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Valongo, Festival Internacional da Imagem 2019 — Entrevista con Diane Lima

São Paulo, Brasil November 8, 2019 – November 10, 2019

Davi Pontes & Wallace Ferreira in Repertório N.1 . Image courtesy of Valongo Festival Internacional do Imagem

Today, the third edition of Valongo, Festival Internacional da Imagem, opens in Santos, São Paulo. Created in 2016, Valongo aims to “investigate the different forms of conception and production of visual narratives that accompany the contemporary debate” through exhibitions, conferences, workshops, and shows. We present here an interview with Diane Lima, curator of Valongo 2019 to learn more about her curatorial line and the context where it unfolds.

Terremoto: Created in 2016, the Festival Internacional de Imagem has as its main objective to “investigate different forms of conception and production of the visual narratives that make up the contemporary debate”. I would like to begin this interview by asking you to contextualize the cultural context that encompasses the articulation of visual narratives in the artistic community in Brazil, of which you are part of, in face of the fascist and mediocre cultural policy of Jair Bolsonaro, who has censored precisely those images that project other ways of seeing and conceiving the world on the grounds of “preserving Christian values” –values that include an exacerbated racism. What do you face today in Brazil as cultural and art workers in the visual culture field? What is the importance of spaces like the Valongo Festival?

Diane Lima: I think of censorship not as everything that is only made visible and public through prohibition, but as the whole process of reduction that precedes the visibility of the debate. I understand that before something is materially repressed in terms of a democratic fiction, we have been the target of systematic containment attempts that, through different legalized procedures, aim to make invisible, turn off, silence and make impossible our ways of seeing and expressing in the world.

In this game between the visible and the invisible, which throws us daily into a place of vulnerability and impotence by updating and reassembling the old neo-colonial-liberal strategies, I realized that part of our work as cultural producers has been to negotiate with the effects of contradiction. As racialized and dissident bodies, moving through the changing terrain of the conservative ethical nonsense in Brazil has been a daily exercise that involves strategies for incorporated knowledge production, language exercises and access to the invisible; of temporary speculation, optical games, production of wellbeing and, above all, from my part, the destruction of the conditional regulations on the understanding of “the feminine” through a review of affections, feelings, and all the biologizing fictions: the creation of a porous body, oceanic, monstrous and, therefore, supernatural. In terms of art, it implies observing the effects of our lack of liberation and excessive control of the imagination to think of ways of seeing and conceiving the world that historically have not been available to us.

In this sense, I see that Valongo has been one of those deserts where it is possible to experiment with an exhibition policy that involves us from the personal and emotional, and that today, it has become one of the main references in the country to bring together a production that has tried to move away from the hegemonic values of politics, of the body, and therefore, of contemporary art.

Installation Eric Magassa, Walking with Shadows 2019. Photo by Henrik Zeitler. Image courtesy of Valongo Festival Internacional do Imagem

T: Following from this, we would like to approach your curatorial process for the Festival through the emphasis that you have placed on the “delay” in your curatorial text, lethargy as a reminder that “acting and living”—borrowing words from that text—is a weaving of language that communicates when the experience is recognized as something shared. Tell us about your reflections on the power that lies in the multidimensionality of language in terms of enabling the common, remembering that the common is only possible through a series of discounters.

 DL: The title of my curatorship was a bit of farewell advice that I first heard from my mother’s sister, my godmother Darlúcia, who said: “The best thing about the trip is the delay.” The lesson has to be decoded in the journey ahead, it would take as its main secret the fact that the only way to understand it is through the lived experience: like every proverb, only what was said when acting and living is understood, and it can only be said, having been experienced and learned.

 I believe, then, that the power of the title refers both to the set of reflections around the incorporated and common knowledge and to the movement that invites us to realize this knowledge when it is enunciated through an experience that has its meaning understood and manifested in language itself. This means that as a word-frequency, which speaks of itself and from itself, the waves and radiations impregnated in the act of pronouncing, reveal a cosmology as well as an experiment that inaugurates dissident forms of expression and imagination by materializing in its own way of expressing. Such questions have been fundamental in my practice since they lead me to experience an exhibition policy that starts from our own production of knowledge, performing on what is aesthetically visible but expanding, from an ethical point of view, on its structures. I cling to that common with all the conflict it contains, the concretion of its own delay, so Valongo 19 researches the visionary potential of images capable of realizing our multiple ways of being.

T: Can you expand on the ethics you refer to in terms of exhibition policies in contrast to the whiteness that is at the center of contemporary art structures? How does this condition the visionary potential?

