Mönchengladbach; Generali Foundation, Vienna; Raven Row, London, and the Aspen Art Museum, Colorado. He participated in the 1985, 2004, and 2014 Whitney Biennials. Fisher lives and works in Santa Monica, California.

Tenzing Barshee works as an independent writer and curator. He was born 1983 in Basel. In 2016, he curated a two person show with Anne Speier and Judy Fiskin at wellwellwell, Applied Arts University Vienna, Le Mérite. 2014-2016 at Treize in Paris, and co-curated Passo Dopo Passo with Molly Everett and Dorota Michalska for Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin, An Answer to ‘Sculptures’, a solo show by Margaret Honda, with Fanny Gonella at Künstlerhaus Bremen and Rochelle Feinstein: In Anticipation for Women’s History Month with Fabrice Stroun for Centre d’Art Contemporain Genève. He’s a columnist for Starship Magazine and a publisher of wandering magazine. He lives in Berlin.

Lucrecia Martel (Salta, 1966) is an Argentinean film director. She directed the feature films Zama (2017), La mujer sin cabeza (2007), La niña santa (2004), and La Ciénaga (2001). She has received the NHK Award from Sundance Film Festival, the Grand Prix of the Latin American Film Festival of Toulouse, the Award for best film and best director of Havana Film Festival, the Alfred Bauer Prize of the International Jury in 2001 in The Berlin International Film Festival and a Golden Bear nomination at the same festival. Her second feature, La niña santa, was nominated for the Palme d’Or at Cannes Film Festival.

Manuel Kalmanovitz González (Bogotá, 1973) has worked as a journalist, translator, university professor and editor. He is founder and director of Matera magazine (2009-present) and writes film reviews for Semana magazine. He also plays music with Las Malas Amistades, who have released several albums. He is the author of Bogotá con mar y otras cosas (Matera Books, 2009) and illustrator of Alto Rendimiento, by Carolina Sanín (Matera Books, 2016). He lives in Bogotá, where he is professor of Visual Arts at Javeriana University.

Naufus Ramírez-Figueroa (Guatemala, 1978) lives and works in Berlin. He has a BFA from Emily Carr University in Vancouver and an MFA in Fine Arts from The School of the Art Institute in Chicago. He has exhibited at Kunstmuseen Krefeld, Krefeld (2016), XXXII Biennial of São Paulo (2016), Gasworks, London (2015); 13th Lyon Biennale, Lyon (2015); 10th Gwangju Biennale, Gwangju (2014); Tate Modern, London (2014) and Castello di Rivoli, Torino (2013), among others. He has received the Guggenheim Fellowship, the Franklin Furnace Award, the Mies van der Rohe award, and an Akademie Schloss Solitude grant (selected by Dan Graham). He studied at Jan van Eyck Academy in Maastricht in 2013 and is currently in the DAAD Berlin program.

Kiki Mazzucchelli is an independent curator and writer working between London and São Paulo. Recent projects include the Solo Projects/ Latin America section at ARCO 2015 and That Which Cannot be Repaired – Tonico Lemos Auad’s solo exhibition at Pivô (São Paulo). She was a member of the curatorial team of Sitelines – Site Santa Fe Biennial 2016, New Mexico.

Ieva Misevičiūtė is a New York-based Slow Loris, working in both visual arts and theater. Her practice combines physical theatre, dance, stand-up, perverted academic language and sculptural work. She worked as a clown in the circus throughout her youth, holds a research MA in Cultural Analysis, an MA in Political Studies and a Tongue PhD. She has presented her work at Centre Pompidou, MoMa PS1, SculptureCenter, The Kitchen, and dOCUMENTA(13) (with Michael Portnoy), among other venues.

Jessica Mitrani is an artist working in performance and film. She recently wrote and directed TRAVELING LADY (Crossing the Line Festival, Paris’s New Settings), LA DIVANEE (Marfa Film Festival, Oaxaca Film Fest, Nowness), and HEADPIECES FOR PEACE (ASVOFF5 Festival Grand Prix). Mitrani has also been included in the film festivals: Oberhausen Short Film Festival (Oberhausen, Germany), and Festival Hors Pistes (Centre Pompidou, Paris). In addition, she has exhibited her work at museums and galleries internationally.

Luciano Concheiro (Mexico City, 1992) studied history at the National Autonomous University of Mexico (UNAM) and sociology at the University of Cambridge. He is a professor in the Faculty of Philosophy of UNAM. He is co-author of the book of interviews El Intelectual Mexicano: una especie en extinción, (“The Mexican intellectual: a species in extinction,” Taurus). He has translated texts of Franco “Bifo” Berardi, Michael Hardt and Slavoj Žižek. He is editor-in-chief of Huun, an annual publication of Mexican art and thought.

Rodrigo Hernández (Mexico City, 1983) is a visual artist living between Mexico City and Lisbon. He studied at “La Esmeralda” in Mexico City, at the Akademie der bildenden Künste Karlsruhe and at the Jan Van Eyck Academie in Maastricht, The Netherlands. His work has been shown at Kunsthalle Basel; Kurimanzutto, Mexico City; Museum Haus Konstruktiv, Zurich; Moscow Museum of Modern Art, Museo del Chopo, Mexico City; Bonnefantenmuseum, Maastricht; Elizabeth Foundation of the Arts, New York; NuMU – Nuevo Museo de Arte Contemporáneo, Guatemala; David Roberts Art Foundation, London; Parallel, Oaxaca; FRAC Marseille; Kunsthalle Baden-Baden; Kunsthaus Baselland; Kunstverein Freiburg and Museo de Arte Moderno Mexico City, amongst others.

http://www.rodrigo-hernandez.net/

Ana Mazzei (São Paulo, 1980) lives and works in São Paulo. She has a BA in Fine Arts from the Fundação Armando Alvares Penteado (FAAP/SP), and an MA in Visual Poetics from the University of Campinas (UNICAMP/SP). Mazzei’s recent exhibitions include 32° Bienal International of São Paulo; PIVÔ, São Paulo; Galerie Emmanuel Hervé, Paris; The Sunday Painter Gallery, London; Parque Lage, Rio de Janeiro; and Galeria Jaqueline Martins, São Paulo. In 2013 she was resident at Cité des Arts in Paris. In 2011/12 she participated in the Independent Study Program at Escola São Paulo (PIESP). She is a member and founder of Teatro Facada.

Dorothée Dupuis (1980, Paris) is a French curator, writer and editor based in Mexico City. She was director of Triangle France in Marseille from 2007 to 2012. Founder and editor of Terremoto, and co-director of Petunia magazine, Dupuis is a dedicated feminist, her curatorial practice and writings seek to expose, question and challenge power structures in the eld of art. Her recent curatorial projects in 2016 included a residence in PAOS Gdl, Guadalajara, Adrien Vescovi in IFAL House of France, México DF, and the 30th International Studios Program in the FRAC Pays de la Loire, Carquefou, France. Her work has been published in several exhibition catalogs and publications including: ArtReview, Crash, Flash Art, Frieze, Kaleidoscope, Metropolis M, Mousse and Spike, among others.

Elena Tejada-Herrera is a transdisciplinary Peruvian artist who works in the intersection of performance, installation, video and social practice. She has been a Fellow of the Chicago Art Institute and Virginia Commonwealth University and has two MFAs in interdisciplinary media, new media and painting. The awards Tejada-Herrera has received include the James Nelson Raymond Award (USA, 2013), the Grand Prix at the XIII International Film and Video Festival Parnu (Estonia, 2007) and the first prize of Pasaporte para un Artista (Peru, 1999), among others. Her work has been exhibited around the world. She lives and works in Miami.

Florencia Portocarrero (Lima, 1981) is a researcher, writer and curator. She has a BA in clinical psychology and an MA in psychoanalytical theory from the Catholic University of Peru. She participated in de Appel Curatorial Programme in Amsterdam (2012/2013) and in 2015 obtained a MA in Contemporary Art Theory at Goldsmiths University in London. Portocarrero has contributed writings on art and culture to numerous catalogues and publications. She works as a public program curator at Proyecto AMIL, and is co-founder of the independent project Bisagra, both in Lima.

Eusebio Siosi (Riohacha, 1971) is a visual artist, architect and cultural producer who works in collaborative projects with the indigenous Wayuu ethnic community and the cultural identity of which he is part. Siosi has participated in group and solo national and international exhibitions in Bogotá, Zurich, Brazil, Argentina, Barranquilla, Tunja, and Pereira. He has participated in regional and national Salones de Arte in Colombia.

María Isabel Rueda (Cartagena, 1972) obtained a BFA and an MFA in Visual Arts at the National University of Colombia, taught at Universidad Nacional de Colombia and at Jorge Tadeo Lozano University in Bogotá, and teaches at La Salle College in Barranquilla. Rueda is creator and editor of Tropical Goth magazine, and external curator of the Museum of Modern Art in Barranquilla. She has been co-curator of independent spaces such as El Bodegón and La Residencia in Bogotá, and is now artistic director of the independent space La Usurpadora in Puerto Colombia.

Brenda Lozano (Mexico City, 1981) is a narrator and essayist. She edits the literary magazine make from Chicago and is part of Señal from Ugly Duckling Presse of New York. Her first novel Todo nada (Tusquets, 2009) will be made into a feature film. Her second novel is Cuaderno ideal (Alfaguara, 2014) and in this year she will publish the short story book Cómo piensan las piedras. In 2015 she was recognized by Conaculta, Hay Festival and the British Council as one of the most important writers under 40 years in her country. She currently lives in Mexico City.

Yornel J. Martínez Elías (Manzanillo, 1981) is a contemporary Cuban artist who has developed his work close to post-conceptual practices through various technical formalizations and materials. He has participated in the 6th Salon of Cuban Contemporary Art and in the XII Biennial of Havana as well as in the Aichi Trienniale in Nagoya, Japan. His work is part of the Jumex Collection in Mexico and in the National Museum of Fine Arts in Cuba, among others. He studied at the Instituto Superior de Arte in Havana, where he lives and works.

Daniela Castro (Brasil, 1976) is a writer and curator based in São Paulo. She studied Art History at the University of Toronto. She recently co-curated the Aichi Trienniale in Nagoya, Toyohashi and Okasaki in Japan. Castro’s grants and residency fellowships include University of Hong Kong (2002, China), Peggy Guggenheim Collection Museum (2005, Italy), the Art Gallery of York University (2007, Canada), Hordaland Kunstsenter (2010, Norway) and IASPIS (2010, Sweden). She co-curated with Jochen Volz, The Spiral and the Square: exercises on translatability at Bonniers Konsthall, Stockholm, Trondheim and Kristiansand, Norway (2011-12). Castro curated A Radically Condensed History of Post-Industrial Life LADO A/LADO B at El Spacio, Madrid, Spain (2010-11), and Lights Out, at the Museum of Image and Sound MIS (2008, São Paulo).

Jesús Arpal Moya was born basque in Bilbao and queer by divine grace. He then became half of the Jeleton monster which operates in magical arts and other less magical ones. He is also a librarian at La Caníbal SCCL Cooperative. He lives in Barcelona which is almost like saying that he lives very little, and his body is worn out due to almost 30 years of neoliberal policies.

Gelen Jeleton is one and many at the same time, she is a gemini who are two but we add one more for a trinity that would expand if it could. She draws as she writes, she writes as she plays music and she plays music as she dances; time and over again. She has other times, does not have space and has many projects. Always young, alone and in love with her work.

Aimar Arriola, they call him curator but he would like to be a healer. He was born in the Basque village of Markina-Xemein where every July the celebration to the “alarabi”, a single-eyed mythological genius with a circular foot, considered the first shepherd of sheep, takes place. Precocious for some things and not too early for others, he has been initiated in the mysteries of cooking at the age of forty. He lives in London where he works on a doctoral thesis among visions of meat, feathers and vaquitas of San Antonio.

Juan Canela was born inland but since a young age has lived (almost always) near the sea, in different places. But his family is from the mountain, and from the desert. After many wanderings he settled in Barcelona a few years ago, where he discovered that what he does best is planning projects with artists. Recently they have begun to plan spells together, and he walks with stones in his pockets. Ah, and sometimes he has his heart in his hand.

Sofía de Grenade (1983, Valdivia, Chile). BFA in Visual Arts, Universidad Austral de Chile. Selected exhibitions: FIX 07, Catalyst Art, Belfast, Irlanda del Norte and La timidez de las cosas, Espacio de Arte Contemporáneo (EAC), Montevideo, 2014. From 2010 until 2012 she worked on educational programs with communities from rural areas in the south of Chile. In 2015, with the artist Daniela Poch, she founded ZUNI ZINES, editorial project focused on artists from the local scene. Her last work was acquired by FAVA collection. She lives and works in Santiago de Chile.

César Eduardo Vargas (Santiago de Chile, 1982). Graduated from Art History and Theory from Universidad de Chile. The main focus in his work points the relations between art, politics and aesthetics in the independent artistic practices in Chile. He has collaborated as researcher and theorist in several contemporary art projects at a national and international scale. He is founder and curatorial co-director of the chilean project space Sagrada Mercancía. He lives and works in Santiago de Chile.

Adolfo Bimer (1985. Santiago, Chile) currently lives and works in Santiago. BFA Visual Arts in Universidad de Chile. His work questions health and disease through the fields of medical imagery using both traditional and industrial materials from painting and construction. His solo exhibitions include Scans, Cleveland Print Room, Cleveland, 2015; Próximas Enfermedades, Patricia Ready Gallery, Santiago, 2015; Témpanos de Fe, Nueveochenta Contemporary Art, Bogotá, 2013; Las Inseguridades, Patricia Ready Gallery, Santiago, 2013; Tactismo, Revolver, Lima, 2012; and X, MAC Museum of Contemporary Art Chile, Santiago, 2011. He was included in Younger than Jesus: Artist Directory, Phaidon, 2008. Bimer also participates in the Chile-based art organization Sagrada Mercancía.

 


 

Contributors Issue 7

Saskia Calderón (Quito, Ecuador, 1981) lives and works in Quito. She graduated in Fine Arts in Universidad Central del Ecuador, 2003, and Lyrical Singing, Conservatorio Superior Nacional de Música, Quito, 2011. She won first prize in the XII Biennial of Cuenca, Ecuador, 2014; Honorable Mention in the First Sculpture Biennial, Ecuador in 2006. Her live performances, sound and video works have been part of several exhibitions in museums and galleries in America and Europe.

Manuela Moscoso is a curator at Museo Tamayo de Arte Contemporáneo in Mexico City. She is part of Zarigüeya- Contemporáneo, a project that creates links between contemporary artists and the Museum Casa del Alabado de Arte Precolombino in Quito, Ecuador, with Pablo Lafuente and Manuela Ribadeneira. Along with Sarah Demeuse, she is part of Rivet, a project that operates on an expanded curatorial field with an emphasis on notions of deployment, circulation, exercise and resonance. She was curator of the Bienal de Cuenca 2 in Ecuador and co-directed the residency program CAPACETE in Brazil. Nabil and Manuela met in 2013’s edition of SYNAPSE at HKW Berlin in the context of The Anthropocene Project.

Nabil Ahmed is a researcher and writer working on environmental conflict and forensic architecture. His writings have appeared in Third Text, Volume and many other publications. He holds a PhD from the Centre for Research Architecture. He is a lecturer in history & theory at The Class School of Architecture, London Metropolitan University.

Daniel Garza-Usabiaga holds a Phd in Art History and Theory from Essex University (UK). He is an independent curator and academic, author of the book Mathias Goeritz y la arquitectura emocional. Una revisión crítica 1952-1968 (Vanilla Planifolia, 2012). He is one of the founders of NIXON, a non-profit exhibition space in Mx City, and of Solidaridad Press, which publishes, among others, the online magazine Caín.

Tobi Maier is a curator and writer based in São Paulo, where he was an associate curator for the 30th edition of the Bienal de São Paulo (2012). Previously, he worked as a curator at Frankfurter Kunstverein in Frankfurt am Main (2006–2008) and at Ludlow 38 in New York (2008–2011). He is currently undertaking PhD research in the department of Poéticas Visuais at the Escola de Comunicações e Artes, Universidade de São Paulo.

Since 2009, Libidiunga Cardoso has exhibited internationally at the 12th Havana Bienal; KunstenFestivaldesArts, Brussels; 33o Panorama da Arte Brasileira–Museum of Modern Art, São Paulo; Zacheta National Gallery, Warsaw; W139 Gallery, Amsterdam; 30th São Paulo Biennial; Museum Reina So a, Madrid; ICA, London; Festival SescVideobrasil, São Paulo. He is also co-director of Escola Capacete 2016, Rio de Janeiro, and the founder of PPUB, a political party active in Brazil, Paraguay, and Uruguay. Current projects include III Aichi Triennial in Japan, and the X Bienal CentroAmericana in Costa Rica.

Martha Kirszenbaum is the founding director and curator of Fahrenheit, an exhibition space and residency program in Los Angeles. She graduated from Sciences Po, Paris, and Columbia University, New York, and worked at the Media Department, MoMA, New York, the Photography Department of Centre Georges Pompidou, Paris, and at the New Museum, New York. Additionally, she collaborated with the Center for Contemporary Art Warsaw; the Belvedere Museum/21er HausVienna;theMarrakechBiennale;thePalaisdeTokyo,Paris;andthe Kunsthalle Mulhouse. She is a regular contributor to Flash Art, CURA, Kaleidoscope and Mousse, among other publications, and has led seminars on curatorial practice at the Université de Paris VIII and Parsons, Paris.

Myriam Ben Salah (b. 1985, Algiers) is a curator and writer based in Paris, where she has been coordinating special projects and public programs at Palais de Tokyo since 2009, focusing on performance art, video and publishing initiatives. She co-edits F.A.Q., an image-only magazine with artist Maurizio Cattelan, and her writings have appeared in numerous international publications. She has been curator-in-residency at Fahrenheit by FLAX (Los Angeles) since July 2016. Her latest curatorial projects include Cool Memories (Occidental Temporary, Paris, 2016), Like the Desert Miss the Real (Galerie Steinek as part of « Curated-by », Vienna, 2015), Dirty Linen (DESTE Foundation at the Benaki Museum, Athens, 2015), Shit and Die (Palazzo Cavour as part of Artissima, Turin, 2014).

Sarah Ancelle Schönfeld has an MA from Universität der Künste (UdK), Berlin. She received grants from DAAD, NaFöG Grant, Villa Aurora LA, Sti ung Kunstfonds Bonn, and Foam Talents, and has exhibited at Neue Gesellscha für Bildende Kunst, Berlin; Kunstverein Wolfsburg; Galeria Marso, Mexico City; Fotomuseum Winthertur, Switzerland; Galleria Mario Iannelli, Rome; Muzeum Ludwig, Budapest; Hamburger Kunsthalle; Museum Berlinische Galerie and Heidelberger Kunstverein, among others. She lives and works in Berlin and Mexico.

Ashkan Sepahvand is a writer, translator, and researcher. His practice traces associations from within the histories of the body, the sensory, sexuality, imagination, celebration, transformation, futurity, queerness, collectivity, ritual, and the self. He was a research fellow for “The Anthropocene Project” at Haus der Kulturen der Welt (2012–2014), where he co-edited the publication “Textures of the Anthropocene: Grain, Vapor, Ray” (MIT Press: 2015). His work and writings have been presented at dOCUMENTA (13), Gwangju Biennale 11, Ashkal Alwan, Institute for Contemporary Arts London, Former West, Sharjah Biennial X, Al-Ma’mal Foundation, the Barber Shop, Kunstwerke, and Kunsthaus Bregenz. He lives and works in Berlin. He is a research fellow at the Schwules Museum and is a PhD in Practice candidate at the Academy of Fine Arts Vienna.

Juliana Ossa holds a BA in Anthropology from Concordia University in Montreal and a MA in Liberal Studies from the New School for Social Research in New York. She is currently pursuing a Masters in eological Studies at Harvard Divinity School focused on women, religion and sexuality. Juliana is interested in the religious lives of women in general, and in the strategies that they have used to explore and express their spirituality in particular. Her goal as a scholar and a writer is to contribute to the recovery of the female voice of religious history.

François Bucher started his literary and artistic education at Universidad de los Andes in Colombia, then pursued a Masters in Cinema Studies at e School of the Art Institute of Chicago and a research fellowship at the Whitney Museum Independent Study Program in New York. Until 2015, he was a visiting professor at the Academy of Fine Arts, University of Umea, Sweden, where he is a PhD candidate in Art Practice. Until 2008, his art practice and writing can be described as poetic-conceptual and political. Ever since, Bucher’s ideas took a turn and his recent production is in dialogue with interdimensional issues. His artworks and writings are like avatars in a matrix within which Bucher perceives himself as a sort of witness.

Natalia Valencia (b. 1984, Bogotá) is an independent curator based in Mexico City. She has collaborated with the Museo de Arte Moderno MAMM in Medellín, CAPC Museum of Contemporary Art Bordeaux, Palais de Tokyo in Paris, Sala de Arte Público Siqueiros in Mexico City, L’appartement 22 in Rabat, Morocco, Museo Quinta de Bolívar in Bogotá, and Proyectos Ultravioleta in Guatemala. In 2013, she worked as fellow researcher of Latin American art at the Centre Pompidou in Paris.

Eduardo Basualdo (1977) lives and works in Buenos Aires. His work explores space as an elastic concept, questioning the principle of reality and the concept of the limit. He has exhibited at the Venice Biennale (2016), Gwangju Biennale, Korea (2014), Montevideo Biennale Uruguay (2012), Lyon Biennale, France (2011), Hacking Habitat, Utrecht, e Netherlands (2016).

Adriana Minoliti creates pictorial work out of a mix of geometry and queer theory. Geometry is used to represent and imagine a transhuman utopia, within which gender theories can be applied to pictorial language and nd new ways of experiencing the visual world. She lives and works in Buenos Aires, Argentina. Recent exhibitions include Aichi Triennale 2016 (Japan), Agustina Ferreyra Galería and Beta Local (Puerto Rico), Mercosul Biennial (Brazil), and Brooklyn Museum (USA).

Dorothée Dupuis (1980, Paris) is a French curator, writer and editor based in Mexico City. She was director of Triangle France in Marseille from 2007 to 2012. Founder and editor of Terremoto, and co-director of Petunia magazine, Dupuis is a dedicated feminist, her curatorial practice and writings seek to expose, question and challenge power structures in the eld of art. Upcoming curatorial projects in 2016 include a residence in PAOS Gdl, Guadalajara (August), Adrien Vescovi in IFAL House of France, México DF, and 30 International Art Workshops in the FRAC Pays de la Loire, Nantes, France (November, 2016). Her work has been published in several exhibition catalogs including Spike, Metropolis M, Mousse, Kaleidoscope, ArtReview, Flash Art and Frieze, among others.

Noah Simblist is chair and associate professor of art at SMU Meadows School of the Arts in Dallas. He works as a curator, writer, and artist. His dissertation Digging rough Time: Psychogeographies of Occupation focused on the ways that contemporary artists in Israel-Palestine and Lebanon address history. He is currently working on New Cities Future Ruins, a convening inviting artists and designers to re-imagine the extreme urbanism of the Western Sun Belt.