DL: In view of the modification processes that seek to rethink the forms of exhibiting that we know, I have been thinking how—and if its possible—to create in the projects that I have been carrying out, not an “exhibition policy of the other” but an “exhibition policy of an us” that calls into question the regimes of truth and visibility of the hegemonic epistles of contemporary art. A policy that at the same time allows us to perform our knowledge from an ethical and aesthetic point of view, spaces where we can exercise these potential visionaries.

Said perspective resonates in a text I wrote recently called O nascimento da forma [The birth of the form]. In it, I reflect that if we understand that any initiative committed to decolonization—its exercises, gestures, and acts—by ontological condition, will begin with the presupposition of the creation of shapes that do not exist, so that the possible creation of conditions is presented as our challenge so that what is trying to take shape in the world reaches its meaning: the action of a political body whose voice in the world takes place in the very gesture of dismissing the need for a descriptive and categorical way of talking about it, moment in which we see the birth of the shape.

Ventura Profana, A gloria da trava, 2019. Image of the artist and Valongo Festival Internacional da Imagem

T: Departing from what you just said, what can we expect from your curatorship for Valongo 2019 in relation to the multiplicity of being?

DL: Dialoguing with ruins, monuments, squares and historical buildings, as well as an artistic residence, an accompanying program, educational activities, performances, shows and a collective exhibition—which is the product of three open-calls with a total of almost 50 artists/researchers—in this edition, various works propose to erase the limits of representation through a political exercise of imagination. In the meantime, we can cite the work of Ventura Profana who, affirming herself as an apocalyptic body through music, performance and visual arts, inaugurates the festival with a research around two processes of translation and interpretation of biblical texts quarreling over dissident narratives in terms of the spiritual produced by non-normative bodies.

I would also like to mention the Swedish-Senegalese artist, Eric Magassa, who through a mixed-media installation with a palette of bright colors and abstract pictorial elements, questions how wandering, drifting and disorientation can stress our mental and terrestrial geography by experimenting with ways of re-defining our imaginary and colonial archives.

On her part, the artist Malú Avelar brings the Sauna lésbica [Lesbic Sauna] installation, a space of viscous imagination to slide and celebrate the presences and experiences of lesbian women. During the three days of the Festival, the installation will be activated with performances, readings, parties, experiences, and audiovisual works.

From her experience with metalwork, artist Rebeca Carapiá presents the series Como colocar ar nas palavras [How to put air in words]. Composed of a set of 6 large iron sculptures and a set of canvases with sculpted copper drawings, the artist has created a whole cosmology that presents the deconstruction of female geographies to enable other ways of noticing the difference without explaining it.

And finally, I would like to mention David Pontes and Wallace Ferreira who present Repertorio No. 1 [Repertory No. 1] where they invert the idea of dance as self-defense by using mimesis and ritualized repetition of gestures to produce a study on images choreographed by dissident bodies, in an attempt to present actions that develop resistance, conjure up ways of remaining in the world and inventing what has to succeed it.

Rebeca Carapiá, Como colocar ar nas palavras. Image courtesy of Valongo Festival Internacional da Imagem

T: To conclude this brief interview, I would like to ask you about those artistic and cultural projects with which this edition of Valongo presents as part of a dissent and resistance network in light of the whiteness that crosses the Brazilian cultural context from its public instances to the contemporary art system.

DL: Nowadays the festival has a network of collaborators that I believe not only goes through an institutional articulation but, above all, through the networks of affection of all the people who are supporting us and that are fundamental in our attempt to think about access economies and the contradictions that arise in these negotiations in view of the precariousness of the cultural system in the country. In this sense, I could not refrain of mentioning Mova Produtora, my lifelong partners, who were fundamental to the realization and wellbeing of the Festival; the Galpão Base that was in charge of our museography; or Fabiano Procópio, designer who created all our visual identity; to researcher Tarcísio Almeida for his contributions to curatorial research, as well as to our extensive communication team with names such as Gabriela Monteiro, Mariana Rodrigues, Lara Rivetti, Rafaela Candido and Vitor Reis. It is also important to mention the communication that the founder and director of Valongo, Thamy Matarozzi, has created with all the cultural institutions that support the Festival. Also, partners alike Midia Ninja, the Burako’s cultural center and Armazém 33 were fundamental, not counting all the artists who mobilized and made this Festival possible. To all, my greatest gratitude.

Davi Pontes e Wallace Ferreira em Repertório N.1. Imagen cortesía de Valongo Festival Internacional do Imagem

El día de hoy inaugura en Santos, São Paulo la tercera edición de Valongo, Festival Internacional da Imagen. Creado en 2016 Valongo tiene como objetivo “investigar las diferentes formas de concepción y producción de narrativas visuales que acompañen el debate contemporáneo” a través de exposiciones, conferencias, talleres y espectáculos. Presentamos aquí una entrevista a Diane Lima, curadora de Valongo 2019 para conocer más sobre su línea curatorial y el contexto en que ésta se desdobla.