Fanny Drugeon holds a PhD in Art History from François Rabelais University, Tours, France and is a liated researcher of the Labex Création, Arts et Patrimoines and of InTRU Lab (Tours University). Her research focuses both on the spiritual in contemporary art and on the role played by the circulation of artists a er World War II. She is currently editing the publication of the international conference she co-organized “Passages à Paris: Foreign Artists in Paris from the late 19th Century through Today” at the Centre Pompidou. She teaches and lectures at Ecole du Louvre and Nantes College of Art, and curates exhibitions.

Frank Baez has published three books of poetry, one of short stories, and three books of non ction. He is a member of the artist collective El Hombrecito (www.elhombrecito.com) and the editor of the poetry magazine, Ping Pong (www.revistapingpong.org). His most recent publication is La trilogía de los festivales. He lives in the Dominican Republic.

Irmgard Emmelhainz is an independent researcher and writer. She has lectured and taught at an array of international institutions. Her work has been translated to German, Italian, Norwegian, French, English, Arabic, Turkish, Hebrew, and Serbian for magazines and journals specializing in cinema, art, politics, and culture. She is member of the editorial board of Scapegoat Journal, and her book in Spanish, e Tyranny of Common Sense: Mexico’s Neoliberal Conversion (2016) came out last spring with a preface by Franco (Bifo) Berardi.

Trajal Harrell is a dancer and choreographer. In 2012, he won the New York Dance and Performance “Bessie” Award for Best Production. Harrell has performed at MoMA and PS1; e Kitchen; New York Live Arts; Portland Institute of Contemporary Art’s Time- Based Art Festival; the Walker Arts Center; the American Realness Festival; Danspace Project; Dance eater Workshop; Performance Space 122; Philadelphia Live Arts; REDCAT; Cornell University; Colorado College; the Institute of Contemporary Art, Boston; Festival d’Automne, Paris; Rencontres Chorégraphiques, Paris; Festival d’Avignon, Avignon; Impulstanz, Vienna; TanzimAugust, Berlin; Panorama Festival, Rio de Janeiro; Festival Transmériques, Montreal; and Holland Festival, Netherlands.

Xavier Acarin is a curator and researcher from Barcelona currently based in New York. He is co-author of the books Designing Experience and Dear Helen, writes regularly for A*Desk, and occasionally for La Vanguardia. His projects have been presented at Chez Bushwick, Elastic-City, e New School for Social Research, CCS Bard College, and Peekskill Project 6.

 


 

Contributors Issue 6

Susana Vargas holds a Phaniel in philosophy from McGill University, Montreal, Canada. She currently is Social Sciences and Humanities Research Council postdoctoral fellow at the Institute of Aesthetic Research at the National Autonomous University of Mexico. Her research focuses on the different cultural understandings in gender, sex, class and skin tonalities between Latin America and Anglo North America, and their intersection with visual culture. She is the author of the book Mujercitos (Editorial RM).

Amilcar Packer was born in Santiago de Chile in 1974 and moved to São Paulo, Brazil in 1982. He graduated in Philosophy at the University of São Paulo (USP) and has a master degree in Clinical Psychology at Pontifícia Universidade Catôlica de São Paulo (PUC-SP). Packer transits between discursive and performative practices operating to reconfigure the grammar of social spaces, proposing the production of situations as relational fields for collective learning dynamics and knowledge production. He co-directed the residency program CAPACETE Entertainment (2012-2013) regularly collaborates with Casa do Povo, organizes the ongoing performative research machine Doris Criolla and is one of the co-founders of P.A.C.A. – Program for Autonomous Cultural Actions. He has co-organized educational programs at Ludlow 38, New York, U.S.A. 2014; Städelschule, Frankfurt, CCA-Lagos, Nigeria, 2012; Beta Local, San Juan, Puerto Rico, 2011; Campos do Jordão, Brazil, 2008; Sydney Biennale 2004, among others.

Sofía Gallisá Muriente is a multidisciplinary artist graduated in film and television production and Latin American studies at NYU. She worked with Albert Maysles, Lynne Sachs and Mary Walling Blackburn. Her work has been presented at the Polygraphic Triennial of San Juan, the Festival of New Latin American Cinema in Cuba, the Walker Art Center in Minneapolis and the Museum of Latin American Art of Buenos Aires. She was a resident artist in Argentina at Museo La Ene and Chashama in New York, as well as the Flaherty Seminar scholarship and practice of Beta-Local in Puerto Rico, TEOR/éTica in Costa Rica, among others.

Las Nietas de Nonó (Lydela Leonor and Michelle Nonó) are sisters living in Barrio San Anton in Carolina, Puerto Rico. There they collaborate in Patio Workshop, a meeting and exchange space in the backyard of their house. Their daily and artistic practices respond to their context and circumstances and are made from available resources.

Guillaume Désanges is a French curator and art critic, founder of Work Method in Paris. He coordinated the artistic projects of Laboratoires d’Aubervilliers between 2001 and 2007. He has organized exhibitions at STUK, Leuven (Belgium), Villa Arson, Nice and Museo Patio Herreriano, Valladolid, gb agency, Paris, De Appel (Amsterdam), Centre d’Art Santa Monica (Barcelone), Prague City Gallery, Nam June Paik Center (South Korea), SMAK (Belgium), Centre Pompidou-Metz, French National School Gallery, Generali Foundation, Vienna, Austria. In 2007-2008, he is invited curator at Centre d’Art Contemporain La Tôlerie and in 2009-2011 at the art centre le Plateau-Frac Ile de France, Paris. In 2013 he is co-curator with the artist Michel François for the exhibition “Une exposition Universelle” for the Bienal of Louvain La Neuve. Since 2013, he is the curator of La Verrière (Hermès Foundation, Brussels). He teaches at Paris Sorbonne University.

Bárbara Santos. Visual artist, studied at Universidad de los Andes (Bogota) and a Master of Visual Arts at the Universidad Nacional de Colombia (Bogota). Her work spans experimental and documentary video art, multimedia, editorial and web development. From relationships, narrative and experimentation she seeks to activate collective and interdisciplinary processes that create connections between art, technology and ancestral knowledge. Co-editor, along with Nelson Ortiz of  the book El Territorio de los Jaguares de Yuruparí, by ACAIPI and Gaia Amazonas Foundation, Bogota 2015.

William Contreras Alfonso is a Colombian psychologist, artist and curator currently living in Bogotá. His research interests cross the study of intuition, fiction and nonsense with the possibilities offered by poetic creation. He writes regularly on contemporary art. His work has been exhibited at the Museum La Tertulia (Cali, Colombia), Artecámara 2013 and Museo de Arte del Banco de la República (Bogota, Colombia), among others. In 2016 he publishes a monographic book on the work of artist Beatriz Eugenia Díaz (Ministry of Culture).

Gustavo Buntnix is an art historian and author of the book E.P.S. Huayco. Documentos (Lima, Centro Cultural de España, 2005). Born in Buenos Aires and resident in Lima for many years, Gustavo Buntinx is director of the Cultural Centre of the National University of San Marcos in Lima. He is the author of numerous works on Latin American visual arts and forms part of the Colectivo Sociedad Civil (Civil Society Collective).

Malacchi Farrell was born in Ireland and lives in Paris. She is an artist working with machines which express her political engagement against all forms of physical or psychological violence, ever since his discovery of electronic art making during his residency at the Rijksakademie in Amsterdam (1994-1995).

Fernando Palma (b. 1957, San Pedro Atocpan, Mexico) is an artist trained as a mechanical engineer. He joins his interest in science, robotics and programming with environmental and cultural activism. His work focuses on environmental issues in the district of Milpa Alta, south of Mexico City, where he and his family live. Along with his mother, Carmen Rodríguez Meza, and sister, María Angélica Palma Rodríguez, he is a founding member of Calpulli Tecalco, a not-for-profit organization dedicated to the restoration of the natural environment, history, and culture of the original peoples of the region.

Teresa Riccardi is Artistic Director of MACBA, Buenos Aires. She is a professor and doctoral candidate of Art Studies at UBA and alumni of the Curatorial Intensive ICI (2013). Recipient of Conicet and ANPCyT grants. In 2005 she published along with the collective Duplus, the book “El pez, la bicicleta y la máquina de escribir” bringing together self-managed initiatives by artists in Latin America and the Caribbean. She is co-editor and co-founder of the magazine Blanco sobre Blanco and founder of AAS: Agencia de Asuntos (Sub)tropicales. She has curated the exhibitions Cromofobia (MACBA, Buenos Aires, 2014/2015), Ocupaciones Raras (Galeria Gabriela Mistral, Santiago de Chile, 2014), Escenográfica,(BSM, Buenos Aires Art Building, 2013), AA(Sub)tropicales, (EAC, Montevideo, Uruguay, 2012/2013).  

Alicia Herrero lives and works in Buenos Aires. Her projects explore devices and systems of representation, language, economics, communication, law, gender studies and colonialism. She develops the Art & Capital series and she has exhibited in 8th Mercosul Biennial, Porto Alegre; X Art Biennial Bogota; IV Internationella Kunstbiennal, Göteborgs; I Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia; V Biennial of Havana, Havana, Austrian Cultural Forum New York; MALBA; Pori Art Museum; Proa Foundation; Museum Boijmans van Beuningen; Contemporary Art Center of Thessaloniki; Shedhalle; Neue Gesellschaft für Bildende Kunst NGBK; MAMBA; Van Abbemuseum, among others.

Nick Vaughan & Jake Margolin are artists based in Houston, Texas where they are members of BOX 13 Artspace and Tulsa, Oklahoma where Nick is a Tulsa Artist Fellow.

Franco Lolli is a Colombian filmmaker who studied in Paris at La Fémis. After directing the short films Como Todo el Mundo (Grand Jury Prize at the Festival de Clermont-Ferrand) and Rodri (Quinzaine des Réalisateurs, Cannes Film Festival) he directed Gente de Bien, his first feature film, which premiered at the Semaine de la Critique at Cannes Film Festival and has been selected by more than sixty other international festivals.

 


 

Contributors Issue 5

Francesco Pedraglio is an artist and writer working with performance, film and installation. Born in Como (Italy) in 1981, he lives in London and Mexico City. He has been performing and showing at Parallel Oaxaca (2015); Norma Mangione Gallery, Turin (2015); The Physics Room, New Zealand (2015); Kunsthalle Wien (2015); DropCity, Newcastle (2015); CCA Glasgow (2014); Jeu de Paume (2013), Kunsthalle Basel (2012), among others. His novel, A man in a room spray painting a fly (2014) was published by Book Works.

Manuel Correa is an artist from Medellin, with a BFA in Film & Video from Emily Carr University in Vancouver (British Columbia) #ARTOFFLINE is Correa’s first film that will premier at Rotterdam Film Festival in 2016. Correa’s texts have been published by &&& Journal (NY), Theory and Practice (Russia) and Superconversations, eflux (NY). He is based in Vancouver.

José Aramburo is a graphic-phonetic corruption of the Basque name Aranburu. Its etymology has two parts (“Aran”= Valley + “Buru” = Top), with the meaning: “Top of the Valley”. That is precisely from where Jose Aramburo begins his dizzying climb downhill, like Sisyphus without a rock. Professional “Antrista.” Aramburo is the founder of failed initiatives like Monja Rabiosa (Rabid Nun) and Lágrima de Payaso (Clown Tear), among others.

Pedro Neves Marques is a writer and visual artist. He is the editor of The Forest and the School/ Where to Sit at the Dinner Table? (2014), and was a guest-editor for e-flux Journal’s Supercommunity issue for the 65th Venice Biennale (2015). Among other venues he has shown at Kadist Foundation, e-flux, Sculpture Center, 12th Cuenca Biennial, EDP Foundation, and the Serralves Museum. Together with artist Mariana Silva, he runs inhabitants, an online channel for exploratory video and documentary reporting (http://inhabitants-tv.org/).

Elise Lammer (b. 1982 Lausanne, Switzerland) is a curator and writer based between Roveredo (CH) and Berlin. She runs the Kunstverein SALTS Basel together with Samuel Leuenberger and is the host and founder of Kunsthalle Roveredo, an artist residency and exhibition space located in the mountains of Graubünden, Switzerland. Sol Calero (born 1982, Caracas, lives and works in Berlin). Recent solo exhibitions include Studio Voltaire, London (2015) Sala Mendoza, Caracas (2015), SALTS, Birsfelden (2015), Gillmeier Rech, Berlin (2014); Laura Bartlett Gallery, London (2014); Frutta Gallery, Rome (2013). Recent group exhibitions include KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2015) and Mostyn, Llandudno (2015). Upcoming projects in 2016 include David Dale Gallery, Glasgow, Laura Bartlett Gallery, London, Kunsthaus Bregenz, Austria. Calero is represented by Laura Bartlett Gallery, London.  She is co-director of the Berlin project space Kinderhook & Caracas.

Terence Gower was born in British Columbia, Canada and has been based in New York City since 1995 where he has shown at PS1, New Museum, and the Queens Museum. Internationally he has shown recently at Institut d’Art Contemporain Villurbaine, Lyon; MACBA, Barcelona; Tensta Konsthal, Stockholm; Museo Tamayo, Mexico City; MAC, Santiago, Chile; National Gallery of Canada, Ottawa; Haus der Kulturen der Welt, Berlin; MUSAC, León, Spain; and Audain Gallery, Vancouver.

Diego del Valle is an independent curator and cultural producer. He currently collaborates with Diéresis Collection and Páramo gallery and coordinates the exhibition program at Ex Convento del Carmen in Guadalajara, Mexico. He lives and works in Guadalajara.

Heriberto Yépez (b. 1974, Tijuana) is a writer, poet and professor at Universidad Autónoma de Baja California in Tijuana. In Mexico he is contextualized within the “frontier literature”, which originated as a movement that took critical distance from the concept of Mexican literature dominated by Mexico City, and of which he is one of the main representatives.

Laura Huertas Millán was born in Bogota and lives in Paris. A graduate from the Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris and Le Fresnoy, she is currently a PhD candidate at the Ecole Normale Superieure rue d´Ulm and the Beaux-Arts de Paris. She is also a fellow at the Sensory Ethnography Lab and the Film Study Center at Harvard University (Cambridge). Her works have screened at the Guggenheim Museum (NY), FIDMarseille, Palais de Tokyo (Paris), and Museo de arte Moderno de Buenos Aires among others.

The daughter of a botanist, Naomi Fisher was born and raised in Miami, where the wild/untamed tropical environment serves as a backdrop to explore the american culture clash in her work through the lens of feminist theory and strategies derived from surrealist art. She exhibited at the Palais de Tokyo, Paris; Pinchuk Art Center, Kiev; Halle fur Kunst, Luneburg; Kemper Museum, Kansas City; Kunsthalle Wein, Vienna; Kunsthaus Baselland, Basel; Deste Foundation, Athens; New Museum, NY; and the Vizcaya Museum and Gardens, Miami. Since 2004, she has run BFI (Bas Fisher Invitational), an artist run space in Miami, a W.A.G.E. certified 501c3.

François Cusset is a writer and intellectual historian, author of internationally acclaimed essays such as “French Theory” (2003, 2008) and “The Inverted Gaze” (2002, 2011). He is also a professor of American Studies at the University of Western Paris, Nanterre.

 


 

Contributors Issue 4

TRansHistor(ia). María Sol Barón Pino and Camilo Ordóñez Robayo- is a collective of historical research and curatorial creation. They have authored the books Con Wilson…Anotaciones, artistadas e incidentes (2014) and Rojo y más Rojo. Taller 4 Rojo; producción gráfica y acción directa (2015). Barón and Ordóñez are professors of the Visual Arts Department of Pontificia Universidad Javeriana in Bogotá and the Arts Faculty ASAB of Universidad Distrital Francisco José de Caldas in Bogotá.

Juan Canela (1980) lives and works in Barcelona. Independent curator and critic. Founder and curator of BAR project and Azotea, he is part of SYNAPSE (Berlin). Recent exhibitions include Lesson 0, at Espai 13 Fundació Miró, Barcelona (2013-2015); Me and You and Everyone We Meet, Zumzeig cinema, Barcelona (2013); ¿Por qué no lo llamas entropía?, with Ariadna Ramonetti at Encuentro de Cultura Contemporánea de Guadalajara, México (2015); Ignacio Uriarte: 1&0s at Marco, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (2014), among others.

RIVET is activated by what emerges from artistic production. It works in an expanded curatorial field including publications, conference calls, teaching, and exhibitions. It was initiated in 2010 by curators Sarah Demeuse (New York) and Manuela Moscoso (Mexico DF). Rivet has an episodic character. Their most recent project“The Wilson Exercises” happened at Rogaland Kunstsenter (Stavanger), RedCat (Los Angeles), and Fundació Miró (Barcelona) and also takes shape as a publication made with RedCat and Project Projects. Rivet just edited Daniel Steegmann Mangrané’s “Animal That Doesn’t Exist” in collaboration with Bom Dia Boa Tarde Boa Noite (Berlin).

Mohammad Salemy is an artist and independent curator based in Vancouver and New York. He is an organizer at The New Centre for Research & Practice. His writing has been published in eflux, Flash Art, Third Rail and Brooklyn Rail.

María P. Malavasi L. aka Lola (San José, Costa Rica, 1987). Since 2011 she has worked in TEOR/éTica, conducting research projects about local curatorial initiatives and the institution’s archive, as well as facilitating educational and artistic formation projects.

Lucas Ospina, Bogotá, Colombia. Professor, Universidad de los Andes. Sometimes he draws, sometimes he writes.  http://jennyvila.com/artistas/lucas-ospina/http://tanyaleighton.com/index.php?pageId=141&l=enhttps://uniandes.academia.edu/LucasOspinahttp://artreview.com/search/?search=lucas+ospina

Kiki Mazzucchelli is an independent curator and writer working between London and São Paulo. Recent projects include the Solo Projects/ Latin America section at ARCO 2015 and That Which Cannot be Repaired – Tonico Lemos Auad’s solo exhibition at Pivô (São Paulo). She is currently a member of the curatorial team of Sitelines – Site Santa Fe Biennial, launching in July 2016.

Cristiana Tejo is an independent curator, PhD candidate in Sociology (UFPE) and co-founder of Espaço Fonte – Centro de Investigação em Arte. She curated 32º Panorama of Brazilian Art – MAM – SP (2011) and the Special room of Paulo Bruscky at X Biennial of Havana ( 2009). Lives and works between Recife and Lisbon.

Sandra Sánchez is an art critic and writer from Mexico City. She holds a double major on History of Art and Modern Literature. Her field of interest is contemporary art’s relationship with the constant reconfiguration of the subject and the way it operates locally within the contemporary global discourse . She is co-founder of Zona de Desgaste, an independent space dedicated to writing and analysis of contemporary art in Mexico City.

Fabiola Iza (1986) is a curator and art historian. She develops independently exhibitions and editorial projects that seek novel strategies that may potentialize and animate archives related to the development of national narratives and identities. She earned a BA in Art Theory from the Universidad del Claustro de Sor Juana, Mexico City and an MA in Visual Cultures from Goldsmiths, University of London.

 


 

Contributors Issue 3

Emily Rappaport is a Los Angeles-based writer who has lived and worked in New York, New Haven, Portland, and Mexico City. She’s interested in WPA murals, pre-Hispanic miniatures, the land art of the American West, and the things her friends make. Her work has appeared in ARTnews, Flash Art, and Artsy.

Daniel Aguilar Ruvalcaba (León, 1988) is a visual artist who lives and works in Mexico City. He was part of the independent study program at SOMA and is founder and co-director of Bikini Wax, an independent contemporary art space. His solo exhibition Tutorialess was held at The Chopo University Museum in Mexico City in 2014.

Catalina Lozano (Bogotá, 1979) is an independent curator and writer. Her research interests and curatorial practice are focused on minor historical narratives that question hegemonic forms of knowledge, especially non-postmodern critiques of modernity. In 2011 she co-founded de_sitio, a curatorial platform in Mexico City.

Maria Virginia Jaua is a writer, editor, critic and cultural researcher. She has developed and collaborated with diverse editorial projects. She directs the online magazine of art criticism and cultural analysis Salonkritik.net. She lectures and conducts workshops about art, writing, and image analysis. She is part of the Sorbonne Nouvelle research group Écritures de la modernité. She has collaborated with artists and musicians in different productions and she develops most of her work within this interdisciplinary field.

Víctor Albarracín Llanos (1974) works in projects of a diverse nature. He is the author of three books and of innumerable critical and narrative texts. He has co-founded and been involved with artist spaces including El Bodegón (Bogotá, 2005-2009) and Selecto–Planta Baja (Los Angeles, 2014–). Artist and curator, among other roles, he was the recipient of the Premio Nacional de Crítica in 2009 and of a Fulbright Fellowship (2013-2015). He lives and works between Bogotá and Los Angeles.

Bernardo José de Souza is a curator and university professor. He was part of the curatorial team of the 9th Bienal do Mercosul in Porto Alegre (2013). Between 2005 and 2013 he served as Director of the Department of Cinema, Video, and Photography at the Secretary of Culture in Porto Alegre. He currently works as a curator in the 19th Festival of Contemporary Art Sesc Videobrasil and develops projects as an independent curator for different institutions. Projects include The Negative Hand, a group exhibition at Parque Lage in Rio de Janeiro, and Prisma Project, a group show at ArtRio in Rio de Janeiro (2015). He graduated in Media Studies at PUCRS and specialized in Photography and Fashion at the University of the Arts London.

Arden Decker is an art historian based in Mexico City. Her academic research focuses on the development of ephemeral art and strategies of institutional intervention in 1960s and 1970s Mexico.

Kelman Duran is a Los Angeles based artist and curator who was born in the Dominican Republic and raised in Washington Heights, NY. His work is informed by counter-histories that deal with power and political exclusion. He received his MFA from California Institute of the Arts, Los Angeles and was the Resident Curator at Otras Obras, Tijuana, Mexico.  Duran’s work has been shown at LACMA (OFFSITE Series), REDCAT, Echo Park Film Center and Human Resources in Los Angeles; Viennale Film Festival, Vienna;Split Film Festival, Croatia; Bradford International Film FestivalZinebi, Bilbao;  and the Sensory Ethnography Lab at Harvard University, Cambridge.

Cameron Shaw received her B.A. in Art History from Yale University and has over ten years of professional experience in the contemporary visual arts. As a writer, her articles, interviews, and essays have appeared in publications including Artforum.com, East of Borneo, Los Angeles Review of Books, BOMB Magazine, and books on Chris Ofili, Marcel Dzama, Keith Duncan, and other artists. Shaw was awarded a Creative Capital/Warhol Foundation Arts Writers Grant for Short-Form Writing. Recognized for conceptual leadership in New Orleans, she has moderated panels on a range of topics including organizational sustainability and institutional/community relationship building. She was chosen for the NAMAC National Leadership Institute in 2013.

Eduardo Abaroa is a Mexican artist working with installation and sculpture. He’s the author of numerous texts on contemporary art. In 2011 he organized the SITAC, International Symposium of Contemporary Theory and Art, titled Theory and practice of catastrophy.

 


 

Contributors Issue 2

Rodrigo Ortiz Monasterio (México D.F. 1985) is a Mexico City–based editor and curator. He received an MA in curatorial practice from the California College of the Arts in San Francisco. His practice focuses primarily on expressions of modernism in Latin America and on printed matter such as artists’ books, publications on architecture, and archives. In 2013 he founded Guayaba Press, an independent publishing house and curatorial platform based in Mexico City. Guayaba Press publishes Sur Journal and is committed to develop projects in Spanish and English that expand discussions of contemporary art locally and globally.

Patrik Haggren is a Swedish-American writer, researcher and curator. He recently curated Linear Imaginations (Sicardi Gallery, Houston, 2015) and From Here to Afternoon (Laura Lee Blanton Gallery, Houston, 2013), an exhibition on the accumulation and projection of movements within dance, photography, economy, labor struggle and sculpture. Haggren currently lives in Berlin, and is at work on projects in Houston and Stockholm, where he attends CuratorLab, an experimental seminar for curatorial projects.

Linda Mai Green is a French-American writer and curator based in New York City. She has organized exhibitions in Berlin and New York City, and has participated in the educational programming of biennales in Berlin, Gwangju and Shanghai. Her writing has appeared inMousse, Art in America, The Exhibitionist, policymic, META magazine, and ifacontemporary. She is currently pursuing a doctorate in art history at the Institute of Fine Arts, NYU, on the intersection between ecological thinking and art history.

Daniel Garza-Usabiaga holds a Phd in Art History and Theory from Essex University (UK). He is Chief Curator of the Museo Universitario del Chopo in Mexico City, and author of the bookMathias Goeritz y la arquitectura emocional. Una revisión crítica 1952-1968 (Vanilla Planifolia, 2012). He is one of the founders with Oscar Benassini of Solidaridad Press, which publishes, among others, the online magazine Caín.

João Laia (1981, Lisbon) is a writer and curator with a background in social sciences, film theory and contemporary art. He has published in newspapers and magazines such as Frieze, MOUSSE and Público and has collaborated with institutions such as the Moderna Museet in Stockholm and the South London Gallery in London. Recent projects include the performance programmea polyphonic wave of concrete materials flowing through the air and the group exhibition and publication Hybridize or Disappear. In 2014 he co-founded with Rosa Lléo The Green Parrot in Barcelona, a non-profit space dedicated to contemporary art practices – www.thegreenparrot.orgHe is a member of the curatorial team of the 19th edition of Videobrasil, a contemporary art festival dedicated to the Global South that takes place from October to December 2015 in São Paulo. He is a PhD candidate at Birkbeck in London.

Steven Shaviro is the DeRoy Professor of English at Wayne State University. He writes about process philosophy, film and music video,and science fiction. He blogs at The Pinocchio Theory (http://www.shaviro.com/Blog ).

Chris Sharp is an American writer and independent curator based in Mexico City, where and he and the artist Martin Soto Climent run the project space Lulu. Recent curated exhibitions include the four part series The Registry of Promise, at De Vleeshal, Middelburg, Holland 2015;Le Crédac, Ivry, France, 2014; Parc St. Léger, Pougues-les-Eaux, France, 2014; La Fondazione Giuliani, Rome, 2014; as well as the 12th Swiss Sculpture Exhibition in Biel/Bienne, Switzerland, entitled Le Mouvement, co-curated with Gianni Jetzer, 2014; and Manners of Matter, Salzburger Kunstverein, Salzburg, 2014. He recently co-edited and contributed a text to “Composition” by Jochen Lempert published by Walter König, and is currently preparing a series of exhibitions on stones for Kim?, Riga, Latvia, and Casa del Lago, Mexico City.

Tobi Maier is an art critic, curator, professor and editor based in São Paulo. He has been curator at Frankfurter Kunstverein (2006-2008), and at MINI / Goethe-Institut Curatorial Residencies Ludlow 38, in New York (2008-2011). Associate curator of the 30th São Paulo Bienal (2011-2012) and co-editor of publications OEI #60/61 Extra-disciplinary spaces and de-disciplinizing moments. In and out of the 30th Bienal de São Paulo in 2013 e OEI #66 poema/processo in 2014, among others. He holds an MA in Curatorial Studies from the Royal College of Art, London, UK and is a Phd candidate of Poéticas Visuais at ECA-USP, São Paulo. He contributes from São Paulo to contemporary art magazines like Artforum, Frieze and Aperture. Tobi Maier is a co-founder of the exhibition space SOLO SHOWS in São Paulo.

Carolina Sanín was born in Bogotá in 1973. She is the author of the novels Todo en otra parteand Los niños, the collection of short stories Ponqué y otros cuentos, the collection of humoristic writings Yosoyu, the children’s book Dalia (Norma, 2010), and the essay Alfonso X, el Rey Sabio. She has written columns for the newspaper El Espectador, the magazine Arcadia and Semana.com. She holds a Ph.D. in Hispanic and Portuguese Literature from Yale University. She taught literature and creative writing at State University of New York-Purchase College and at Los Andes University in Bogotá, where she is currently Associate Professor.

Leonel Alfonso Juracán Lemus (1981, Ciudad de Guatemala) is a writer and poet, currently a student of the Philosophy department at Universidad de San Carlos in Guatemala City. Former member of the Writers Association of Guatemala and co-founder of the Folio 114 collective. Contributing writer for Casi literal, Revista de la Universidad de San Carlos and Algarero cultural. Author of the books: Guía práctica para manejar la invisibilidad (Editorial Ley-va, 2001), Inflamable (Editorial Cultura, 2008) and Fúnebre y carnavalesco (Editorial Magna Tierra, 2012). His writing have been published in antologies such as Poemas de la postguerra (Editorial Helvetas, 2002), Antología de cuento Lema Tzijonem (Comunidad Nacional de Escritores y Fondo de Cultura Económica, 2002), and Ni hermosa ni maldita. Narrativa guatemalteca actual (Editorial Alfaguara, 2012), among others.

 


 

Contributors Issue 1

Emiliano Valdés is a Guatemalan curator, editor, and cultural producer based in Medellin, Colombia and Guatemala City. He is currently Chief Curator of the Museum of Modern Art, Medellin. In 2014 he was Associate Curator of the 10th Gwangju Biennale. Until recently, he was Co-director of Proyectos Ultravioleta, a multifaceted platform for experimentation in contemporary art in Guatemala City and Curator/Head of Visual Arts at the Centro Cultural de España in Guatemala. In 2012, he was the Colección Patricia Phelps de Cisneros Curatorial Fellow at dOCUMENTA (13), Kassel.

Natalia Valencia (b. 1984, Bogotá) is an independent curator based in Mexico City. Her curatorial projects and writing depart from an interest towards language and non-Western conceptions of time and systems of belief. She has curated exhibitions at Palais de Tokyo in Paris, Sala de Arte Público Siqueiros in Mexico City, L’appartement 22 in Rabat, Morocco, Museo Quinta de Bolívar in Bogotá, and Proyectos Ultravioleta in Guatemala. In 2013 she worked as fellow researcher of Latin American art at the Centre Pompidou in Paris. She has written for Kaleidoscope, The Paris Triennale, and SUR.

Mario Llanos Luna (b.1988, Barranquilla) lives and works between Puerto Colombia and Barranquilla. He is surf-shaper, and Co-curator and Co-director of the independent space La Usurpadora, las Residencias Artísticas Centurión de la Noche, based in Puerto Colombia – Atlántico (Colombia).

Oliver Martínez-Kandt (b. 1983, Oaxaca) is the Director and Curator of the independent space Parallel in Oaxaca, as well as Associate Curator at Komplot, Brussels, and at the Contemporary Art Museum of Oaxaca, where he curates the annual program Monogramas starting with a solo show by Mariana Castillo-Deball. He holds an MFA in curatorial studies from Goldsmiths College. He has curated several commissioned site-specific projects at the Contemporary Art Museum Oaxaca, the David Roberts Foundation in London, Komplot in Brussels, Brussels, Biennial 1-off program and Museo de la Ciudad de México. Recently he was appointed Curator of the 10th Nicaragua Biennial to be organized in between the cities of Managua, León and Granada in 2015.

Andrew Berardini is a writer in Los Angeles. He writes about the permeability between imagination and reality in mostly fictive essays and essayistic fiction, often about art. Co-founder of The Art Book Review, he’s a contributing editor for Mousse, Momus, and Art-Agenda; and has curated art exhibitions with some regularity (usually with collaborators), including a metaphysical disco at the Church of the Holy Shroud in Turin, a chain letter at the Palais de Tokyo in Paris, and a river by Chris Johanson through the Museum of Contemporary Art, Los Angeles. He has published in Artforum, ArtReview, and the LA Weekly, amongst other sundry publications. He was a finalist for the Premio Bonaldi Award for young curators and winner of an Andy Warhol/Creative Capital Grant for Art Writers in 2013. Berardini has a memoir-ish book forthcoming from Mousse Publishing on the artist Danh Vo, and is currently at work on another book about color.

Dorothée Dupuis (b.1980, Paris) is a curator, author and publisher based between France and Mexico City. Trained at the Centre Pompidou, Co-founder of Le Commissariat in 2006 in Paris, she was the Director of Triangle France in Marseille from 2007 until 2012. A dedicated feminist, she is Co-director of Petunia magazine. Her curatorial and writing practice seeks to question, expose, and challenge existing power structures within the visual arts. Recent projects include: Dewar & Gicquel (Prix Marcel Duchamp 2012) at the Centre Pompidou (2013); Pro-choice at Kunsthalle Freiburg, Switzerland, curated with Petunia (2013); Momentum? May be it’s time… also with Petunia at PSM Gallery in Berlin (2014); Matthieu Laurette at Parallel, Oaxaca; Renaud Jerez at Lodos, Mexico City (2014). In 2014, she was curator-in-residence at Fahrenheit by Flax in Los Angeles and at Capacete in Rio de Janeiro. She was also guest curator at Les Ateliers des Arques in the Lot region in France. Her writings have appeared in numerous exhibition catalogues as well as art publications such as Spike, Metropolis M, Mousse, Kaleidoscope, ArtReview, Flash Art, among others.

Jennifer Teets is a curator and writer who lives and works in Paris. Her recent work takes the form of scripted scenarios where information, technique, theory, and aesthetics transpire in sites of historical and spatial divergence. Recent exhibitions and events include This place you see has no size at all, Kadist Art Foundation, Paris (2009); A clock that runs on mud, Galeria Stereo, Poznan, (2011); The world is bound in secret knots, Fondazione Giuliani, Rome, (2012); Vinimos a soñar: France Fiction, Museo Experimental El Eco, Mexico City (2012); Boustrophedonic procession, (with Darius Mikšys and Chris Fitzpatrick) Objectif Exhibitions, Antwerp (2012/2013); Elusive Earths, Etablissement d en face Projects, Brussels (2014); Tierras Esquivas II, (with Lorenzo Cirrincione), FLORA ars + natura, Bogotá (2014). She recently organized the three-part series Pharmacokinetics of an Element (a pilot project for the XII Baltic Triennial) at the Contemporary Art Centre, Vilnius in November of 2014.

Ericka Flórez Hidalgo (b.1983, Cali) has a degree in psychology. She works as an artist, editor and curator in Cali. She is part of the team of Lugar a dudas and of La Nocturna. La Nocturna develops education content around art and thought in Cali, exploring different discursive formats and aiming to blend formal and informal spaces of encounter around knowledge. Their current program also concentrates on the revision of certain particularities (metaphors, strategies, etc.) of local art history and artistic practices questioning the limits between document and fiction. Nocturnal schools are usually created for persons who had a late access to education, for workers and adults students. La Nocturna consists of Herlyng Ferla, Mónica Restrepo, Hernán Barón and Ericka Flórez.

Hunter Braithwaite is a writer and the founding editor of the Miami Rail, a quarterly publication devoted to contemporary art and culture. During a hiatus from school, he began writing for National Geographic’s travel books department. He then moved to Shanghai, where he freelanced for numerous publications, including Asian Art News, The Wall Street Journal, and Artforum. In 2011, he relocated to Miami, where he covered the burgeoning art scene for everyone from Ocean Drive to The Paris Review. He curates the occasional exhibition and currently lives in Memphis, where he is finishing his first book.

Magnolia de la Garza is a curator based in Mexico City. She is currently Executive Director of the Colección Coppel (CIAC). In 2014 she was one of the curators of the XVI Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen. From 2008 to 2013 she was the Associate Curator at Museo Tamayo in Mexico City where she curated several solo exhibitions with artists such as Monika Sosnowska, Michael Stevenson, Pia Rönicke, Amalia Pica, and Carlos Amorales. She also co-curated collective exhibitions. Before that she worked as researcher for Colección de Arte of Televisa Foundation, and at Museo Nacional de Arquitectura de la Ciudad de México.

Dean Daderko is Curator at the Contemporary Arts Museum Houston in Texas. His recent exhibitions include Parallel Practices: Joan Jonas & Gina Pane, which explored commonalities and divergences in the work of two foundational performance artists who created works in diverse media, and LaToya Ruby Frazier: WITNESS, which is in the artist’s words “the story of the rise of globalization and the decline of manufacturing as told through the bodies of three generations of African American women.” He just opened Double Life with works by Jérôme Bel, Wu Tsang, and Haegue Yang at CAMH, on which his current contribution for Terremoto is built.

María Elena Ortiz is Assistant Curator at the Pérez Art Museum Miami (PAMM), where she curated At the Crossroads: Critical Film and Video from the Caribbean (2014) and the upcoming exhibition, Firelei Báez (2015). Previously, she worked as Curator of Contemporary Arts at the Sala de Arte Público Siqueiros in Mexico City, where she organized several projects including Carlos Motta, The Shape of Freedom and Rita Ponce de León: David. Ortiz has also collaborated with institutions such as New Langton Arts, San Francisco; Teorética, San Jose, Costa Rica; the Museum of Craft and Folk Art, San Francisco; and Tate Modern, London. In 2012, she curatedWherever You Roam at the Museum of Latin American Art, Long Beach. Ortiz has contributed to writing platforms such as Fluent Collaborative, Curating Now, and Dawire. She has a Masters in Curatorial Practice from the California College of the Arts. In 2014, she was the recipient of the Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) and Independent Curators International (ICI) Travel Award for Central America and the Caribbean. As part of this research, Ortiz will be presenting an upcoming screening program titled, Video Islands at the Anthology Film Archive in New York.

Colaboradores edición 11

Lorena Peña Brito (Ciudad de México, 1978) tiene estudios en Artes Visuales (UdeG), Crítica de Arte, Gestión Curatorial; y es maestrante en Teoría Crítica por el 17 Instituto de Estudios Críticos. Fue miembro del Colectivo de Acción y Creación Artística (C.A.C.A.) y co-fundadora del proyecto alternativo de arte contemporáneo Clemente Jacqs Laboratorio. Coordinó el área de curaduría en el Instituto Cultural Cabañas, así como diversos proyectos desde el Área de Planeación de la Dirección General de Cultura de Guadalajara. Fue miembro de la organización no lucrativa Aires de Occidente (AC) dirigida a la discusión del arte contemporáneo y procesos creativos. Ha escrito textos para diversas exposiciones en Guadalajara y su trabajo ha sido publicado en distintas revistas a nivel nacional. Ha sido consejera de MURA, LAJM y Mural, Reforma; y fue jurado de PECDA Jalisco, del que también ha sido tutora en las disciplinas de Artes Visuales e Interdisciplina. Trabajó como profesional independiente para diversos proyectos, entre otros: Diagonal Escuela Libre (miembro del comité organizador) y recientemente ha realizado proyectos curatoriales para el Museo de la Ciudad, la Feria Internacional del Libro, y la Secretaría de Cultura, Jalisco. Ha obtenido las becas PECDA Jalisco, PAC y Fundación Bancomer por PAOS GDL, y FONCA Proyectos Especiales y Acción Cultural Española por el proyecto Abierto-Abierto. Actualmente es directora de PAOS GDL: Museo Taller José Clemente Orozco. Vive y trabaja en la ciudad de Guadalajara.

Daniel Garza Usabiaga tiene un Doctorado en Historia del Arte y Teoría de la Universidad de Essex (Reino Unido) y un puesto Postdoctoral en el Instituto de Investigaciones Estéticas, UNAM (Ciudad de México). Fue curador del Museo de Arte Moderno y Curador en Jefe del Museo Universitario del Chopo en la Ciudad de México. Es autor de Mathias Goeritz y la arquitectura emocional. Una revisión crítica 1952-1968 (Vanilla Planifolia, 2012). Actualmente es curador y académico independiente.

Willy Kautz (São Paulo, 1975) es curador de arte contemporáneo. Actualmente es director artístico de la XIII Bienal FEMSA, Nunca fuimos contemporáneos. Fue director artístico del Programa Curatorial de la XII Bienal FEMSA Poéticas del decrecimiento; y curador senior del Museo Tamayo Arte Contemporáneo (2012-2013), periodo en que realizó las exposiciones: Hay más rutas que la nuestra, Matt Mullican; That World/Ese mundo, y Erick Beltrán. Atlas Eidolon. Fue Jefe de Artes Visuales de la Casa del Lago Juan José Arreola (2010-2011); curador de Casa Vecina (2010); y Curador Asociado del Museo Tamayo Arte Contemporáneo (2001-2005). Entre sus principales exposiciones destacan: Cuasi-corpus. Arte concreto y neoconcreto de Brasil (2002); Gordon Matta-Clark: proyectos Anarquitectónicos (2003); Mira Schendel. Continuum amorfo (2004), en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo; Yo uso perfume para ocupar más espacio, en el Museo de Arte Carrillo Gil (2009); Pobre Artista Rico. El valor estético en transacción, en la Casa del Lago Juan José Arreola (2012); Tropicalia Negra, en el Museo Experimental El Eco (2013); José Luis Sánchez Rull, Cementerio Radioactivo. ¡Los humanos matan, la carne habla!, en el Museo Universitario del Chopo (2014); Gabriel de la Mora. Lo que no vemos lo que nos mira, en el Museo Amparo (2014-2015); Post neo mexicanismos, en ESPAC, Ciudad de México, Capilla de las Artes, Puebla, Centro de las Artes, Monterrey y San Agustín, Zacatecas (2016 – 2017); Formasobrefondo, en Proyectos Monclova (2017). Vive y trabaja en la Ciudad de México.

Víctor Palacios Armendáriz (Ciudad de México, 1973) Es historiador del arte por la Universidad Iberoamericana. Desde el año 2012 es Jefe de Artes Visuales de la Casa del Lago Juan José Arreola de la UNAM. En esta institución ha participado en exposiciones colaborativas como: Los comedores de loto, Diógenes y los perros, Un ensayo sobre el ocio, Preludios de una reubicación I, Una rosa tiene forma de una rosa y Oficios e instintos. Realizó el Curatorial Programe en De Appel Arts Centre, Ámsterdam, Holanda. Ha trabajado como asistente curatorial en el Museo Tamayo Arte Contemporáneo y en la Sala de Arte Público Siqueiros. Fue Curador en Jefe del Museo de Arte Carrillo Gil y curador del Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Ha sido profesor de asignatura de la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y ha sido colaborador de revistas como Caín, Art Nexus, GasTV, Código, entre otras.

Ana Paula Lopes se graduó de la carrera de Arte: História, Crítica y Curaduría en la Pontifícia Universidad Católica de São Paulo, PUCSP. Investigadora sobre la curaduría de la esfera latinoamericana, ha realizado investigaciones como Jovem Arte Contemporânea, exposición de 1972 en el Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de São Paulo, MAC-USP; 1.000 m² em 84 Lotes: uma curadoria experimental, investigación enfocada en el profesor y curador Cauê Alves. Trabajó como pedagoga en la Bienal de Arte de São Paulo, A Iminência das Poéticas, Sesc, y en la muestra Made by… Feito. Ha trabajado en galerías como White Cube São Paulo, Mendes Wood DM y actualmente en la Galería Jaqueline Martins.

Natalia Valencia (Bogotá, 1984) es curadora independiente con sede en la Ciudad de México. Ha colaborado con instituciones como el Museo de Arte Moderno (MAMM) en Medellín, L’appartement 22 en Rabat, el Museo CAPC en Burdeos, el Palais de Tokyo en París, Proyectos Ultravioleta en Guatemala, AIT en Tokio, entre otros. Es ex editora de la revista Terremoto en México y trabajó como investigadora de arte latinoamericano en el Centro Pompidou de París en 2013.

Carolina Ponce de León es investigadora de arte, gestora y curadora independiente. Vive y trabaja en Bogotá.

Diego del Valle Ríos (Ciudad de México, 1990) es gestor cultural y escritor independiente. En Guadalajara ha trabajado en Arena México Arte Contemporáneo, el Taller Mexicano de Gobelinos, Páramo y la Colección Diéresis, así como con Spinello Projects en Miami. Del 2013 al 2015 fue co-director de Trama Centro (Guadalajara). Actualmente funge como editor de Terremoto.

Dorothée Dupuis (París, 1980) es curadora, escritora y editora francesa con sede en la Ciudad de México desde 2012. Es fundadora y directora de la revista Terremoto. Feminista dedicada, la práctica curatorial y los escritos de Dupuis buscan exponer, cuestionar y desafiar las estructuras de poder en el campo del arte. En México, fue curadora de exposiciones y proyectos en Lodos (Ciudad de México), Parallel Oaxaca (Oaxaca), IFAL Casa de Francia (Ciudad de México), PAOS (Guadalajara) y ediciones SQUASH (Ciudad de México). Es Curadora Asociada del Festival de Artes Visuales del Lille 3000 en Francia, que se celebrará en 2019. Es colaboradora habitual de Frieze (Reino Unido), Flash Art (IT) y Crash (FR). En México su escritura ha aparecido en Terremoto, Harper’s Bazaar, I-D, Vice y ANIMAL.

Carla Stellweg es una latinoamericanista que ha trabajado como directora de museos y espacios sin fines de lucro, escritora y editora, curadora y profesora. Es considerada una promotora y facilitadora pionera en el campo del arte contemporáneo internacional de América Latina. Fundadora y editora de la primera revista vanguardista bilingüe en México sobre arte contemporáneo, Artes Visuales. En 1979, fue galardonada con un Critic in Residence del National Endowment for the Arts en el Instituto de Arte de Los Ángeles (LAICA), precursor del actual MOCA Los Angeles, donde editó el primer número sobre arte latinoamericano y latino en el Diario de LAICA. Ha sido galardonada con una beca Rockefeller en Humanidades en la Universidad de Texas. En 1998 se convirtió en Directora Ejecutiva y Curadora de Blue Star Contemporary Art en San Antonio, TX. Recientemente fue consultora y autora de un ensayo para el catálogo “Radical Women: Latin American Artists 1960-1985”. En 2010, la Biblioteca de la Universidad de Stanford – Special Collections compró el archivo de 40 años de la Sra. Stellweg basado en el criterio de haber desempeñado un papel pionero en la promoción de artistas latinos y latinoamericanos. Cada 5 años, el archivo se actualiza con otras actividades. Su archivo de material efímero, libros de artista, arte postal y peculiares portafolios fue comprado por el archivo y biblioteca latinoamericanos del MoMA en 2015. Ha sido profesora en el Departamento de Estudios Críticos Visuales e Historia del Arte en la Escuela de Artes Visuales, Nueva York desde 2005 donde enseña ¿Qué es el arte latinoamericano y latino? También es profesora visitante ocasional para programas como SOMA, Ciudad de México, los Estudios de Posgrado de la UNAM (Universidad Autónoma Nacional de México, CDMX, Instituto de Investigaciones Estéticas, Facultad de Filosofía y Letras) y el Tecnológico de Monterrey, México. La Sra. Stellweg participa con frecuencia en simposios en torno al arte latinoamericano y latino tanto en los Estados Unidos como en América Latina.

Maya Juracán es historiadora y curadora independiente. Tiene un interés en los diálogos con el arte socialmente comprometido. Incorpora conocimiento de la historia y pedagogía dentro de prácticas curatoriales. Sus trabajos incluyen: Marilyn Boror, Nos/Otros, Centro Cultural Municipal; Ullf Anner, Y desde siempre fuimos hacia la vida, proyecto de fotografía de archivo con la Embajada Sueca y Museo de la Memoria; Para que no vuelva a pasar, proyecto de fotografía documental de las mujeres de Sepur Zarco, en el Museo de la Memoria; Anna Maria Angelucci, Proyecto O, Instituto Italiano y Fundación Paiz. También se desempeña como pedagoga en proyectos de acción social y artivismo, con el Programa de Acción Joven. Ha escrito críticas de arte en el diario La Hora, Guatemala. Estudió Profesorado en Lengua Literatura y Licenciatura en Historia y Ciencias Sociales, así como Gestión Cultural en la Universidad Francisco Marroquin y el New York Foundation of Art. Tomó el curso Art & Activity: Interactive Strategies for Engaging with Art del Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA). Ha sido invitada a diversos encuentros, foros y conversatorios sobre arte contemporáneo, prácticas curatoriales y procesos creativos de diversos artistas en España y Guatemala. También se desempeñó como directora y coordinadora en fundaciones de arte como Fundación Yaxs y Fundación Paiz. En el 2018 es invitada a la residencia artística “La Ira de Dios” en Buenos Aires, Argentina.

James McAnally es el cofundador y curador de The Luminary, un foro de investigación artística y experimentación con sede en St. Louis, MO. McAnally es también co-fundador y editor de Temporary Art Review, una plataforma internacional de crítica de arte contemporáneo que se enfoca en espacios alternativos y dirigidos por artistas. En su práctica artística, él trabaja como parte de la colaborativa US English y es recipiente de Creative Capital | Beca de Warhol Foundation Arts Writers para escritura de forma abreviada.

Stephanie Elyse Sherman es directora, productora, diseñadora, curadora, escritora y estratega especializada en sistemas colaborativos. Trabajando en diseño, arte y cultura, sus proyectos toman forma como organizaciones, historias y estrategias que transforman sitios y escenarios de consumo en plataformas para la coproducción. Es cofundadora de Elsewhere, un museo viviente y residencia localizada en una antigua tienda de segunda mano; así como de Common Field, una red nacional de organizaciones de artistas; y actualmente coproductora de radioee.net, una estación de radio nómada y multilingüe en línea. También es candidata a doctorado en Arte + Diseño en la Universidad de California en San Diego, donde escribe sobre la intersección del diseño social y especulativo. Stephanie tiene una Maestría en Filosofía por parte de Duke y una Licenciatura en Literatura por parte de la Universidad de Pensilvania. Sus proyectos han sido apoyados por la Fundación Andy Warhol para las Artes Visuales, la Fundación Nacional para las Artes, la Open Society Foundation, y muchos otros. Ella nació en Nueva Orleans, viaja incesantemente, y actualmente llama a Londres su hogar.

Nicole Smythe-Johnson es escritora y curadora independiente con sede en Kingston, Jamaica. Ha escrito para la revista ARCMiami Rail, Flash Art, Jamaica Journal y varias otras publicaciones locales e internacionales. Más recientemente, fue curadora asistente en Neither Day Nor Night (2017), una exposición de la obra del pintor jamaiquino John Dunkley en el Pérez Art Museum en Miami.
Actualmente es editora de Caribbean Quarterly, la revista insignia de la Universidad de las Indias Occidentales.

Juliana Dos Santos estudió Artes Visuales y la maestría en Arte y Educación en el Instituto de Artes del Estado de São Paulo (UNESP). Ella ha estado desarrollando investigaciones sobre el arte y la cultura afrobrasileña junto con la valorización de artistas negros y la estética afro-diaspórica. Ha trabajado como educadora de arte en el Museo Afro Brasil, donde desarrolló actividades educativas. Ha tenido experiencia con algunos de los grupos de investigación en manifestaciones tradicionales y populares de matrices africanas de danza y musicalidad afrobrasileña. Dos Santos ha participado en exhibiciones y residencias nacionales e internacionales con video-performances, performances, fotografía, instalación e intervención urbana, entre otros lenguajes artísticos. La poética de sus obras abarca desde las reflexiones de género, raza y clase hasta la investigación de las artes visuales más formales y elementos relacionales como la mediación y las intervenciones en el espacio público.

Adriano Pedrosa es curador independiente, escritor y editor. Actualmente es curador en el Museu de Arte de São Paulo. Se ha desempeñado como curador adjunto y editor de publicaciones de la 24° Bienal de São Paulo (1998), curador encargado de exposiciones y acervo en el Museu de Arte da Pampulha, Belo Horizonte (2000-03), co-curador y co-editor de publicaciones de la 27° Bienal de São Paulo (2006), curador de InSite_05 (San Diego Museum of Art, Centro Cultural Tijuana, 2005), director artístico de la 2da Trienal de San Juan (2009), curador del 31° Panorama da Arte Brasileira—Mamõyaguara opá mamõ pupé (Museu de Arte Moderna, São Paulo, 2009), co-curador de la 12° Bienal de Estambul, y curador del pabellón de São Paulo en la 9° Bienal de Shanghái (2012). Otras exposiciones incluyen F[r]icciones (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid, 1999); Desenhos: A-Z (Museu da Cidade, Lisboa, 2008); The Traveling Show y El gabinete blanco (Colección Fundación Jumex, México, CDMX, 2010); Conversations in Amman (Darat Al Funun, The Khalid Shoman Foundation, 2013); artevida (Casa França Brasil, Museu de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Escola de Artes Visuais e Cavalariças do Parque Lage, Biblioteca Parque Estadual, Río de Janeiro, 2014); e Histórias Mestiças (Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, 2014).

Nicolás Cuello (1989) es Profesor en Historia de las Artes por la Universidad Nacional de la Plata. Allí mismo cursó la Maestría en Estética y Teoría de las Artes. Es secretario de la Cátedra Libre de Políticas Sexuales en la misma institución. Se desempeña como JTP en la Universidad Nacional de las Artes. Es integrante del proyecto de investigación “Genealogías críticas de las desobediencias sexuales desde el sur” dirigido por Fernando Davis en el LABIAL (FBA-UNLP). Actualmente se desempeña como Becario Doctoral del CONICET bajo la dirección de Ana Longoni y cursa el doctorado en Ciencias Sociales en la Universidad Nacional de Buenos Aires con el proyecto “Visualidades críticas: activismos artísticos y políticas sexuales en Argentina (1997-2012)”, radicado en el Instituto de Investigaciones “Gino Germani” (UBA). Es miembro del Programa de Memorias Políticas Feministas y Sexogenéricas del CeDInCI/UNSAM.

 


 

Colaboradores edición 10

Pilar Tompkins Rivas es la directora del Vincent Price Art Museum (VPAM) en la Universidad del Este de Los Ángeles. Previamente, fue coordinadora de iniciativas curatoriales en Los Angeles County Museum of Art (LACMA) y directora del programa de residencias en 18th Street Arts Center. Especializada en arte contemporáneo latinoamericano y latino estadounidense, ha sido una profesional de las artes desde 2002 y ha organizado una docena de exhibiciones a lo largo de Estados Unidos, Colombia, Egipto, Francia y México. Es co-curadora de la muestra Home – So Different, So Appealing y A Universal History of Infamy en el LACMA; L.A. Xicano en el LACMA, en el Fowler Museum y el Autry National Center; y Vexing: Female Voices from East L.A. Punk en el Claremont Museum of Art. Así mismo es curadora de las exposiciones Tastemakers & Earthshakers: Notes from Los Angeles Youth Culture, 1943-2016 y A Decolonial Atlas: Strategies in Contemporary Art of the Americas en el VPAM, así como de la exhibición Civic Virtue: The Impact of the Los Angeles Municipal Art Gallery and the Watts Towers Arts Center para la ciudad de Los Ángeles.

Iván Argote (1983) es un artista colombiano que vive y trabaja en París. Argote se ocupa de la forma en que el hombre se relaciona con los múltiples cambios que se producen diariamente en los terrenos históricos, económicos, políticos y morales. Su objetivo es cuestionar el papel de la subjetividad en la revisión de estos conceptos. Argote involucra el cuerpo y las emociones en la construcción de su pensamiento, y desarrolla métodos para generar reflexión sobre la forma en que construimos la certeza en relación con la política y la historia. Mediante la creación de intervenciones y actuaciones para el espacio público, que a veces se desarrollan en el formato de las películas e instalaciones, el artista explora la ciudad como un espacio de transformación.

Sandra de la Loza. Su trabajo examina la dinámica de poder subyacente incrustada en el espacio social a menudo basándose en una extensa investigación de archivos y en la movilización de redes comunitarias. Es la fundadora de Pocho Research Society (PRS) (2002), un proyecto que explora la elasticidad del artefacto y los aspectos míticos de la “Historia” a través de estrategias conceptuales, performativas, sociales y estéticas que resultan en instalaciones multi-media, video, trabajo fotográfico, participación social, publicaciones e intervenciones públicas. Los esfuerzos para co-generar espacios autónomos para la producción artística, la acción comunitaria y el diálogo crítico han dado lugar a la ejecución colectiva de centros comunitarios, espacios pedagógicos y eventos multidisciplinarios como October Surprise (2004), Arts in Action (2000-2004), Decolonize LA (2016) y At Land’s Edge (2016-2017). Actualmente, De la Loza colabora con North East Alliance para emplear estrategias creativas para movilizar a los residentes y desplazar el debate alrededor de la gentrificación.

Rafa Esparza nació, se crió y vive actualmente en Los Ángeles. Esparza es un artista multidisciplinar. Su obra se extiende desde la instalación, la escultura hasta el dibujo, la pintura; y predominantemente el performance en vivo. Tejido en el cuerpo de obra de Esparza se encuentran su interés en la historia, las narrativas personales y el parentesco. Está inspirado en su propia relación con la colonización y las genealogías interrumpidas que surgen como resultado de la misma. Esparza ha hecho performance en una variedad de espacios que van desde lugares comprometidos con la comunidad como AIDS Project Los Angeles, hasta galerías como Los Angeles Contemporary Exhibitions, Highways Performance Space, REDCAT, Human Resources, SOMArts y más recientemente sitios públicos en toda la ciudad de L.A.

Sam Durant (1961, Seattle) es un artista multimedia cuyas obras entablan una variedad de temas sociales, políticos y culturales. A menudo haciendo referencia a la historia estadounidense, su trabajo explora las diferentes relaciones entre cultura y política, involucrando temas tan diversos como el movimiento de derechos civiles, la música rock sureña y el modernismo. Su trabajo ha sido ampliamente expuesto internacionalmente y en los Estados Unidos. Ha tenido exposiciones individuales en el Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles; Kunstverein für die Rheinlande und Westfalen, Dusseldorf; s.m.a.k, Gante, Bélgica; y la Govett-Brewster Art Gallery de Nueva Zelanda. Su trabajo ha sido incluido en las Bienales de Panamá, Sydney, Venecia y Whitney. Durant muestra con varias galerías, incluyendo Blum & Poe en Los Ángeles, Galería Paula Cooper en Nueva York, Praz-Delavallade en París y Galería Sadie Coles en Londres. Durant enseña arte en el Instituto de las Artes de California en Valencia, California.

Nadinne Canto Novoa (Chile). Investigadora y docente universitario. Licenciada en Teoría e Historia del Arte y doctorando en Estética de la Universidad de Chile. Ha publicado artículos sobre arte, política y cultura contemporánea y ha realizado curadurías. Como artista ha participado en exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo y la Bienal de Artes Mediales en Santiago, la feria arteBA, la Fundación Proa en Buenos Aires y en la Bienal de Fotografía Documental en Tucumán. Actualmente dirige el proyecto de visualización de datos Cartografía de la Movilización Estudiantil financiado por el Consejo Nacional de la Cultura y las Artes.

Carribean Fragoza es una escritora y artista del sur de El Monte, CA. Ha publicado ficción y poesía en publicaciones como Palabra Literary Magazine, Emohippus, BOMB Magazine y Huizache Magazine. Sus ensayos y reseñas de arte/cultura han sido publicados en revistas nacionales e internacionales en línea, tales como Letras Libres, Culture Strike, Los Angeles Review of Books y Tropics of Meta. Es graduada del Programa de Escritura de la Maestría de UCLA y CalArts. Es fundadora y codirectora de South El Monte Art Posse (SEMAP), un colectivo de arte multidisciplinario. SEMAP actualmente dirige una columna en KCET Departures sobre el Valle de San Gabriel, llamada “East of East.”

Raquel Gutiérrez es actriz de largometrajes, curadora, editora (Econo Textual Objects, establecida en 2014), dramaturga, gestora cultural y organizadora comunitaria. Escribe sobre arte, cultura, música, cine, performance y construcción comunitaria y crea composiciones performáticas solistas y grupales. Ha presentado su trabajo de poesía, prosa y ensayo localmente, nacionalmente e internacionalmente. Gutiérrez obtuvo su maestría en Estudios Performáticos por parte de la Universidad de Nueva York en 2004. Ha escrito ensayos para catálogos monográficos de los artistas Héctor Silva, Shizu Saldamando, Wu Tsang y Rafa Esparza.

Laura Aguilar (n. 1959) es una fotógrafa estadounidense nacida y criada en el Valle de San Gabriel. Estudió fotografía en la Universidad del Este de Los Ángeles y por más de treinta años ha mostrado su trabajo extensamente. Entre 1993 y 2005, fue incluida en más de cincuenta exposiciones, entre las que destacan la Bienal de Venecia, Aperto 93, la Galería Internacional del Instituto Smithsonian en Washington D.C., y el Centro de Fotografía Internacional en la ciudad de Nueva York.

Guadalupe Rosales es artista y archivista con sede en Los Ángeles. Rosales es fundadora de Veteranas and Rucas y Map Pointz, ambos archivos digitales encontrados en Instagram. Ha dado conferencias en varias instituciones como UCLA, The New Museum, la Universidad de Nueva York y The Graduate Center en Nueva York. El año pasado, Rosales se hizo cargo de los medios de comunicación social de The New Yorker durante una semana y fue una de las mejoras nominales del año. Tiene un proyecto en curso para el desarrollo de un archivo de fotografías, objetos y cosas efímeras relacionadas con la escena de las fiestas de los 90 del grupo Los Angeles Latinx. Conservando artefactos y recuerdos, el trabajo de Rosales deconstruye y replantea las historias marginadas, ofreciendo plataformas de conversación y agencias de auto-representación. Guadalupe está haciendo una residencia a través del instagram del LACMA.

Matt Stromberg es un escritor freelance sobre arte radicado en Los Ángeles. Además de Terremoto, ha contribuido para Contemporary Art Review Los Angeles, The Guardian, LA Weekly, KCET Artbound, Hyperallergic, Artsy, Frieze, y Daily Serving. Ha escrito varios ensayos para catálogos así como los perfiles de artista para el libro LA Artland (2005).

Daniel Joseph Martinez. A lo largo de una carrera de cuatro décadas, Daniel Joseph Martinez ha participado en un interrogatorio de las costumbres sociales, políticas y culturales a través de obras de arte. Martinez ha representado a los Estados Unidos en once bienales en todo el mundo, incluida la Bienal de Venecia, Bienal de Estambul, Bienal de Berlín, Bienal de la Ciudad de México, Bienal de Lyon, Francia, dos Bienales de Whitney, Bienal de El Cairo, además de dos proyectos internacionales del Departamento de Estado de los Estados Unidos. Martinez ha recibido tres becas de artistas de la Fundación Nacional para las Artes, una beca del Getty Center, un Premio Alpert en las Artes y una beca de la Fundación Pollock-Krasner. Recientemente, Martinez recibió el premio de la Fundación de Arte Cisneros Fontanals Art en el 15º Programa Anual de Subvenciones y Comisiones y el prestigioso honor de recibir la beca de la Academia Americana en Berlín, Alemania (Premio Berlín) en 2016. Comprometido con organizaciones de base, Martinez fue cofundador de Deep River y LA><Art, ambas en Los Ángeles. Martinez es profesor de teoría, práctica y mediación de arte contemporáneo en el Departamento de Arte de la Universidad de California en Irvine; enseña en el Programa de Estudios de Posgrado, Área de Nuevos Géneros y Estudios Críticos y Curatoriales. Vive y trabaja en el distrito de Crenshaw en el sur de Los Ángeles.

André Sztutman (n. São Paulo, 1986). Músico y artista plástico. Tiene un Licenciatura en Artes Visuales por parte de la FAAP (Fundação Armando Álvares Penteado). Ha estudiado con Osmar Pinheiro, Rubens Espírito Santo, Evandro Carlos Jardim, Laura Vinci y Peter Pal Palbert, entre otros. Actualmente cursa la Maestría Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas en la Universidad Nacional de Colombia. Ha participado en exposiciones colectivas como Nova Arte Nova, Centro Cultural Banco do Brasil (2009); Premio Energias da Arte, Instituto Tomie Ohtake (2009); y Conversas, Rearranjos e Fósseis en Projeto Coletor (2014). Entre sus proyectos individuales destacan la exposición Pinturas, en la galería Warm, São Paulo (2015), así como las residencias artísticas en el ISA, Instituto Superior de Arte de Habana, Cuba (2016), y el Quarto Andar, en Coletiva Saara, Río de Janeiro (2013). Vive y trabaja en Bogotá, Colombia.

Lucas Rehnman es un artista e investigador brasileño nacido en São Paulo, Brasil. Después de completar en 2016 su Maestría en Arte en Esferas Públicas en el École Cantonale d’Art du Valais (Sierre, Suiza), su investigación y práctica evolucionó del dibujo y arte conceptual a la reflexión sobre procesos de decolonización, democracia y estrategias de transmisión oral y escrita. Es un miembro del colectivo sonoro brasileño EPICAC Tropical Banda y trabaja como asesor de arte y profesor independiente.

Entre (entre.uy) es un espacio para la discusión, la investigación, la formación, la creación, la acción, la divulgación y el encuentro entre mundos como el arte, la técnica, la academia y la militancia para poner en común y en fricción sus lógicas, potenciándose mutuamente.

Edgar Alejandro Hernández (Ciudad de México, 1977) es periodista, investigador, curador y crítico de arte. Licenciado en Ciencias de la Comunicación por la UNAM. Coautor de los libros Sin límites. Arte contemporáneo en la Ciudad de México 2000-2010 (2013) y Déjà vu. Celda Contemporánea 2004/2007 (2014). Editor y compilador del libro Abuso mutuo. Ensayos e intervenciones sobre arte postmexicano 1992-2013 (2017), de Cuauhtémoc Medina. Curador de las exposiciones Miasma (2017), de Yoshua Okón; y Museo Guggenheim Aguascalientes (2015-2016), de Rolando López. Co-curador de la muestra Aquatania. Parte I (2016), de Cristóbal Gracia; y coproductor de la película El No-Me-Mires (2015), de Carlos Amorales. Ha escrito sobre arte contemporáneo en los periódicos El Universal, Reforma y Excélsior, para la Agencia Alemana de Prensa (DPA), así como en las revistas Código, Vice, Ramona (Argentina) y Forbes. Actualmente es editor de la sección cultural del periódico Excélsior y director de la Promotora Cultural Cubo Blanco.

Rolando López (Aguascalientes, 1978) es artista, licenciado en diseño gráfico y maestro en ciencias sociales por la Universidad Autónoma de Aguascalientes. Recientemente obtuvo el premio que otorga KADIST (Artist Circle Award/Summer 2017) destinado a jóvenes promesas del arte contemporáneo. Ha realizado las residencias de producción artística en la EESI École Européenne Supérieure de L’image/Angouleme, Francia; y en Artpace/San Antonio, Texas, Estados Unidos. (2017). Desde 2014 hasta la fecha ha desarrollado el proyecto “Museo Guggenheim Aguascalientes”, dentro del cual ha jugado varias facetas como artista, historiador, antropólogo, coordinador, curador, investigador, inventor y museógrafo. Dicho proyecto ha sido exhibido en la Ciudad de México (2015), en Querétaro (2016) y en San Antonio, EUA. Ha participado en varias exposiciones colectivas e individuales, así como en eventos de arte sonoro (Festival Aural 2016). Es miembro fundador de La Agencia A.C. organización que tiene por objetivo investigar a profundidad sobre el sistema del arte de su localidad. Es egresado de la primera generación del proyecto educativo SOMA (México D.F., 2013). Ha sido becario estatal (2011-2013) y nacional (2007-2012) para el desarrollo de la cultura y las artes en el área de artes visuales (medios alternativos).

Daniela Lieja Quintanar es una curadora radicada en Los Ángeles cuyos intereses de investigación incluyen arte contemporáneo y prácticas curatoriales que exploran las cuestiones políticas y sociales de la vida cotidiana. Actualmente es Coordinadora de Proyectos y Asesora Curatorial Contribuyente para la próxima exposición y publicación Below the Underground: Renegade Art and Action in the 1990s Mexico en el Armory Center for the Arts de Pasadena, como parte de PST LA/LA. Trabajó recientemente con la artista Teresa Margolles, como coordinadora de proyectos de arte, por su contribución a la Bienal de Arte Público CURRENT: LA Water. Además, fue asistente de investigación en el proyecto Urban Transfer(s): Building the Latin American Metropolis from Independence to the Threshold of Modernism. Lieja tiene un licenciatura en Ciencias de la Cultura por parte de la Universidad del Claustro de Sor Juana, Ciudad de México, y una Maestría en Arte y Prácticas Curatoriales en la Esfera Pública de la USC.

Juan Capistrán (Guadalajara, México) vive y trabaja en Los Ángeles, CA. Cuenta con una licenciatura por parte del Otis College of Art and Design (1999) y una maestría por parte de la Universidad de California en Irvine (2002). Su obra ha sido exhibida a nivel nacional e internacional, incluyendo el Museo del Bronx, Bronx, NY; Los Angeles County Museum of Art, Los Ángeles; Museo Tamayo, Ciudad de México; Chisenhale Gallery, Londres; The Hammer Museum, Los Ángeles; y kurimanzutto, Ciudad de México. En 2016, Juan Capistrán y Hazel Mandujano inauguraron Mandujano/Cell, un espacio contemporáneo de proyectos de arte visual que trabaja con artistas locales, nacionales e internacionales en exposiciones y publicaciones.

Jimena Sarno es artista multidisciplinar y gestora. Ella trabaja a través de una gama de medios incluyendo la instalación, el sonido, el video, el texto y la escultura. Nacida en Buenos Aires, Argentina, actualmente vive en Los Ángeles, su experiencia como inmigrante sudamericana es parte de su práctica. Es organizadora del Analog Dissent, una reunión de discusión mensual que fomenta los enfoques interseccionales y está dirigida a los artistas radicales/inmigrantes/POC/queer y pensadores para involucrarse críticamente fuera de las instituciones tradicionales de arte, la escuela, las inauguraciones en galerías y lo más importante, fuera de las redes sociales. Su trabajo ha sido expuesto en LACE, The Mistake Room, Recursos Humanos, PØST, UCI Centro de Arte Contemporáneo, Control Room, The Luminary, Fellows of Contemporary Art y Grand Central Art Center, entre otros. En 2015 fue ganadora de la beca de la Fundación de la Comunidad de California para Artistas Visuales.

Nao Bustamante es una artista de renombre internacional, residente en Los Ángeles, California. El precario trabajo de Bustamante abarca arte del espectáculo, video-instalación, cine, escultura y escritura. Ha expuesto en el Instituto de Arte Contemporáneo de Londres, el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Festival Internacional de Cine de Sundance/New Frontier, el Festival Internacional de Cine de Outfest, El Museo del Barrio, Primera Bienal Internacional de Performance Deformes en Santiago, Chile, y el Museo Kiasma de Helsinki. Bustamante es parte del Instituto de Arte de San Francisco, programa New Genres y de la Escuela Skowhegen de Pintura y Escultura. Actualmente ocupa el cargo de Profesora de Arte en la USC Roski School of Art and Design. Allí, también funge como Vicedecana de Arte y Directora de la Maestría en Artes Visuales.

Virginia Lázaro Villa es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, España, donde obtuvo la beca de colaboración con el Departamento de Estética e Historia del Arte. Tras terminar sus estudios de licenciatura cursa la Maestría en Historia Visual en el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía, especializándose en Crítica de Arte. Entre otras dedicaciones profesionales ha trabajado como dramaturga, crítica de arte, redactora y editora. Fue co-directora desde 2015 de la plataforma y revista de arte contemporáneo Nosotros, en la cual participaba como redactora desde 2012. A través de su investigación teórica y su trabajo como artista, reflexiona e investiga los comportamientos iconoclastas contemporáneos, las nuevas resistencias, y las posibilidades de lo político en Internet, como nuevo espacio alternativo de presentación/representación.

Fritzia Irízar-Rojo (Culiacán, Sinaloa, 1977). Estudió pintura en la escuela de artes y oficios de la Universidad Autónoma de Sinaloa, la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en Ciudad de México y la especialidad en escultura en el Kalamazoo Institute of Arts en Michigan, EUA. Ha obtenido la beca para Jóvenes Creadores del estado de Sinaloa, México, en tres ocasiones, Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes FONCA de México en tres de sus emisiones, la beca del programa Bancomer-MACG Arte Actual 2011, la beca de residencia otorgada por el Instituto Francés en el Centre International des Recollets en 2016 y la beca de residencia en el Headlands Center for the Arts en San Francisco en 2016. Así mismo fue elegida por la comisión del CIFO Cisneros Fontanals Art Foundation de los Estados Unidos de América en su programa de premios y comisiones 2011, así como por el programa de residencias AIR-KREMS en Austria en 2013. Entre las distinciones obtenidas se encuentran: el premio internacional “Unión Latina a la Creación Joven”, el premio “Antonio Lopéz Saenz”, el Premio Estatal de Fotografía del Salón de la Plástica Sinaloense, premio de adquisición de la Bienal del Noroeste y la nominación al premio BMW Journey en 2015. Recientemente su obra formó parte de la Bienal de MERCOSUR en Brasil y ha exhibido en Alemania, Francia, España, Estados Unidos, Bélgica, Colombia, Inglaterra, entre otros.

Mario de Vega (Ciudad de México, 1979) Explorando el umbral de la percepción humana y la fisicalidad del escucha, la obra de Mario de Vega ahonda en la materialidad del sonido, la vulnerabilidad de los sistemas, los materiales y los individuos, y el potencial estético de los arreglos inestables. Ha sido artista invitado y profesor en la Universität der Künste Berlin, Internationales Musikinstitut Darmstadt, Technische Universität Berlin, École Nationale Supérieure des Beaux Arts de Paris, Centro de Diseño, Cine y Televisión, KW Institute of Contemporary Art, Laboratorio Arte Alameda, Kyushu University, Tama Art University, Universität für angewandte Kunst Wien y Harvestworks Digital Media Arts Center, entre otros. Su obra ha sido expuesta en México, Norteamérica, Chile, Sudáfrica, India, Corea del Sur, China, Rusia, Japón y Europa. Vive y trabaja en Berlín y en la Ciudad de México.

Víctor Albarracín Llanos. Escritor, curador y artista visual. Tiene un MFA en Prácticas Públicas del Otis College of Art and Design, Los Ángeles. Entre 2005 y 2009 fue coordinador del Consejo curatorial de la Fundación El Bodegón (arte contemporáneo – vida social). En 2014 fue co-fundador de Selecto–Planta Baja, Los Ángeles, CA. Ha publicado tres libros de ensayos, artículos y textos cortos, y escribe con frecuencia para publicaciones en Colombia y América Latina. Desde 1998 ha sido profesor, consultor de proyectos y jurado de distintas facultades universitarias de arte en Colombia. Ganó el Premio nacional de crítica en 2009 y la beca Fulbright-Ministerio de Cultura 2012. Actualmente es director artístico de Lugar a Dudas, en Cali, donde fundó y dirige Escuela Incierta.

Carmen Argote es una artista radicada en Los Ángeles cuyo trabajo se enfoca en la exploración de la historia personal a través de la arquitectura y los espacios que ella habita. Argote recibió su MFA por parte de la UCLA en 2007 y atendió la Escuela de Pintura y Escultura Skowhegan en 2009. Argote exhibió en el Vincent Price Museum en 2013 y en 2017 en la California Pacific Triennial: Building As Ever en The Orange County Museum of Art. Actualmente exhibe su obra como parte de la exposición Mi Tierra: Contemporary Artists Explore Place en el Museo de Arte de Denver, así como en la exposición Home–So Different, So Appealing en Los Angeles County Museum of Art como parte de la iniciativa del Getty Foundation Pacific Standard Time LA/LA. En septiembre la obra de Argote será incluída en Proyectos LA con Instituto de Visión. Su siguiente exposición individual, Pyramids, se mostrará en Panel, LA en septiembre.

Daniel Aguilar Ruvalcaba (n. 1988) Artista contemporáneo que produce imágenes, textos, objetos y otras cosas. Es miembro de Biquini Wax EPS donde monta exposiciones, pone y quita sillas, cambia el papel de baño, abre y cierra la puerta. Escribe a varias manos con el colectivo Arte y Trabajo BWEPS.

 


 

Colaboradores edición 9

Fernanda Brenner trabaja como curadora independiente y como directora artística en São Paulo. En 2012, Fernanda fundó Pivô, un espacio independiente dedicado a la investigación y exhibición del arte contemporáneo en São Paulo. Fernanda ha trabajado como directora artística del espacio desde su inauguración, en donde a lo largo de los últimos 5 años se han accionado más de 50 proyectos incluyendo exposiciones, conferencias y residencias artísticas llegando a recibir a más de 200 artistas de 15 países. Sus textos han aparecido en publicaciones tales como Frieze, Frieze Week, Artreview, Vdrome, The Exhibitionist, Artsy y Harper’s Bazaar; así mismo, es parte del consejo editorial de la revista The Exhibitionist.

Entre sus exhibiciones recientes se encuentran: So Far So Good en la galería White Cube y Neither la cual inauguró el nuevo espacio de la galería Mendes Wood DM en Bruselas. Actualmente trabaja como corresponsal curatorial para FRONT (Cleveland Triennial), curada por Jens Hoffman y Michele Grabner a inaugurarse en el 2018.

Tiago Carneiro da Cunha nació en São Paulo en 1973 y vive actualmente en Río de Janeiro. Fue galardonado en 1998 con la beca Apartes/Capes del Gobierno Brasileño para estudiar un posgrado en Artes Visuales en Goldsmiths College, Londres. Fue asesorado por Chapman Brothers, Pierre Bismuth y Liam Gillick, entre otros. Desde entonces, ha tenido exposiciones individuales en la Galería Fortes Vilaça (São Paulo), Kate Macgarry Gallery (Londres) y Misako&Rosen Gallery (Tokyo); así mismo, ha formado parte de múltiples exposiciones grupales en galerías y museos alrededor del mundo. Exhibiciones recientes incluyen la 30ª Bienal de São Paulo (2012), Bienal Naïfs do Brasil 2016 (SESC, 2016), Prospect 2013 (Museum of Contemporary Art San Diego, EE.UU., 2013) y New Work: Tiago Carneiro da Cunha and Klara Kristalova (San Francisco Museum of Modern Art – SFMoma, 2010). Fue artista invitado en la Universidad de las Artes, Filadelfia, en 2009 y orador invitado al programa de charlas  de Capacete/São Paulo Bienal en 2010. Su trabajo forma parte de colecciones públicas y privadas tales como Coleção Gilberto Chateaubriand (Museu de Arte Moderna, Río de Janeiro), Saatchi Collection (RU), y Thyssen-Bornemissa TB21 (Austria).

Hank Willis Thomas (Nueva York) es un artista conceptual que trabaja con ideas de identidad, historia y raza apropiándose del lenguaje y las imágenes de los movimientos de la Guerra civil y cambiando su significado para exponer estereotipos. Willis Thomas ha expandido su práctica más allá de la producción de arte para exponer divisiones culturales en nuestra sociedad. Tiene dos maestrías por parte del California College of the Arts y una licenciatura por parte de la Universidad de Nueva York.

Modou Dieng (Portland, Oregon) nació en Saint-Louis, Senegal, cerca de la ciudad capital de Dakar, donde estudió arte. Ha vivido en Estados Unidos desde hace alrededor de una década, trabajando como artista, curador y educador. Sus pinturas de técnica mixta tratan sobre hibridación y el poder simbólico y mitológico de los íconos de la cultura pop. Tiene una maestría por parte del San Francisco Art Institute y es profesor adjunto en el Pacific NW College of Art.

Devon Van Houten Maldonado (Ciudad de México) es un periodista independiente y crítico enfocado en escribir sobre pluralismo y multiplicidad en la cultura contemporánea. Ha trabajado en años recientes en crear un diálogo y red entre Latinoamérica y los Estados Unidos. V.H. Maldonado ha colaborado con publicaciones en Europa, Estados Unidos y México. Tiene una licenciatura por parte del Pacific NW College of Art.

Pedro de Niemeyer Cesarino es profesor de antropología en la Universidad de São Paulo y autor de Oniska – poética do xamanismo na Amazônia (Perspectiva, 2011), Rio acima (Companhia das Letras, 2016), entre otros libros y artículos.

Carolina Castro Jorquera (n. 1982, San Felipe, Chile) es curadora e investigadora, vive y trabaja en Chile. Es Doctora en Historia del Arte por parte de la Universidad Autónoma de Madrid. Sus intereses están enmarcados por las relaciones que es capaz de establecer el arte con otras disciplinas como la ciencia y la mística, así como también con las diferentes dimensiones de la consciencia humana y su rol en la construcción de la historia y del presente. Ha cursado el Master en Arte Contemporáneo y Cultura Visual del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en España (2010) y participado del 4to Curso Internacional de Curadores de la Bienal de Gwangju (GBICC), Korea del Sur (2012). Escribe regularmente en su blog y colabora con revistas de arte contemporáneo como Artishock, The Miami Rail y LatinxSpaces. Ocasionalmente ha escrito para la web de la Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC). Sus proyectos curatoriales implican largas investigaciones y la comisión de obras de sitio específico, actualmente prepara proyectos con los artistas François Bucher (Colombia), Deniz Gul (Turquía) y Maria Ignacia Edwards (Chile). Es curadora de PLANTA, la sección de espacios independientes latinoamericanos en feria Ch.ACO, Santiago de Chile,  y miembro del equipo curatorial de la residencia Calor Calor en Baja California Sur, México.

Cecilia Vicuña (n. 1948, Santiado, Chile) es poeta, artista visual y performática y cineasta cuyo trabajo multidisciplinario y multi-dimensional acerca el arte con la vida, con lo ancestral y con el avant-garde. Autora de más de una docena de libros de poesía, su libro más reciente incluye Spit Temple: Oral Performances of Cecilia Vicuña (Ugly Duckling Presse, 2012), Chanccani Quipu (Granary Books, 2012) y Sabor a Mí (Chain Links, 2011). También co-editó The Oxford Book of Latin American Poetry y es co-fundadora de oysi.org, un sitio web para las culturas orales y la poesía del mundo. Exhibida extensamente de forma internacional, su trabajo es parte de las colecciones del Tate Gallery en Londres, Museo de Arte Contemporáneo de Chile en Santiago y el Museo de Arte Moderno en Nueva York, entre otros. Este año, además de su exposición individual en The Contemporary Arts Center, Nueva Orleans, Vicuña formará parte de Documenta 14, tanto en Atenas como en Kassel, Alemania. Es representada por la galería England & Co. en Londres.

Gabriel Mejía Abad es artista plástico residente en la ciudad de Bogotá, Colombia. Ha sido fundador y curador de espacios de arte contemporáneo en la misma ciudad como El Bodegón y Miami. Gran parte de su trabajo está dedicado a la escritura y en la actualidad es director y editor de la Editorial Salvaje.

Marilia Loureiro (São Paulo, 1988), formada en Relaciones Internacionales en São Paulo, estudió parte de su carrera en la Sciences-Po Paris y obtuvo su título de maestría en el Programa de Estudios Independientes (PEI) del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (MACBA). Ha trabajado en la 29ª Bienal de São Paulo y en los equipos curatoriales del Museu de Arte Moderna de São Paulo (MAM-SP) y del Museu de Arte de São Paulo (MASP). También ha actuado como residente e investigadora en espacios independientes, como el Ateliê397, la Casa Tomada y Capacete. Marilia fue la curadora invitada de Lugar a dudas, en Cali, Colombia, entre agosto 2015 y marzo 2016 y actualmente es la curadora de Casa do Povo, en São Paulo.

Pedro Victor Brandão (Río de Janeiro, 1985) es artista visual. Desde 2003 desarrolla trabajos en fotografía, video, texto y experimentos sociales. Se ha graduado en Fotografía en la Universida de Estácio de Sá (2009) y atendió a los cursos libres de la EAV Parque Lage (entre 2005 y 2010; y en 2015), así como en la Universidade de Verão de Capacete (2012). Ha realizado exposiciones individuales en la Casa França-Brasil (Río de Janeiro, 2011) y en la galería Sé (São Paulo, 2016). Sus trabajos ha sido mostrado en varias instituciones, como en el Museu de Arte Moderna (Río de Janeiro), SESC Consolação (São Paulo), Portas Vilaseca Galeria (Río de Janeiro) y Niklas Schechinger Fine Art (Hamburgo). Ha sido artista residente en FAAP (São Paulo, 2017), Lastro Centroamérica (Ciudad de Panamá, 2015), Z/KU – Zentrum für Kunstund Urbanistik (Berlín, 2014), Terra UNA, (Liberdade, 2013) y Cité Internationale des Arts (París, 2012). Vive y trabaja en São Paulo.

PDP (Public Display of Professionalism) es un laboratorio de reflexión transdisciplinario fundado por Domingo Castillo, Patricia M. Hernández y Natalia Zuluaga. Los proyectos que PDP emprende cuestionan las maneras en que la imagen, el capital financiero y los flujos de información [en Miami] generan nuevos y “creativos” modelos de negocios, rehabilitación barrial y centros comerciales de lujo, los cuales explotan un modo particular de [relajamiento tropical].

Maria do Carmo M. P. de Pontes (n. 1984, São Paulo; vive en Londres) es curadora independiente y escritora que cuenta con una Maestría en Curaduría por parte de Goldsmiths College (2011). Exhibiciones y proyectos recientes incluyen Hallstatt (2016–17) en Galpão Fortes d’Aloia & Gabriel, São Paulo; su curaduría de la sección Solo Projects de ARCOMadrid 2016; Akakor en Baró Galeria, São Paulo (2015) y Alter-Heroes en el Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC–USP, 2014). En 2014 fundó Question Centre, una plataforma nomádica de exhibición que dibuja vínculos generacionales entre artistas. Ha colaborado con múltiples libros y revistas y es colaboradora regular de Conceptual Fine Arts.

Ilê Sartuzi (n.1995, Santos; vive en São Paulo) es artista e investigador. Estudia Artes Visuales en la Universidade de São Paulo (USP), donde organiza la serie de debates “Contemporary Art Debates”. Previamente ha trabajado en el Centro de Investigación del Centro Universitario Maria Antonia, el cual está afiliado a la USP. Exhibiciones y proyectos recientes incluyen el programa de exhibiciones del Museu de Arte de Ribeirão Preto (MARP) (2017, 2015), Ainda não (2017) en Galeria Vermelho, São Paulo; y Subsessões: Avenida Paulista en el Museu de Arte de São Paulo (MASP), las últimas dos en colaboración con el grupo de estudio Depois do Fim da Arte.

Ana Vaz (1986, Brasilia) es artista y cineasta cuyas películas, instalaciones y performances exploran las relaciones complejas entre medio ambiente, territorios e historias híbridas empujando los límites de la percepción. Exhibiciones recientes de su trabajo incluyen el Festival de Cine de Nueva York, el Festival Internacional de Cine de Toronto, Courtisane, Cinéma du Réel, la Bienal de Moscow de Arte Joven, Videobrasil, the Dhaka Art Summit así como encuadres específicos en Flaherty Seminar (EEUU) y Doc’s Kingdom (Portugal).

Luiz Roque (1979, Cachoeira do Sul, Río Grande do Sul; vive en São Paulo). Exhibiciones recientes incluyen Avenida Paulista (MASP, São Paulo, 2017), 32ª Bienal de São Paulo (2016), Ancestral (CCSP, São Paulo, 2016), The Negative Hand (EAV Parque Lage, Río de Janeiro, 2015), The Violet Crab (David Roberts Art Foundation, Londres, 2015), The Brancusi Effect (Kunsthalle, Viena, 2014), Modern Fears (Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, 2014), 9th Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2013) y Love and Hate to Lygia Clark (Zacheta National Gallery of Art, Varsovia, 2013).

Cristiano Lenhardt (1975, Itaara) graduado de la Universidad Federal de Santa María (UFSM) en el 2000. Entre su participación en exhibiciones colectivas se encuentran la 32ª Bienal de São Paulo (São Paulo, 2016); Bienal de Naifs (Piracicaba, 2016); Soft Power, Kunsthal KadE (Amersfoort, 2016); 19º Festival de Arte Contemporáneo Sesc_Videobrasil, Panoramas do Sul, VB Galpão (São Paulo, 2015); 5º Premio CNI SESI Marcantônio Vilaça, MAC-USP (São Paulo, 2015); Crossroads: Contemporary Art in Brazil, Wexner Center for the Arts (Ohio, 2014); 7ª Bienal de Artes Visuales de Mercosur (Porto Alegre, 2009); y Constructing Views, New Museum (Nueva York, 2010). En años recientes, ha participado en programas de residencias como Phosphorus (São Paulo, 2013), Gasworks (Londres, 2013) y Made in Mirrors Foundation (Guangzhou, China, 2011). Vive y trabaja en Recife, Brasil.

Bárbara Wagner (1980, Brasilia) tiene una maestría por parte del Dutch Art Institute (Holanda, 2011). En 2015 fue galardonada con la beca ZUM/IMS Photography Grant con su proyecto Masters of Ceremonies 2015-2016. El artista irlandés nacido alemán Benjamin de Burca (1974, Munique) tiene una práctica en las artes desde el 2000 donde pintura, fotografía y video son de igual manera importantes en su trabajo. Trabajan en colaboración desde 2011, su trabajo ha formado parte de prominentes exhibiciones internacionales como la 32ª Bienal de São Paulo (2016, São Paulo, Brasil); 36th EVA International (2014, Limerick, Irlanda) y la 4ª Bienal del Océano Índico (2013, La Réunion, Francia).

Paulina Ascencio (Guadalajara, 1988) es curadora e investigadora, con formación en Filosofía y Ciencias Sociales. Realizó una residencia de investigación en Kadist, San Francisco y otra en PAOS, Guadalajara. Ha trabajado en exposiciones en el Museo de Arte Zapopan, el Instituto Cultural Cabañas, MURA, así como en proyectos en galerías y espacios independientes. En 2015 fue parte del programa del Independent Curators International, Nueva Orleans. El mismo año comenzó Archivo MMXV, un proyecto de investigación sociológica en Internet. Ha colaborado con distintas publicaciones, como La Tempestad y Harper’s Bazaar ART.

Fabiola Torres-Alzaga (Ciudad de México, 1978). Estudió en la Escuela Activa de Fotografía (1999) y posteriormente en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2004). Vive y trabaja en la Ciudad de México, y su obra se ha expuesto de manera individual y colectiva, entre sus exposiciones destacan: El polvo que se levanta crea telones, Nora Sotres Galería (2017), Entre actos, Museo del Chopo (2014); House of Games, Steve Turner Contemporary (2013), Los Ángeles, EE.UU.; Porta-infinitos en la Sala de Arte Público Siqueiros, MX (2004), entre otros lugares como Maison des Arts de Malakoff (Francia), Museo Marco de Monterrey, Museo Politécnico de Moscú, Laboratorio Arte Alameda (MX), Museo de Arte Moderno (MX), Museo Experimental El Eco (MX), Center for Contemporary Art, Tel Aviv, entre otros. Ha sido acreedora de la beca “Jóvenes creadores” del Fonca en 2004 y 2012, y en el 2011 realizó una residencia en Argentina a través de la Secretaría de Cultura.

Alberto García del Castillo escribe sobre comunidades y queer desde los géneros de ficción y no ficción, así mismo interpreta de forma performática sus escritos y de otras personas y colabora en múltiples configuraciones. Ha publicado sus textos en Girls Like Us, co-editada por Midpoint (Théophile’s Papers, 2016) y ha publicado dos libros con Shelter Press: Merman (2017) y Retrospective (2014). En conjunto con Marnie Slater, es co-curador de Buenos Tiempos, Int.

César Segarra es fotógrafo de moda y hace retratos a artistas, músicos, personajes excéntricos y otros creativos. Sus fotografías han sido publicadas en AD, i-D, Neo2 y Petunia. Sagarra dirige la publicación online Hipsters from Spain.

Susana Vargas Cervantes es escritora, curadora y activista. Recientemente ha publicado Mujercitos (Editorial RM, 2014) y co-curado Girum Imus Nocte et Consumimur Igni (Museo Jumex, Ciudad de México, 2015) y Stan Firm inna Inglan: Black Diaspora in London, 1960–70s (Tate Britain, Londres, 2016).

Veronica Stigger es escritora, crítica de arte y profesora universitaria. Tiene un doctorado en Teoría Crítica de Arte por parte de la Universidad de São Paulo (USP) y realizó investigaciones postdoctorales en la Università degli Studi di Roma “La Sapienza”, en el Museo de Arte Contemporáneo de la USP (MAC USP) y en el Instituto de Estudios del Lenguaje de la UNICAMP. Es coordinadora del curso de Crítica Literaria de la Academia Internacional de Cine y profesora de Posgrado en Historia del Arte y en Fotografía en la FAAP. Es autora de doce libros de ficción, entre los que destacan Os anões (Cosac Naify, 2010), Delírio de Damasco (Cultura e Barbárie, 2012) y Opisanie świata (Cosac Naify, 2013), por el cual recibió los premios Machado de Assis, São Paulo (autor debutante) y Açorianos (narrativa larga).

 


 

Colaboradores edición 8

Morgan Fisher (Washington, D.C., 1942) es cineasta y artista visual. Licenciado en Harvard College en historia del arte, luego estudió producción cinematográfica en Los Ángeles. Comenzó a hacer películas independientes en 1968. Sus películas han sido mostradas en festivales y museos internacionales. Trabajó como editor en la industria cinematográfica. Enseñó en el California Institute of the Arts (CalArts) y en UCLA. Comenzó a pintar a finales de los años 90. Comenzó a exhibir fotografías en 2011. Ha tenido exposiciones en Portikus, Frankurt; Museo Abteiberg, Mönchengladbach; Generali Foundation, Viena; Raven Row, Londres; Aspen Art Museum. Participó en las bienales del Whitney en 1985, 2004 y 2014. Vive y trabaja en Santa Mónica, California.

Tenzing Barshee trabaja como curador independiente y escritor. En 2016 curó una exposición con Anne Speier y Judy Fiskin en wellwellwell, Universidad de Artes Aplicadas de Viena, Le Mérite. 2014-2016 en Treize en París, y co-curó Passo Dopo Passo con Molly Everett y Dorota Michalska para la Fondazione Sandretto Re Rebaudengo en Turín, An Answer to ‘Sculptures’, exposición individual de Margaret Honda, con Fanny Gonella en Künstlerhaus Bremen, y Rochelle Feinstein: In Anticipation for Women’s History Month con Fabrice Stroun para el Centre d’Art Contemporain en Ginebra. Es columnista de la revista Starship y editor de la revista Wandering. Vive en Berlín.

Lucrecia Martel (Salta, 1966) es directora de cine argentina. Dirigió los largometrajes Zama (2017), La mujer sin cabeza (2007), La niña santa (2004), y La Ciénaga (2001). Ha recibido el premio NHK del Festival de Cine de Sundance, el Grand Prix del Festival de Cine Latinoamericano de Toulouse, el premio a mejor película y mejor directora del Festival de Cine de La Habana, el Premio Alfred Bauer Prize del Jurado Internacional en 2001 en el Festival Internacional de Cine de Berlín y una nominación al Oso de Oro en el mismo festival. Su segundo largometraje, La niña santa, fue nominado a la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes.

Manuel Kalmanovitz González (Bogotá, 1973) ha trabajado como periodista, traductor, profesor universitario y editor. Fundó y dirige la Revista Matera (2009-presente) y hace las reseñas de cine de la revista Semana. También toca música con Las Malas Amistades, quienes han editado varios discos. Es el autor de Bogotá con mar y otras cosas (Matera Libros, 2009) e ilustrador de Alto Rendimiento, de Carolina Sanín (Matera Libros, 2016). Vive en Bogotá, donde es profesor de cátedra en Artes Visuales en la Universidad Javeriana.

Naufus Ramírez-Figueroa (Guatemala, 1978) vive y trabaja en Berlín. Obtuvo un BFA de la Universidad Emily Carr en Vancouver y un MFA en Bellas Artes de The School of the Art Institute de Chicago. Ha expuesto en Kunstmuseen Krefeld, Krefeld (2017); XXXII Bienal de São Paulo (2016); Gasworks, Londres (2015); 13° Lyon Biennale, Lyon (2015); 10° Gwangju Biennale, Gwangju (2014); Tate Modern, Londres (2014) y Castello di Rivoli, Turín (2013), entre otros. Ha recibido la Guggenheim Fellowship, el premio Franklin Furnace, el premio Mies van der Rohe, y una beca en Akademie Schloss Solitude (seleccionado por Dan Graham). Estudió en Jan van Eyck Academy en Maastricht en 2013 y actualmente está en el programa DAAD Berlin.

Kiki Mazzucchelli es curadora y escritora independiente y trabaja entre Londres y São Paulo. Entre sus proyectos recientes están los Solo Projects/América Latina en ARCO 2015 y That Which Cannot be Repaired – Tonico Lemos Auad en Pivô (São Paulo). Fue miembro del equipo curatorial de Sitelines – Site Santa Fe Biennial, 2016, Nuevo México.

Ieva Misevičiūtė es una Loris de Java que vive en Nueva York. Trabaja en artes visuales y en teatro. Su práctica combina el teatro físico, la danza, el stand-up, el lenguaje académico pervertido y el trabajo escultórico. Trabajó como payaso en el circo en su juventud, tiene una Maestría en Análisis Cultural, una Maestría en Estudios Políticos y un Tongue PhD. Ha presentado su obra en el Centro Pompidou, MoMa PS1, SculptureCenter, The Kitchen, y dOCUMENTA(13) (con Michael Portnoy) entre otros.

Jessica Mitrani es una artista que trabaja en performance y cine. Recientemente escribió y dirigió TRAVELLING LADY (Festival Crossing the Line, Paris’s New Settings), LA DIVANEE (Festival de Cine de Marfa, Oaxaca Film Fest, Nowness) y HEADPIECES FOR PEACE (ASVOFF5 Festival Grand Prix). Otros festivales de cine incluyen: Festival de Cortometrajes de Oberhausen (Oberhausen, Germany), y Festival Hors Pistes (Centro Pompidou, París). Además, ha expuesto su obra en museos y galerías internacionales.

Luciano Concheiro (Ciudad de México, 1992) estudió Historia en la UNAM en México y Sociología en la Universidad de Cambridge. Es profesor de la Facultad de Filosofía en la UNAM. Es co-autor del libro de entrevistas El Intelectual Mexicano: una especie en extinción (Taurus). Ha traducido textos de Franco “Bifo” Berardi, Michael Hardt y Slavoj Žižek. Es editor en jefe de Huun, una publicación anual de arte y pensamiento mexicano.

Rodrigo Hernández (Ciudad de México, 1983) es artista visual. Actualmente trabaja entre la Ciudad de México y Lisboa. Estudio en “La Esmeralda” en la Ciudad de México, en la Akademie der bildenden Künste Karlsruhe y en la Jan Van Eyck Academie en Maastricht, Holanda. Su trabajo ha sido mostrado en Kunsthalle Basel; Kurimanzutto, Ciudad de México; Museum Haus Konstruktiv, Zúrich; Moscow Museum of Modern Art, Museo del Chopo, Ciudad de México; Bonnefantenmuseum, Maastricht; Elizabeth Foundation of the Arts, New York; NuMU – Nuevo Museo de Arte Contemporáneo, Guatemala; David Roberts Art Foundation, London; Parallel, Oaxaca; FRAC Marseille; Kunsthalle Baden-Baden; Kunsthaus Baselland; Kunstverein Freiburg y en el Museo de Arte Moderno Mexico City, entre otros.

http://www.rodrigo-hernandez.net/

Ana Mazzei (São Paulo, 1980) vive y trabaja en São Paulo. Licenciada en Bellas Artes por la Fundación Armando Alvares Penteado y Maestría en Poética Visual por la Universidad de Campinas (UNICAMP/SP). Exposiciones recientes incluyen 32a Bienal Internacional de São Paulo; PIVÔ, São Paulo; Galerie Emmanuel Hervé, París; Galería The Sunday Painter, Londres; Parque Lage, Rio de Janeiro y Galeria Jaqueline Martins, São Paulo. En 2013 fue residente en Cité des Arts en París. En 2011/12 participó en el Programa de Estudios Independientes de la Escola São Paulo (PIESP). Es miembro y fundadora del Teatro Facada.

Dorothée Dupuis (1980, París) es curadora independiente, escritora y editora basada en la Ciudad de México. Fue directora de Triangle France en Marsella del 2007 al 2012. Es fundadora y editora de Terremoto, y co-directora de la revista Petunia. Feminista dedicada, su práctica curatorial y sus escritos buscan exponer, cuestionar y desafiar estructuras de poder en el campo del arte. Recientes proyectos curatoriales en 2016 incluyeron una residencia en PAOS Gdl, Guadalajara, Adrien Vescovi en el IFAL Casa de Francia, México DF, y la 30ava edición de los Talleres Artísticos Internacionales en el FRAC Pays de la Loire, Carquefou, Francia. Sus escritos han sido publicados en varios catálogos de exposiciones así como en ArtReview, Crash, Flash Art, Frieze, Kaleidoscope, Metropolis M, Mousse y Spike, entre otros.

Elena Tejada-Herrera es una artista peruana trans-disciplinaria que trabaja en la intersección de medios como performance, instalación, video y práctica social. Ha sido becaria del Chicago Art Institute y de Virginia Commonwealth University, tiene dos Maestrías en medios interdisciplinarios, nuevos medios y pintura. Ha recibido reconocimientos como el premio James Nelson Raymond (EEUU, 2013), el Grand Prix en el XIII International Festival de Cine y Video Parnu (Estonia, 2007) y el primer premio de Pasaporte Para Un Artista (Perú, 1999), entre otros. Su obra ha sido exhibida alrededor del mundo. Vive y trabaja en Miami.

Florencia Portocarrero (Lima, 1981) es investigadora, escritora y curadora. Estudió Psicología Clínica y un Magíster en Estudios Teóricos en Psicoanálisis en la Pontificia Universidad Católica del Perú. Participó del Programa Curatorial de De Appel Arts Centre en Ámsterdam (2012/2013) y en 2015 obtuvo el Máster en Teoría del Arte Contemporáneo en la Universidad de ‘Goldsmiths’ en Londres. Ha contribuido con sus textos sobre arte y cultura a numerosos catálogos y publicaciones. En Lima trabaja como curadora del programa público de Proyecto AMIL y es co-fundadora del proyecto independiente Bisagra.

Eusebio Siosi (Riohacha, 1971), artista visual, arquitecto y gestor cultural de la etnia Wayuu, trabaja proyectos colaborativos con la población indígena Wayuu, reafirmando la identidad cultural de la cual hace parte. Siosi ha participado en exposiciones colectivas e individuales nacionales e internacionales en Bogotá, Zúrich, Brasil, Argentina, Barranquilla, Tunja, Pereira. Ha participado en Salones de Arte a nivel regional y nacional en Colombia.

Maria Isabel Rueda (Cartagena, 1972), estudió la Licenciatura y la Maestría en Artes Plásticas y Visuales en la Universidad Nacional de Colombia. Fue docente en la Universidad Nacional de Colombia y en Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogotá y es docente en La Salle College Barranquilla. Creadora y editora del magazine Tropical Goth. Curadora externa del Museo de Arte Moderno de Barranquilla. Co-curadora de espacios independientes como El Bodegón y La Residencia, en Bogotá, directora artística del Espacio Independiente La Usurpadora en Puerto Colombia.

Brenda Lozano (Ciudad de México, 1981) es narradora y ensayista. Edita en la revista literaria Make de Chicago y es parte de Señal de la Ugly Duckling Presse de Nueva York. Su primera novela Todo nada (Tusquets, 2009) será llevada próximamente al cine. Cuaderno ideal es su segunda novela (Alfaguara, 2014) y este año saldrá el libro de cuentos Cómo piensan las piedras. En 2015 fue reconocida por el Conaculta, Hay Festival y el Consejo Británico como una de las escritoras menores de 40 años más importantes de su país. Actualmente vive en la Ciudad de México.

Yornel J. Martínez Elías (Manzanillo, 1981) es un artista contemporáneo cubano que ha desarrollado su trabajo próximo a las prácticas post-conceptuales a través de formalizaciones técnicas y materiales diversos. Ha participado en el 6to Salón de Arte Cubano Contemporáneo y en la XII Bienal de la Habana así como en la Aichi Triennale, Nagoya, Japón. Tiene obras en la Colección Jumex en México y en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba, entre otros. Estudió en el Instituto Superior de Arte de la Habana, ciudad en la que vive y trabaja.

Daniela Castro (Brasil, 1976) es escritora y curadora, vive en São Paulo. Estudió Historia del Arte en la Universidad de Toronto. Recientemente co-curó la Trienal Aichi en Nagoya, Toyohashi y Okasaki en Japón. Ha recibido becas de estudio y becas de residencia en la Universidad de Hong Kong (2002, China), Peggy Guggenheim Collection Museum (2005, Italia), la Galería de Arte de la Universidad de York (2007, Canadá), Hordaland Kunstsenter (2010, Noruega) y IASPIS (2010, Suecia). Co-curó junto con Jochen Volz The Spiral and the Square: exercises on translatability en Bonniers Konsthall, Estocolmo, Trondheim y Kristiansand, Noruega (2011-12). Curó A Radically Condensed History of Post-Industrial Life LADO A / LADO B en El Spacio, Madrid, España (2010-11). Curó Lights Out, en el Museo de Imagen y Sonido MIS (2008, São Paulo).

Jesús Arpal Moya nació vasco en Bilbao y joto por la gracia divina, y luego se hizo mitad del monstruo Jeleton que opera en artes mágicas y en otras que no lo son tanto, y librero de oficio en la cooperativa La Caníbal SCCL. Vive en Barcelona, que es casi lo mismo que decir que vive poco, y sus carnes están envejecidas por el paso de casi 30 años de políticas neoliberales.

Gelen Jeleton es una y muchas a la vez, es géminis que son dos pero le añadimos una para una trinidad que si pudiera serían más. Dibuja como escribe, escribe como toca y toca como baila; así una y otra vez para volver a empezar. Tiene otros tiempos, no tiene espacio y muchos proyectos. Siempre joven, siempre sola y enamorada de sus obras.

Aimar Arriola, le dicen curador pero quisiera ser curandero. Nació en el pueblo vasco de Markina-Xemein donde cada julio se festeja al ‘alarabi’, genio mitológico de un solo ojo y pie de planta circular, considerado el primer pastor de ovejas. Precoz para algunas cosas, nada precoz para otras, se ha iniciado en los misterios de la cocina a la edad de los cuarenta. Vive en Londres donde hace una tesis doctoral entre visiones de carne, plumas y vaquitas de San Antonio.

Juan Canela nació tierra adentro, pero desde muy pequeño ha vivido (casi) siempre cerca del mar, en lugares diversos. Pero su familia es de la montaña. Y del desierto. Tras muchas vueltas, hace unos años que vive en Barcelona, donde descubrió que lo que se le da bien es planear cosas con artistas. Desde hace un poco, además, intentan planear conjuros, y camina con piedras en los bolsillos. Ah, y a veces tiene el corazón en los meñiques.

Sofía de Grenade (1983, Valdivia, Chile). Licenciada en Artes Visuales, Universidad Austral de Chile. Exposiciones destacadas: FIX 07, Catalyst Art, Belfast, Irlanda del Norte y La timidez de las cosas, Espacio de Arte Contemporáneo (EAC), Montevideo, 2014. Entre 2010 y 2012 llevó a cabo programas educativos en conjunto con comunidades de zonas rurales en el sur de Chile. En 2015 funda ZUNI ZINES junto con Daniela Poch, proyecto microeditorial focalizado en el trabajo con artistas de la escena local. Su última obra forma parte de la Colección FAVA. Vive y trabaja en Santiago de Chile.

César Eduardo Vargas (Santiago de Chile, 1982). Egresado de Teoría e Historia del Arte de la Universidad de Chile. El enfoque principal de su trabajo apunta a las relaciones entre arte, estética y política de las prácticas artísticas independientes en Chile. Ha colaborado como investigador y teórico en distintos proyectos de arte contemporáneo a nivel nacional e internacional. Es fundador y codirector curatorial del espacio chileno de proyectos Sagrada Mercancía. Vive y trabaja en Santiago de Chile.

Adolfo Bimer (1985. Santiago, Chile) actualmente vive y trabaja en Santiago. Estudió Artes Visuales en la Universidad de Chile. Su obra cuestiona la salud y la enfermedad a través de los campos de la imaginería médica utilizando materiales tradicionales e industriales de la pintura y la construcción. Entre sus exposiciones individuales se encuentran Zoom, Editorial Vortex, Valparaíso 2016; Ghetto Krankenhaus, The Museum, Leipzig 2016; Scans, Cleveland Print Room, Cleveland, 2015; Próximas Enfermedades, Galería Patricia Ready, Santiago, 2015; Témpanos de Fe, Nueveochenta Arte Contemporáneo, Bogotá, 2013; Las Inseguridades, Galería Patricia Ready, Santiago, 2013; Tactismo, Revolver, Lima, 2012; y X, MAC Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, 2011. Bimer también es codirector de la organización artística chilena Sagrada Mercancía.

 


 

Colaboradores edición 7

Saskia Calderón (Quito, Ecuador, 1981) vive y trabaja en Quito. Es Licenciada en Artes Plásticas por la Universidad Central del Ecuador, 2003 y Técnica en Canto Lírico, Conservatorio Superior Nacional de Música, Quito, 2011. Obtuvo el primer premio en la XII Bienal de Cuenca, Ecuador, 2014; una mención de honor en la Primera Bienal de Escultura, Ecuador en 2006. Sus performances en vivo, obras sonoras y vídeos han formado parte de varias exposiciones en museos y galerías de América y Europa.

Manuela Moscoso es curadora del Museo Tamayo de Arte Contemporáneo en Ciudad de México. Junto con Pablo Lafuente y Manuela Ribadeneira son Zarigüeya-Contemporáneo, un proyecto que establece vínculos entre artistas contemporáneos y el Museo Casa del Alabado de Arte Precolombino en Quito, Ecuador. Junto con Sarah Demeuse es Rivet, que opera en un campo curatorial expandido enfocado en nociones como deployment, circulación, ejercicio y resonancia. Fue curadora de la Bienal de Cuenca 2 en Ecuador y co-dirigió el programa de residencia CAPACETE, en Brasil. Nabil y Manuela se conocieron en la edición 2013 de SYNAPSE en el HKW Berlín, en el contexto de The Anthropocene Project.

Nabil Ahmed es investigador y escritor trabajando con conflictos ambientales y arquitectura forense. Su trabajo ha sido publicado en Third Text y Volume, entre varias otras publicaciones. Tiene un doctorado del Centre for Research Architecture. Nabil da cátedras de historia y teoría en The Class School of Architecture, London Metropolitan University.

Daniel Garza-Usabiaga tiene una maestría y doctorado en Historia del Arte por la Universidad de Essex, Inglaterra y un postdoctorado en el Instituto de Investigaciones Estéticas de UNAM. Es curador y académico independiente, autor del libro Mathias Goeritz y la arquitectura emocional. Una revisión crítica 1952-1968 (Vanilla Planifolia, 2012). Es uno de los fundadores de NIXON, un espacio de exposiciones sin fines de lucro en la Ciudad de México, y de Solidaridad Press, que publica, entre otros, la revista digital Caín.

Tobi Maier es curador y escritor basado en São Paulo, en donde fue curador asociado de la 30va Bienal São Paulo (2012). Fue curador en Frankfurter Kunstverein en Frankfurt am Main (2006–2008) y en Ludlow 38 en Nueva York (2008–2011). Actualmente cursa su doctorado en el departamento de Poéticas Visuales en la Escuela de Comunicaciones y Artes, Universidad de São Paulo.

Desde 2009, Libidiunga Cardoso ha exhibido internacionalmente en la 12ava Bienal de la Habana; KunstenFestivaldesArts, Bruselas; 33. Panorama da Arte Brasileira – Museo de Arte Moderno, São Paulo; Zacheta Galeria Nacional, Varsovia; W139 Gallery, Amsterdam; 30va Bienial de São Paulo; Museo Reina Sofia, Madrid; ICA, Londres; Festival SescVideobrasil, São Paulo. Es co-director de Escola Capacete 2016, Rio de Janeiro y fundador de PPUB, un partido político activo en Brasil, Paraguay y Uruguay. Proyectos recientes incluyen la III Trienal Aichi en Japón y la X Bienal Centroamericana en Costa Rica.

Martha Kirszenbaum es fundadora, directora y curadora de Fahrenheit, un espacio de exhibición y residencias en Los Angeles. Graduada de Sciences Po en Paris y Columbia University en Nueva York, trabajó en el Departamento de Fotografía de MoMA en NY, del Centro Georges Pompidou en París, y en el New Museum en NY. Adicionalmente, ha colaborado con el Centro de Arte Contemporáneo en Varsovia, el Belvedere Museum/21er Haus en Viena, la Bienal de Marrakech, Palais de Tokyo en París y el Kunsthalle Mulhouse. Contribuye regularmente en Flash Art, CURA, Kaleidoscope y Mousse entre otras publicaciones, y ha impartido seminarios sobre práctica curatorial en la Université Paris VIII y Parsons, París.

Myriam Ben Salah (b. 1985, Algiers) es curadora y escritora basada en París, donde ha coordinado proyectos y programas públicos en el Palais de Tokyo desde 2009, con un enfoque en arte performance, video e iniciativas editoriales. Es coeditora de F.A.Q., una revista de imágenes, junto al artista Maurizio Cattelan. Escribe en varias publicaciones internacionales. Ben Salah empezó su residencia curatorial en Fahrenheit by FLAX (Los Angeles) en julio 2016. Proyectos recientes incluyen Cool Memories (Occidental Temporary, París, 2016), Like the Desert Miss the Real (Galerie Steinek como parte de « Curated-by », Vienna, 2015), Dirty Linen (DESTE Foundation en el Benaki Museum, Athens, 2015), Shit and Die (Palazzo Cavour, Artissima, Turin, 2014).

Sarah Ancelle Schönfeld tiene una maestría en Universität der Künste (UdK), Berlín. Ha sido becaria de DAAD, NaFöG Grant, Villa Aurora L.A., Stiftung Kunstfonds Bonn, Foam Talents y ha expuesto en Neue Gesellschaft für Bildende Kunst, Berlín; Kunstverein Wolfsburg; Galería Marso, Ciudad de México; Fotomuseum Winthertur, Suiza; Galleria Mario Iannelli, Roma; Muzeum Ludwig, Budapest; Hamburger Kunsthalle; Museum Berlinische Galerie y Heidelberger Kunstverein entre otros. Vive y trabaja en Berlín y México.

Ashkan Sepahvand es escritor, traductor e investigador. Su obra traza asociaciones dentro de las historias del cuerpo, lo sensorial, la sexualidad, la imaginación, la celebración, la transformación, lo queer, la colectividad, el ritual y el ser. En 2012-2014 fue becario del proyecto “The Anthropocene Project” en Haus der Kulturen der Welt, donde fue coeditor de la publicación “Textures of the Anthropocene: Grain, Vapor, Ray” (MIT Press: 2015). Su obra y trabajo de investigación han sido presentados en dOCUMENTA (13), Gwangju Biennale 11, Ashkal Alwan, Institute for Contemporary Arts London, Former West, Sharjah Biennial X, Al-Ma’mal Foundation, Barber Shop, Kunstwerke, y Kunsthaus Bregenz. Vive y trabaja en Berlín. Es becario del Schwules Museum y candidato a Doctorado en la Academy of Fine Arts de Viena.

Juliana Ossa tiene una licenciatura en antropología de la Universidad de Concordia en Montreal y una maestría en Estudios Liberales del New School for Social Research en Nueva York. Actualmente cursa una maestría en estudios teológicos enfocados al género, la religión y la sexualidad en el Divinity School de Harvard. Juliana se ha interesado en explorar la vida religiosa y espiritual de las mujeres en general, y las estrategias que éstas han utilizado a lo largo del tiempo para expresar su religiosidad en particular. Su objetivo como académica y escritora es contribuir a la recuperación de la voz femenina en la historia de las religiones.

François Bucher comenzó su formación artística y literaria en la Universidad de los Andes en Colombia, luego hizo una maestría en cine en The School of the Art Institute of Chicago y fue becario del Whitney Museum Independent Study Program, en Nueva York. Hasta el 2015 fue profesor visitante en la Academia de Bellas Artes de la Universidad de Umea, Suecia, donde realiza un doctorado en prácticas artísticas. Hasta el año 2008, su trabajo como artista y escritor puede ser calificado como poético-conceptual y de carácter político. Desde entonces, las ideas de Bucher acerca del Universo tomaron un giro y su producción más reciente está en dialogo con cuestiones interdimensionales. Sus obras plásticas y escritos son como los avatares de una matriz en la que Bucher se auto percibe como una especie de testigo.

Natalia Valencia (1984, Bogotá) es curadora independiente, vive en la Ciudad de México. Ha colaborado con el Museo de Arte Moderno MAMM en Medellín, Museo de Arte Contemporáneo CAPC en Bordeaux, Palais de Tokyo en París, Sala de Arte Público Siqueiros en México DF, L ́appartement 22 en Rabat, Marruecos, Museo Quinta de Bolívar en Bogotá, Proyectos Ultravioleta en Guatemala. En el 2013 trabajó como investigadora de arte latinoamericano en el Centro Pompidou en París.

El trabajo de Eduardo Basualdo (1977, vive y trabaja en Buenos Aires) explora el espacio como concepto elástico, poniendo en duda el principio de realidad y el concepto del límite. Ha expuesto en la Bienal de Venecia (2016), Bienal de Gwangju, Corea (2014), Bienal de Montevideo Uruguay (2012), Bienal de Lyon, Francia (2011), Hacking Habitat, Utrecht, Holanda (2016).

Adriana Minoliti crea obra pictórica desde una combinación entre geometría y teorías queer. Utiliza la geometría para representar e imaginar una utopía transhumana en la que las teorías de género pueden ser aplicadas al lenguaje pictórico y encontrar nuevas formas de experimentar el mundo visual. Vive y trabaja en Buenos Aires. Sus exposiciones incluyen: Trienal de Aichi (Japón), Galerie Crèvecoeur (París), Agustina Ferreyra y Beta Local (Puerto Rico), Bienal de Mercosur (Brasil), Museo de Brooklyn (EEUU).

Dorothée Dupuis (1980, París) es curadora independiente, escritora y editora basada en la Ciudad de México. Fue directora de Triangle France en Marsella del 2007 al 2012. Es fundadora y editora de Terremoto, y co-directora de la revista Petunia. Feminista dedicada, su práctica curatorial y sus escritos buscan exponer, cuestionar y desafiar estructuras de poder en el campo del arte. Próximos proyectos curatoriales en 2016 incluyen una residencia en PAOS Gdl, Guadalajara (agosto), Adrien Vescovi en el IFAL Casa de Francia, México DF, y los 30 Talleres Artísticos Internacionales en el FRAC Pays de la Loire, Nantes, France (noviembre 2016). Sus escritos han sido publicados en varios catálogos de exposiciones así como en Spike, Metropolis M, Mousse, Kaleidoscope, ArtReview, Flash Art y Frieze, entre otros.

Noah Simblist es Profesor Asociado de Arte en SMU Meadows School of the Arts en Dallas. Trabaja como curador, escritor y artista. Su tesis Digging Through Time: Psychogeographies of Occupation se centra en las formas en que los artistas contemporáneos tratan el discurso histórico en Israel – Palestina y el Líbano . Actualmente trabaja en New Cities Future Ruins, un proyecto que invita a artistas y diseñadores a re-imaginar el urbanismo extremo del Western Sun Belt en E.E.U.U.

Fanny Drugeon tiene un PhD en Historia del Arte de la Universidad François Rabelais en Tours, Francia. Es investigadora afiliada de Labex Création, Arts et Patrimoines, y de InTRU Lab en la Universidad de Tours. Su investigación se centra en lo espiritual en el ámbito del arte contemporáneo, y el rol que ha jugado la circulación de artistas después de la Segunda Guerra Mundial. Su trabajo ha sido publicado por el Centre Pompidou, en donde actualmente edita las actas de la conferencia internacional que co- organizó llamada Passages à Paris. Foreign artists in Paris from the late 19th century through today. Drugeon da conferencias y enseña en la Universidad Ecole du Louvre y la Escuela de Bellas Artes de Nantes, y cura exposiciones.

Frank Báez ha publicado tres poemarios, un libro de cuentos y tres libros de crónicas. Es miembro del colectivo El Hombrecito (www. elhombrecito.com) y editor de la revista de poesía Ping Pong (www. revistapingpong.org) Su último libro es La trilogía de los festivales. Vive en República Dominicana.

Irmgard Emmelhainz es escritora e investigadora independiente. Ha impartido seminarios, conferencias y cursos en varias instituciones internacionales. Su trabajo ha sido traducido al alemán, italiano, serbio, noruego, inglés, francés, árabe, español y hebreo para revistas especializadas en cine, arte, política y cultura. Es miembro del comité editorial de Scapegoat Journal y acaba de publicar un libro titulado: La tiranía del sentido común: la reconversión neoliberal de México con un prefacio de Franco (Bifo) Berardi.

Trajal Harrell es bailarín y coreógrafo. En 2012 ganó el premio New York Dance and Performance “Bessie” Award. Harrell ha presentado performances en MoMA y PS1, The Kitchen, New York Live Arts, Portland Institute of Contemporary Art’s Time-Based Art Festival, the Walker Arts Center, the American Realness Festival, Danspace Project, Dance Theater Workshop, Performance Space 122, Philadelphia Live Arts, REDCAT, Cornell University, Colorado College, the Institute of Contemporary Art, Boston, Festival d’Automne, París; Rencontres Chorégraphiques, París; Festival d’Avignon, Avignon; Impulstanz, Vienna; TanzimAugust, Berlín; Panorama Festival, Rio de Janeiro; Festival Transmériques, Montreal; Holland Festival.

Xavier Acarin es curador e investigador basado en Nueva York. Es coautor de los libros Designing Experience y Dear Helen, y escribe regularmente para A*Desk y ocasionalmente para La Vanguardia. Sus proyectos han sido presentados en Chez Bushwick, Elastic-City, The New School for Social Research, CCS Bard College, y Peekskill Project 6.

 


 

Colaboradores edición 6

Susana Vargas es Doctora en Filosofía por la Universidad de McGill, Montreal, Canadá. Actualmente realiza un posdoctorado en el Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. Su investigación se centra en los diferentes entendimientos culturales sobre género, sexualidad, clase y tonalidades de piel entre Latinoamérica y Anglo Norte América, y su intersección con la cultura visual. Es autora del libro Mujercitos (Editorial RM).

Amilcar Packer nació en Santiago de Chile en 1974 y se trasladó a Sao Paulo, Brasil, en 1982. Se graduó en Filosofía en la Universidad de Sao Paulo (USP) y tiene una maestría en Psicología Clínica de la Pontificia Universidad Católica de São Paulo (PUC -SP). Packer se mueve entre las prácticas discursivas y performativas que utiliza para reconfigurar la gramática de los espacios sociales, proponiendo situaciones como campos relacionales para la dinámica de aprendizaje colectivo y la producción de conocimiento. Co-dirigió el programa de residencia CAPACETE Entertainment (2012-2013) colabora regularmente con la Casa do Povo, organiza Doris Criolla y es co-fundador def P.A.C.A. – Program for Autonomous Cultural Actions. Ha participado en programas educativos en Ludlow 38, Nueva York, EE.UU. 2014; Städelschule, Frankfurt, CCA-Lagos, Nigeria, 2012; Beta Local, San Juan, Puerto Rico, 2011; Campos do Jordão, Brasil, 2008; Sydney Bienal 2004, entre otros.

Sofía Gallisá Muriente es artista multidisciplinaria graduada en producción de cine y televisión y estudios latinoamericanos de NYU. Trabajó con Albert Maysles y colaboró Lynne Sachs y Mary Walling Blackburn. Su trabajo ha sido presentado en la Trienal Poligráfica de San Juan, el Festival de Nuevo Cine Latinoamericano en Cuba, el Walker Art Center en Minneapolis y el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires. Fue artista residente del Museo La Ene en Argentina y Chashama en Nueva York, así como becada del Seminario Flaherty y La Práctica de Beta-Local en Puerto Rico, TEOR/éTica en Costa Rica, entre otros..

Las Nietas de Nonó (Lydela Leonor and Michelle Nonó) son hermanas que viven en el Barrio San Antón de Carolina, Puerto Rico. Allí colaboran en Patio Taller, un espacio de encuentro e intercambio en el patio de su casa. Sus prácticas cotidianas y artísticas responden a su contexto y circunstancias, a partir de los recursos disponibles.

Guillaume Désanges es curador y crítico de arte francés, fundador de Work Method en París. Fue coordinador de proyectos artísticos de Laboratoires d’Aubervilliers entre 2001 y 2007. Ha organizado exposiciones en STUK, Lovaina (Bélgica), Villa Arson, Niza y Museo Patio Herreriano, Valladolid, gb agency, París, De Appel (Amsterdam), Centro d’Art Santa Mónica (Barcelona), Praga City Gallery, Nam June Paik Center (Corea del Sur), SMAK (Bélgica), Centro Pompidou-Metz, Galería Nacional Escuela francesa, Generali Fundación, Viena, Austria. En 2007-2008 fue curador invitado en el Centro de Arte Contemporáneo La Tôlerie y en 2009-2011 en el centro de arte Le Plateau-Frac Ile de France, París. En 2013 co-curó con el artista Michel François “Une Exposition Universelle” para la Bienal de Louvain La Neuve. Desde 201 es curador de La Verrière (Fundación Hermès, Bruselas). Es profesor en la Universidad de la Sorbona de París.

Bárbara Santos. Artista visual de la Universidad de los Andes (Bogotá) con Magister en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Colombia (Bogotá). Su trabajo abarca el video arte experimental y documental, multimedia, desarrollo web y editorial. A partir de relaciones, narrativas y experimentación busca activar procesos colectivos e interdisciplinarios que creen conexiones entre el arte, la tecnología y los saberes ancestrales. Co-editora, junto con Nelson Ortiz, del libro El Territorio de los Jaguares de Yuruparí de autoría de ACAIPI y la Fundación Gaia Amazonas, Bogotá 2015.

William Contreras Alfonso es psicólogo, artista y curador colombiano, reside actualmente en Bogotá. Sus intereses investigativos cruzan el estudio de la intuición, la ficción y el sinsentido con las posibilidades que otorga la creación poética. Escribe regularmente sobre arte contemporáneo. Su trabajo ha sido expuesto en el Museo La Tertulia (Cali, Colombia), Artecámara 2013 y Museo de arte del Banco de la República (Colombia), entre otros. En 2016 publicará un libro monográfico sobre la obra de la artista Beatriz Eugenia Díaz (Ministerio de Cultura).

Gustavo Buntnix es historiador del arte y autor del libro E.P.S. Huayco. Documentos (Lima, Centro Cultural de España, 2005). Nacido en Buenos Aires y residente en Lima desde hace muchos años, Gustavo Buntinx es director del Centro Cultural de la Universidad Nacional de San Marcos de Lima. Es  autor de numerosas obras sobre las artes visuales de América Latina y forma parte de Sociedad Civil Colectivo (Colectivo Sociedad Civil).

Malacchi Farrell es artista, nació en Irlanda y vive en París. Trabaja con máquinas que expresan su compromiso político contra todas las formas de violencia física o psicológica, desde su descubrimiento de las artes electrónicas durante su residencia en la Rijksakademie en Ámsterdam (1994-1995).

Fernando Palma (1957, San Pedro Atocpan, México) es un artista formado como ingeniero mecánico. Su intereses abarcan la ciencia, la robótica y la programación, el activismo ambiental y cultural. Su trabajo se centra en temas ambientales en la región de Milpa Alta, al sur de la Ciudad de México, donde él y su familia viven. Junto con su madre, Carmen Rodríguez Meza, y su hermana, María Angélica Palma Rodríguez, es miembro fundador de Calpulli Tecalco, una organización sin fines de lucro dedicada a la restauración del medio natural, la historia y la cultura de los pueblos originarios de la región.

Teresa Riccardi es Directora Artística de MACBA, Buenos Aires. Docente y candidata doctoral de la carrera de Artes de la UBA, y ex alumna del Programa Intensivo Curatorial ICI(2013). Obtuvo becas Conicet y ANPCyT. En 2005 publicó junto al colectivo Duplus, “El pez, la bicicleta y la máquina de escribir” reuniendo iniciativas autogestionadas por artistas en Latinoamérica y Caribe. Es co-editora y co-fundadora de la revista Blanco sobre Blanco y fundadora de la plataforma AAS: Agencia de Asuntos (Sub)tropicales. Ha curado las exposiciones: Cromofobia (MACBA, Buenos Aires, 2014/2015), Ocupaciones Raras (Galeria Gabriela Mistral, Santiago de Chile, 2014), Escenográfica,(BSM, Buenos Aires Art Building, 2013), AA(Sub)tropicales, (EAC, Montevideo, Uruguay, 2012/2013).  

Alicia Herrero vive y trabaja en Buenos Aires. Sus proyectos exploran dispositivos y sistemas de representación, el lenguaje, la economía, la comunicación, el derecho, los estudios de género y el colonialismo. Desarrolla la serie Arte & Capital y ha expuesto en 8ª Bienal do Mercosul, Porto Alegre; X Bienal de Arte de Bogota; IV Internationella Konstbiennal, Göteborgs; I Bienal del Fin del Mundo, Ushuaia; V Bienal de La Habana, La Habana, Austrian Cultural Forum New York; MALBA; Pori Art Museum; Fundación Proa; Museum Boijmans van Beuningen; Center of Contemporary Art Thessaloniki; Shedhalle; Neue Gesellschaft für Bildende Kunst NGBK; MAMBA; Van Abbemuseum, entre otros.

Nick Vaughan & Jake Margolin. Pareja de artistas basados en Houston, Texas, donde son miembros de BOX 13 Artspace y Tulsa, Oklahoma donde Nick es becario del Tulsa Artist Fellowship.

Franco Lolli es director de cine colombiano, cursó estudios de cine en Paris en La Fémis. Después de dirigir los cortometrajes Como Todo el Mundo (Gran Premio del Jurado en el Festival de Clermont-Ferrand) y Rodri (Quincena de los Realizadores, Festival de Cannes) dirigió Gente de Bien, su primer largometraje, que se estrenó en la Semana de la Crítica del Festival de Cannes y ha sido seleccionado en más de otros sesenta festivales internacionales.

 


 

Colaboradores edición 5

Francesco Pedraglio es un artista y escritor que trabaja con performance, video e instalación. Nació en Como (Italia) en 1981 y vive entre Londres y la Ciudad de México. Su trabajo ha sido expuesto en Parallel Oaxaca (2015); Norma Mangione Gallery, Turín (2015); The Physics Room, Nueva Zelanda (2015); Kunsthalle Viena (2015); DropCity, Newcastle (2015); CCA Glasgow (2014); Jeu de Paume (2013), Kunsthalle Basel (2012). Su novela A man in a room spray painting a fly (2014) fue publicada por Book Works.

Manuel Correa es un artista de Medellín, con estudios en Cine y Video de la Universidad Emily Carr en Vancouver (British Columbia). #ARTOFFLINE es la primera película de Correa, que se estrenará en el Festival de Cine de Rotterdam en 2016. Las entrevistas de Correa han sido publicados por &&& Journal  (NY) Teoría y Practice (Rusia) y Superconversations, eflux (NY). Vive en Vancouver.

José Aramburo. Aramburo es una corrupción grafico-fonética del topónimo vasco Aranburu. Su etimología consta de dos partes (“Aran”=Valle + “Buru”=Cima), con el significado de “Cima del Valle”. Es justamente desde ahí donde José Aramburo emprende su vertiginosa escalada cuesta abajo, cual Sísifo sin roca. Antrista profesional. Fundador de iniciativas fallidas como Monja Rabiosa y Lágrima de Payaso, entre otras.

Pedro Neves Marques es escritor y artista visual. Es editor de The Forest and the School/ Where to Sit at the Dinner Table? (2014), y fue editor invitado de Supercommunity, e-flux Journal para la 65a Bienal de Venecia (2015). Ha expuesto, entre otros lugares, en Kadist Foundation, e-flux, Sculpture Center, Bienal de Cuenca 12, Fundación EDP y Museo Serralves. Junto con la artista Mariana Silva dirige inhabitants, un canal online para el vídeo de exploración y el reportaje documental (http://inhabitants-tv.org/).

Elise Lammer (1982, Lausanne, Suiza) es curadora y escritora residente entre Roveredo (Suiza) y Berlin. Es curadora del Kunstverein SALTS en Basel  junto con Samuel Leuenberger y es anfitriona y fundadora de Kunsthalle Roveredo, una residencia artística y espacio de exposición en las montañas Graubünden en Suiza. Sol Calero (nació en 1982, en Caracas; vive y trabaja en Berlín). Algunas de sus exhibiciones recientes incluyen Studio Voltaire, Londres (2015) Sala Mendoza, Caracas (2015), SALTS, Birsfelden (2015), Gillmeier Rech, Berlín (2014); Laura Bartlett Gallery, Londres (2014); Frutta Gallery, Roma (2013). Exhibiciones colectivas recientes incluyen KW Institute for Contemporary Art, Berlín (2015) y Mostyn, Llandudno (2015). Proyectos próximos en 2016 incluyen David Dale Gallery, Glasgow, Laura Bartlett Gallery, London, Kunsthaus Bregenz, Austria. Calero es representada por Laura Bartlett Gallery, Londres. La artista es co-directora del espacio para proyectos en Berlín llamado Kinderhook & Caracas.

Dorothée Dupuis (1980, París) es curadora, autora y editora francesa residiendo en la Ciudad de México. Fue directora de Triangle France en Marsella, del 2007 al 2012. Es fundadora y editora de Terremoto, y co-directora de la revista Petunia. Feminista dedicada, su práctica curatorial y sus escritos buscan exponer, cuestionar y desafiar estructuras de poder en el campo del arte. Sus escritos han sido publicados en varios catálogos de exposiciones así como en Spike, Metropolis M, Mousse, Kaleidoscope, ArtReview, Flash Art, entre otros.

Terence Gower nació en Columbia Británica, Canadá y vive Nueva York desde 1995, donde ha expuesto en PS1, New Museum, Queens Museum. Internacionalmente ha expuesto recientemente en el Institut d’Art Contemporain Villurbaine, Lyon; MACBA, Barcelona; Tensta Konsthal, Estocolmo; Museo Tamayo, Ciudad de México; MAC, Santiago, Chile; National Gallery of Canada, Ottawa; Haus der Kulturen der Welt, Berlín; MUSAC, León, España; y Audain Gallery, Vancouver.

Diego del Valle Ríos es gestor cultural y curador independiente. Actualmente colabora con la Colección Diéresis y la galería Páramo y coordina el programa de exhibiciones de La Vitrina del Ex Convento del Carmen. Vive y trabaja en Guadalajara.

Heriberto Yépez (b. 1974, Tijuana, México es escritor, poeta y catedrático de la Universidad Autónoma de Baja California en Tijuana. En México se le contextualiza dentro de la “literatura fronteriza”, de la cual es uno de los principales representantes y que apareció como un distanciamiento crítico del concepto de literatura mexicana dominada por la Ciudad de México.

Laura Huertas Millán nació en Bogotá y vive en París. Graduada de la Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris and Le Fresnoy,, actualmente es candidata a doctorado en la Ecole Normale Superieure rue d´Ulm y Beaux-Arts de Paris. También es investigadora en el Sensory Ethnography Lab y el Film Study Center en Harvard University (Cambridge) Sus películas se han mostrado en el Museo Guggenheim (NY), FIDMarseille, Palais de Tokyo (París) y Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, entre otros.

Hija de un botánico, Naomi Fisher nació y creció en MIami, donde el entorno tropical salvaje sirve como fondo para explorar el choque de la cultura americana en su trabajo a través del lente de la teoría y las estrategias feministas derivadas del arte surrealista. Ha exhibido en el Palais de Tokyo, París; Pinchuk Art Center, Kiev; Halle fur Kunst, Luneburg; Kemper Museum, Kansas City; Kunsthalle Wein, Viena; Kunsthaus Baselland, Basilea; Deste Foundation, Atenas; New Museum, NY; y el Vizcaya Museum and Gardens, Miami. Desde 2004, dirige BFI (Bas Fisher Invitational), un espacio dirigido por artistas en Miami.

François Cusset es escritor e historiador intelectual, autor de ensayos de renombre internacional como “French Theory” (2003, 2008) y “The Inverted Gaze” (2002, 2011). También es profesor de Estudios Americanos de la Universidad de Paris Ouest, Nanterre.

 


 

Colaboradores edición 4

TRansHistor(ia). Conformado por María Sol Barón Pino y Camilo Ordóñez Robayo, es un equipo de investigación histórica y creación curatorial. Son autores de los libros Con Wilson…Anotaciones, artistadas e incidentes (2014) y Rojo y más Rojo. Taller 4 Rojo; producción gráfica y acción directa (2015). Barón y Ordóñez son profesores del Departamento de Artes Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogotá y la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, Bogotá.

Juan Canela (1980) vive y trabaja en Barcelona. Curador independiente y crítico. Es fundador y curador de BAR project y Azotea y es parte de SYNAPSE (Berlin). Ha comisariado exposiciones como Lesson 0, en  Espai13 Fundació Miró, Barcelona (2013-2015); Me and You and Everyone We Meet, Zumzeig cine, Barcelona (2013); ¿Por qué no lo llamas entropía?, con Ariadna Ramonetti en el Encuentro de Cultura Contemporánea de Guadalajara México (2015); Ignacio Uriarte: 1&0s en Marco, Museo de Arte Contemporáneo de Vigo (2014), entre otros.

RIVET se activa a partir de lo que emerge en la producción artística y opera en un campo curatorial expandido que incluye publicaciones teóricas, traducción, enseñanza y exposiciones.  Fue iniciada en el 2010 por las curadoras Sarah Demeuse (Nueva York) y Manuela Moscoso (Mexico DF), sus trabajos más recientes son  “The Wilson Exercises” en Rogaland Kunstsenter (Stavanger),RedCat (Los Angeles) y Fundació Miró (Barcelona). Han sido las editoras de la monografía “Animal that doesn´t exist” de Daniel Steegmann Mangrané en colaboración con la editorial Bom Dia Boa Tarde Boa Noite (Berlin).

Mohammad Salemy es un artista y curador independiente que vive en Vancouver y Nueva York. Es uno de los organizadores de The New Centre for Research & Practice. Sus escritos se han publicado en eflux, Flash Art, Third Rail y Brooklyn Rail.

María P. Malavasi L. cc. Lola (San José, Costa Rica, 1987) Desde 2011 trabaja en TEOR/éTica llevando a cabo proyectos de investigación en torno a lo curatorial en el contexto local y al archivo de la institución, así como facilitando varias iniciativas educativas y de formación artística.

Lucas Ospina es profesor en la Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia. A veces dibuja, a veces escribe. http://jennyvila.com/artistas/lucas-ospina/http://tanyaleighton.com/index.php?pageId=141&l=enhttps://uniandes.academia.edu/LucasOspinahttp://artreview.com/search/?search=lucas+ospina

Kiki Mazzucchelli es curadora y escritora independiente y trabaja entre Londres y São Paulo. Entre sus proyectos recientes están los Solo Projects/ América Latina en ARCO 2015 y That Which Cannot be Repaired – Tonico Lemos Auad en Pivô (São Paulo). Actualmente es miembro del eqiupo curatorial de Sitelines – Site Santa Fe Biennial, que abre en 2016.

Cristiana Tejo es curadora independiente y candidata a PhD en Sociología (UFPE). Co-fundadora del Espaço Fonte – Centro de Investigação em Arte. Fue curadora del 32º Panorama de Arte Brasilera – MAM – SP (2011) y del Special room de Paulo Bruscky en la X Bienal de La HaBana ( 2009). Vive y trabaja en Recife y en Lisboa.

Sandra Sánchez es crítica de arte y escritora. Estudió Literatura Inglesa y Arte. Su campo de interés es el arte contemporáneo y su relación con la configuración de subjetividades y con la forma en que éste opera en campos locales, inserto en un discurso global. Es co-fundadora de Zona de Desgaste, un espacio independiente dedicado al análisis de arte contemporáneo en la Ciudad de México.

Fabiola Iza (1986) es curadora e historiadora del arte. Realiza de manera independiente exposiciones y proyectos editoriales que buscan estrategias novedosas que puedan potencializar y animar archivos relacionados con el desarrollo de narrativas e identidades nacionales. Estudió Teoría del Arte en la Universidad del Claustro de Sor Juana, ciudad de México y la maestría en Culturas Visuales en Goldsmiths, Universidad de Londres.

 


 

Colaboradores edición 3

Emily Rappaport es una escritora basada en Los Angeles que ha vivido y trabajado en Nueva York, New Haven, Portland y la Ciudad de México. Le interesan los murales de la Works Progress Administration, las miniaturas pre-hispánicas, el land art del oeste estadounidense y las cosas que hacen sus amigos. Sus escritos se han publicado en ARTnews, Flash Art y Artsy.

Daniel Aguilar Ruvalcaba (León, 1988) es artista visual, actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Cursó estudios en el programa educativo de SOMA y es fundador y co-director del espacio de exposiciones Bikini Wax. Recientemente tuvo una exhibición individual, Tutorialess, en el Museo Universitario del Chopo.

Natalia Valencia (1984, Bogotá) es curadora independiente, vive en la Ciudad de México. Sus proyectos curatoriales y sus escritos parten de un interés por el lenguaje y por las nociones del tiempo y los sistemas de creencias no occidentales. Ha curado exposiciones en el Palais de Tokyo en Paris, Sala de Arte Público Siqueiros en México DF, L´appartement 22 en Rabat, Marruecos, Museo Quinta de Bolívar en Bogotá, Proyectos Ultravioleta en Guatemala. En el 2013 trabajó como investigadora de arte latinoamericano en el Centro Pompidou en Paris. Ha escrito para las revistas Kaleidoscope, SUR, The Paris Triennale Journal y para varios catálogos de exposiciones.

Catalina Lozano (Bogotá, 1979) es curadora e investigadora independiente. Está interesada principalmente en narrativas históricas menores que cuestionan formas hegemónicas de conocimiento, especialmente críticas no postmodernas de la modernidad. En 2011 co-fundó de_sitio, una plataforma de proyectos en la Ciudad de México.

Maria Virginia Jaua es escritora, editora, crítica e investigadora cultural. Ha desarrollado y colaborado en diversos proyectos editoriales. Dirige la revista online de crítica de arte y análisis cultural Salonkritik.net.  Imparte seminarios, talleres y conferencias sobre arte, escritura y análisis de la imagen. Forma parte del grupo de trabajo e investigación de la Sorbonne Nouvelle: Écritures de la modernité. Ha colaborado con artistas y músicos en diferentes creaciones y es en el entrecruce de diversas disciplinas en donde se centra la mayor parte de su trabajo.

Víctor Albarracín Llanos (1974) trabaja en proyectos de diversa índole. Es autor de tres libros y de un sinnúmero de textos críticos y narrativos, ha sido co-fundador y miembro de espacios de artistas que incluyen El Bodegón (Bogotá, 2005-2009) y Selecto–Planta Baja (Los Angeles, 2014–), artista y curador, entre otros. Becario Fulbright 2013-2015 y ganador, en Colombia, del Premio Nacional de Crítica, 2009. Vive y trabaja entre Bogotá y Los Ángeles.

Bernardo José de Souza es curador y profesor universitario. Formó parte del equipo curatorial de la 9a Bienal  do Mercosul en Porto Alegre (2013). Entre 2005 y 2013 fue director del Departamento de Cine, Video y Fotografía de la Secretaría de Cultura de Porto Alegre. Actualmente es curador del 19avo Festival de Arte Contemporáneo Sesc Videobrasil, al tiempo que desarrolla proyectos independientes de curaduría para instituciones, tales como The Negative Hand en Parque Lage en Rio de Janeiro y Prisma Project en ArtRio en Rio de Janeiro (2015). Se graduó en Media Studies del PUCRS y se especializó en Fotografía y Moda en University of the Arts en Londres.

Arden Decker es una historiadora del arte basada en Ciudad de México. Su investigación académica se centra en el desarrollo del arte efímero y las estrategias de intervención institucional en México en los 60s y 70s.

Kelman Duran es un artista y curador basado en Los Angeles, nacido en República Dominicana y criado en Washington Heights, Nueva York. Su trabajo se informa de contra-historias que lidiar con la exclusión y el poder políticos. Tiene una maestría en Artes del California Institute of the Arts, Los Angeles y fue curador residente en Otras obras, Tijuana, México. El trabajo de Duran ha sido mostrado en LACMA (OFFSITE Series), REDCAT, Echo Park Film Center y Human Resources en Los Angeles; Viennale Film Festival, Viena; Split Film Festival, Croacia; Bradford International Film FestivalZinebi, Bilbao;  y en el Sensory Ethnography Lab en la Universidad de Harvard, Cambridge, EUA.

Cameron Shaw es directora ejecutiva, fundadora y editora de Pelican Bomb, una fundación de arte contemporáneo sin ánimo de lucro basada en Nueva Orleans, EUA.

Eduardo Abaroa es un artista mexicano que se dedica a la instalación y la escultura. Ha sido autor de numerosos textos acerca de arte contemporáneo. En 2011 organizó el Simposio Internacional de Teoría y Arte contemporáneo titulado Teoría y práctica de la catástrofe.

 


 

Colaboradores edición 2

Rodrigo Ortiz Monasterio (México D.F. 1985) es editor y curador,basado en la Ciudad de México. Tiene una maestría en práctica curatorial de la Universidad de California College of the Arts en San Francisco. Su trabajo se centra principalmente en las expresiones de la modernidad en América Latina y en el material impreso como libros de artista, publicaciones sobre arquitectura, y archivos. En 2013 fundó Editorial Guayaba, la cual funciona como editorial independiente y plataforma curatorial para monografías de investigación de artistas. Guayaba publica la revista Sur, y está comprometida con la difusión de artículos escritos tanto en inglés como en español que puedan expandir las discusiones del arte contemporáneo en un contexto local e internacional.

Patrik Haggren es escritor, investigador y curador. Recientemente curó Linear Imaginations (Sicardi Gallery, 2015) y From Here to Afternoon (Laura Lee Blanton Gallery, 2013), una exposición sobre la acumulación y proyección de movimientos en diversos campos:  danza, fotografía, economía, conflictos laborales y escultura. Haggren vive en Berlin, y trabaja en proyectos en Houston y Stockholm, donde forma parte del CuratorLab, un seminario experimental para proyectos curatoriales.

Linda Mai Green es escritora y curadora franco-estadounidense radicada en Nueva York. Ha organizado exposiciones en Berlín y Nueva York, y ha participado en la programación educativa en bienales como Berlín, Gwangju (Corea del Sur) y Shanghai. Ha publicado en Mousse, Art in American, The Exhibitionnist, policymic, META magazine y ifacontemporary. Es candidata a doctorado en historia del arte en el  Institute of Fine Arts, NYU, donde investiga sobre la intersección entre pensamiento ecológico e historia del arte.

Daniel Garza-Usabiaga es Doctor en Historia y Teoría del Arte de la Universidad de Essex. Es curador independiente y académico, autor del libro Mathias Goeritz y la arquitectura emocional. Una revisión crítica 1952-1968 (Vanilla Planifolia, 2012). Es fundador con Oscar Benassini de Solidaridad Press, que publica, entre otros, la revista Caín.

João Laia (1981, Lisboa) es autor y curador con formación en ciencias sociales, teoría del cine y arte contemporáneo. Ha escrito para periódicos y revistas como Frieze, MOUSSE o Público y ha colaborado con instituciones como el Moderna Museet en Stockholm y la South London Gallery en Londres. Proyectos recientes incluyen el programa de performance a polyphonic wave of concrete materials flowing through the air y la exposición y publicación Hybridize or Disappear. En 2014 con Rosa Lléo co-funda The Green Parrot en Barcelona, un espacio sin ánimo de lucro dedicado al arte contemporáneo – www.thegreenparrot.org. Es miembro del equipo curatorial de la 19ava edición de Videobrasil, un festival de arte contemporáneo dedicado al “Global South”, que tendrá lugar entre Octubre y Diciembre de 2015 en Sao Paulo. Es candidato a doctorado de la Universidad de Birkbeck en Londres.

Steven Shaviro es DeRoy Professor of English en Wayne State University. Escribe sobre filosofía del proceso, film y videos musicales y ciencia ficción. Bloguea en The Pinocchio Theory (http://www.shaviro.com/Blog ).

Leonel Alfonso Juracán Lemus (1981, Ciudad de Guatemala) es narrador y poeta. Actualmente estudiaFilosofía en la Universidad de San Carlos de Guatemala. Fue miembro de la Asociación de Escritores de Guatemala y es co-fundador del grupo Folio 114. Juracán ha publicado artículos en Casi literal, Vértice, Revista de la Universidad de San Carlos y Algarero cultural, entre otros. Es autor de los libros Guía práctica para manejar la invisibilidad (Editorial Ley-va, 2001),Inflamable (Editorial Cultura, 2008) y Fúnebre y carnavalesco (Editorial Magna Tierra, 2012). Además ha sido publicado en antologías como Poemas de la postguerra (Editorial Helvetas, 2002), Antología de cuento Lema Tzijonem (Comunidad Nacional de Escritores y Fondo de Cultura Económica, 2002), y Ni hermosa ni maldita. Narrativa guatemalteca actual (Editorial Alfaguara, 2012); entre otras.

Chris Sharp es escritor y curador independiente basado en la Ciudad de México, donde junto al artista mexicano Martin Soto Climent opera el espacio Lulu. Exposiciones curadas recientes incluyen The Registry of Promise, un proyecto en cuatro partes que tuvo lugar en De Vleeshal, Middelburg, Holanda 2015; Le Crédac, Ivry, Francia, 2014; Parc St. Léger, Pougues-les-Eaux, Francia, 2014; La Fondazione Giuliani, Roma, 2014; así como la doceava Swiss Sculpture Exhibition en Biel/Bienne, Suiza, títulada Le Mouvement, co-curada con Gianni Jetzer, 2014;Manners of Matter, Salzburger Kunstverein, Salzburg, 2014. Recientemente co-editó y contribuyó con un texto para “Composition” de Jochen Lempert, publicado por Walter König, y está preparando una serie de exposiciones sobre piedras para el espacio Kim? en Riga, Latvia, y Casa del Lago en Ciudad de México.

Tobi Maier es crítico de arte, curador, docente y editor basado en São Paulo. Ha sido curador en Frankfurter Kunstverein (2006-2008) y en MINI / Goethe-Institut Curatorial Residencies Ludlow 38, en Nueva (2008-2011). Curador asociado de la 30ava Bienal de São Paulo  (2011-2012) y co-editor de las publicaciones OEI #60/61 Extra-disciplinary spaces and de-disciplinizing moments. In and out of the 30th Bienal de São Paulo en 2013 y OEI #66 poema/processo en 2014, entre otros. Obtuvo un MA en estudios curatoriales del Royal College of Art en Londres y es doctorando en Poéticas Visuais en ECA-USP, São Paulo. Contribuye desde São Paulo para revistas de arte contemporáneo como Artforum, Frieze y Aperture. Tobi Maier es co-fundador del espacio de exhibición SOLO SHOWS en São Paulo.

Carolina Sanín nació en Bogotá en 1973. Es autora de las novelas Todo en otra parte y Los niños, la colección de relatos Ponqué y otros cuentos, la colección de textos humorísticos Yosoyu, el libro para niños Dalia (Norma, 2010), y el ensayo Alfonso X, el Rey Sabio. Ha sido columnista del diario El Espectador, la revista Arcadia y la revista Semana.com. Obtuvo un Ph.D. en Literatura Hispánica y Portuguesa de la Universidad de Yale. Ha enseñado literatura y creación literaria en la State University of New York-Purchase College y en la Universidad de Los Andes, en Bogotá, donde actualmente es Profesora Asociada.

 


 

Colaboradores edición 1

Emiliano Valdés es curador, editor y productor cultural guatemalteco. Actualmente reside en Medellín, Colombia y en Ciudad de Guatemala. Es curador en jefe del Museo de Arte Moderno de Medellín. In 2014 fue Curador Asociado de la 10a Bienal de Gwangju. Hasta hace poco fue Co-director de Proyectos Ultravioleta, una plataforma multifacética para la experimentación en arte contemporáneo en Ciudad de Guatemala. Así mismo trabajó como Curador/Jefe de Artes Visuales en el Centro Cultural de España en Guatemala. En 2012, fue Curatorial Fellow de la Colección Patricia Phelps de Cisneros Curatorial en dOCUMENTA (13), Kassel.

Natalia Valencia (1984, Bogotá) es curadora independiente, vive en la Ciudad de México. Sus proyectos curatoriales y sus escritos parten de un interés por el lenguaje y por las nociones del tiempo y los sistemas de creencias no occidentales. Ha curado exposiciones en el Palais de Tokyo en Paris, Sala de Arte Público Siqueiros en México DF, L´appartement 22 en Rabat, Marruecos, Museo Quinta de Bolívar en Bogotá, Proyectos Ultravioleta en Guatemala. En el 2013 trabajó como investigadora de arte latinoamericano en el Centro Pompidou en Paris. Ha escrito para las revistas Kaleidoscope, SUR, The Paris Triennale Journal y para varios catálogos de exposiciones.

Mario Llanos Luna (1988, Barranquilla) vive y trabaja entre Puerto Colombia y Barranquilla, es surf-shaper y co-curador y co-director del espacio independiente  La Usurpadora, las Residencias Artísticas Centurión de la Noche ubicadas en Puerto Colombia – Atlántico (Colombia).

Oliver Martínez-Kandt (1983, Oaxaca) es director/curador del proyecto curatorial independiente Parallel Oaxaca, y curador asociado en Komplot, Bélgica y el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, en donde realiza el programa anual Monogramas que da inicio con la exposición de Mariana Castillo Deball en 2015. Tiene un MFA en curaduría del Goldsmiths College de Londres. Ha generado nuevas comisiones en proyectos con especificidad de sitio en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, la colección David Roberts Art Foundation de Londres, Komplot Bélgica, la Bienal de Bruselas 1-off program y el Museo de la Ciudad de México, con artistas como:  Abraham Cruzvillegas, Geoffrey Farmer, Karla Black, Reto Pulfer, Matthieu Laurette, Simon Denny, Michael Dean, Ben Cain, Begoña Morales, Tania Pérez Córdova y Rodrigo Hernández, entre otros. Recientemente ha sido nombrado curador de la X Bienal Nicaraguense a celebrarse en las ciudades de Managua, León y Granada en 2015.

Andrew Berardini es escritor en Los Ángeles. Escribe sobre la permeabilidad entre la imaginación y la realidad, sobre todo en forma de ensayos ficticios y ficción ensayística, a menudo sobre arte. Co-fundador de The Art Book Review, colabora como editor de Mousse, Momus y Art-Agenda; ha curado exposiciones con alguna regularidad (usualmente con colaboradores), entre ellas una discoteca metafísica en la Iglesia del Santo Sudario en Turín, una cadena epistolar en Palais de Tokyo en Paris, y un río de Chris Johanson que atravesaba el Museum of Contemporary Art en Los Angeles. Ha publicado en Artforum, ArtReview, y en LA Weekly, entre otros. Finalista del Premio Bonaldi Award para jóvenes curadores y ganador del Andy Warhol/Creative Capital Grant para escritores de arte en 2013. Próximamente Berardini publicará un libro en Mousse Publishing sobre Danh Vo y actualmente prepara otro libro sobre el color.

Dorothée Dupuis (1980, París) es curadora, autora y editora francesa residiendo entre Francia y Ciudad de México. Formada en el Centre Pompidou y co-fundadora de Le Commissariat en Paris en 2006, fue así mismo directora de Triangle France en Marsella, del 2007 al 2012. Feminista dedicada, es co-directora de la revista Petunia. Su práctica curatorial y sus escritos buscan exponer, cuestionar y desafiar estructuras de poder en el campo del arte. Algunos de sus proyectos recientes son: Dewar & Gicquel (Prix Marcel Duchamp 2012) en el Centre Pompidou (2013); Pro-choice en Kunsthalle Freiburg, Suiza, curada con Petunia (2013); Momentum ? May be it’s time… también con Petunia en PSM Gallery en Berlin (2014), Matthieu Laurette en Parallel, Oaxaca; Renaud Jerez en Lodos, México DF (2014). En 2014 fue curadora en residencia en Fahrenheit by Flax en Los Ángeles y en Capacete en Río de Janeiro. Fue así mismo curadora invitada en 2014 en Les Ateliers des Arques en Francia. Sus escritos han sido publicados en varios catálogos de exposiciones así como en Spike, Metropolis M, Mousse, Kaleidoscope, ArtReview, Flash Art, entre otros.

Jennifer Teets es curadora y escritora, vive en París. Su trabajo reciente toma forma de guiones para escenarios en los que la información, la técnica, la teoría y la estética se entrelazan, creando lugares de divergencia histórica y espacial. Sus eventos y exposiciones recientes incluyen: This place you see has no size at all, Kadist Art Foundation, Paris (2009); A clock that runs on mud, Galeria Stereo, Poznan, (2011); The world is bound in secret knots, Fondazione Giuliani, Roma, (2012); Vinimos a soñar: France Fiction, Museo Experimental El Eco, Mexico DF (2012);Boustrophedonic procession, (con Darius Mikšys y Chris Fitzpatrick) Objectif Exhibitions, Amberes (2012/2013); Elusive Earths, Etablissement d’en face Projects, Bruselas (2014); Tierras Esquivas II, (con/ Lorenzo Cirrincione) FLORA ars+natura, Bogotá (2014). En 2014  organizó la serie Pharmacokinetics of an Element (proyecto piloto para la XII Trienal del Báltico) en el Contemporary Art Centre, Vilnius.

Ericka Flórez (1983, Cali) se graduó de Psicología. Trabaja como artista, editora y curadora en Cali. Actualmente hace parte del equipo de Lugar a dudas y de La Nocturna. La Nocturna desarrolla contenidos educativos en torno al arte y el pensamiento en Cali, explorando distintos formatos discursivos y buscando la unión entre modos formales e informales de encuentro en torno al conocimiento. El programa actual se concentra así mismo en la revisión de ciertas particularidades (metáforas, estrategias, etc) de la historia del arte local, y en prácticas artísticas que cuestionan los límites entre documento y ficción. Usualmente las escuelas nocturnas están hechas para personas que llegaron tarde a la educación, para los adultos que deben trabajar y estudiar a la vez. La Nocturna son: Herlyng Ferla, Mónica Restrepo, Hernán Barón y Ericka Flórez.

Hunter Braithwaite es autor, editor y fundador del Miami Rail, una revista trimestral dedicada al arte contemporáneo y la cultura. Luego de una esporádica colaboración como escritor de guías de viaje para National Geographic, se radica en Shanghai en donde trabaja como periodista independiente para varias publicaciones como Asian Art News, The Wall Street Journal, y Artforum. En 2011 regresa a Miami, en donde escribe sobre la escena emergente local para Ocean Drive y The Paris Review, entre otros. Ocasionalmente cura exposiciones y actualmente está radicado en Memphis, en donde está terminando su primer libro.

Magnolia de la Garza es curadora radicada en México D.F. Actualmente es Subdirectora de la Colección Coppel (CIAC). En 2014 fue una de las curadoras de la XVI Bienal de Fotografía del  Centro de la Imagen. De 2008 a 2013 fue curadora asociada en el Museo Tamayo, donde curó distintas exposiciones individuales de artistas como Monika Sosnowska, Michael Stevenson, Pia Rönicke, Amalia Pica y Carlos Amorales y co-curó así mismo varias exposiciones colectivas. Anteriormente trabajó como investigadora de la Colección de Arte de Fundación Televisa y en el Museo Nacional de Arquitectura.

Dean Daderko es curador en el Contemporary Arts Museum Houston, Texas, Estados Unidos, en donde curó recientemente Parallel Practices: Joan Jonas & Gina Pane, exposición que exploraba los puntos en común y las divergencias en las prácticas de dos artistas pioneras de la historia del performance. Así mismo, curó la exposición LaToya Ruby Frazier: WITNESS, descrita por la misma artista como: “la historia del ascenso de la globalización y del declive de la manufactura a través de los cuerpos de tres generaciones de mujeres Afro-Americanas.” También inauguró recientemente en el CAMH: Double Life, con obras de Jérôme Bel, Wu Tsang, y Haegue Yang, exposición en torno a la cual gira su escrito para Terremoto.

María Elena Ortiz es curadora asistente en el Pérez Art Museum Miami (PAMM), donde ha curado proyectos como At the Crossroads: Critical Film and Video from the Caribbean y la próxima exposición Firelei Báez (2015). Anteriormente, trabajó como curadora de arte contemporáneo en la Sala de Arte Público Siqueiros en la Ciudad de México, donde organizó varios proyectos como Carlos Motta, La forma de la Libertad y Rita Ponce de León: David. Ortiz también ha colaborado con instituciones como New Langton Arts, San Francisco; Teorética, San José, Costa Rica; el Museum of Craft and Folk Art, San Francisco; y la Tate Modern, Londres. En 2012, curó Wherever You Roam en el Museum of Latin American Art, Long Beach. Ortiz ha contribuido en plataformas como Fluent Collaborative, Curating Now y Dawire. María Elena tiene una Maestría en Curatorial Practice del California College of the Arts (2010). En el 2014, fue galardonada con The Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC) and Independent Curators International (ICI) Travel Award for Central America and the Caribbean, y como parte de esta investigación, próximamente presentará Video Islands en el Anthology Film Archive en Nueva York.

Libertalia Tropical

Objeto – Espacio – Comportamiento

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