Terremoto: Quisiéramos comenzar esta entrevista pidiéndote que contextualices la situación cultural que enmarca la articulación de narrativas visuales en la comunidad artística de la que formas parte en Brasil ante la fascista y mediocre política cultural de Jair Bolsonaro, quien ha censurado justamente aquellas imágenes que proyectan otras formas de ver y concebir el mundo bajo el argumento de “preservar los valores cristianos” —valores que incluyen un racismo exacerbado. ¿A qué se enfrentan hoy en Brasil como trabajadorxs del arte y la cultura en el campo de la cultura visual? ¿Cuál es la importancia de espacios como el Festival Valongo?

Diane Lima: Pienso en la censura no como todo aquello que solamente se hace visible y público mediante la prohibición, sino como todo el proceso de reducción que precede a la visibilidad del debate. Entiendo que antes de que algo se reprima materialmente en términos de una ficción democrática, hemos sido blanco de intentos sistemáticos de contención que, a través de diferentes procedimientos legalizados, tienen como objetivo invisibilizar, apagar, silenciar y hacer imposibles nuestras formas de ver y expresar en el mundo.

En este juego entre lo visible y lo invisible, que diariamente nos arroja a un lugar de vulnerabilidad e impotencia al actualizar y reensamblar las viejas estrategias neocolonistas-liberales, veo que parte de nuestro trabajo como productores de cultura ha sido negociar con los efectos de la contradicción. Como cuerpos racializados y disidentes, moverse a través del terreno cambiante del sinsentido ético conservador en Brasil ha sido un ejercicio cotidiano que involucra estrategias para la producción de conocimiento incorporado, ejercicios de lenguaje y acceso a lo invisible; de especulación temporal, juegos ópticos, producción de salud y, sobre todo, personalmente, la destrucción de la normativa condicionada a la comprensión de “lo femenino” a través de una revisión de los afectos, sentimientos y todas las ficciones biologizantes: la creación de un cuerpo poroso, oceánico, monstruoso y, por lo tanto, sobrenatural. En términos de arte, implica observar los efectos de nuestra falta de liberación y el control excesivo de la imaginación para pensar en formas de ver y concebir el mundo que históricamente no han estado disponibles para nosotrxs.

En este sentido, veo que Valongo ha sido uno de esos desiertos donde es posible experimentar con una política de exhibición que nos involucra desde lo personal y afectivo, y que hoy, se ha convertido en una de las principales referencias en el país para reunir una producción que ha tratado de alejarse de los valores hegemónicos de la política, del cuerpo, y por lo tanto, del arte contemporáneo.

Instalación de Eric Magassa, Walking with Shadows, 2019. Photo by Henrik Zeitler. Imagen cortesía de Valongo Festival Internacional do Imagem

T: A partir de lo anterior, quisiera acercarme a tu curaduría para el Festival a través del hincapié que haces en tu texto curatorial en la “demora”, el letargo como recordatorio de que el “actuar y vivir”, tomando prestadas palabras de dicho texto, es un tejer de lenguaje que comunica cuando la experiencia es reconocida como algo compartido. Cuéntanos un poco sobre tus reflexiones sobre la potencia que yace en la multidimensionalidad del lenguaje en cuanto a posibilitar lo común, recordando que lo común solamente es posible a través de una serie de desencuentros.

DL: El título de mi curaduría fue un consejo de despedida que escuché por primera vez de la hermana de mi madre, mi madrina Darlúcia, quien dijo: “Lo mejor del viaje es la demora”. La enseñanza ha ser descodificada en el viaje por delante, llevaría como su secreto principal el hecho de que la única forma de entenderlo es a través de la experiencia vivida: como todo proverbio, sólo se entiende lo que se dijo al actuar y vivir, y solo se puede decir, al haberlo cruzado y aprendido. 

Creo, entonces, que el poder del título se refiere tanto al conjunto de reflexiones alrededor del conocimiento incorporado y común, como al movimiento que nos invita a realizar dicho conocimiento cuando se enuncia a través de una experiencia que tiene su significado realizado y manifestado en el lenguaje propio. Esto significa que como palabra-frecuencia, que habla de sí y a partir de sí misma, las ondas y radiaciones impregnadas en el acto de pronunciar, revelan una cosmología así como un experimento que inaugura formas disidentes de expresión e imaginación al materializarse por su propia forma de decir. Tales preguntas han sido fundamentales en mi práctica ya que me llevan a experimentar una política de exhibición que parte de nuestra propia producción de conocimiento, performando en lo que es estéticamente visible pero expandiéndose, desde el punto de vista ético, en sus estructuras. Sobre ese común me aferro a él con todo el conflicto que contiene, la concreción de su propio retraso, por lo que Valongo 19 investiga el potencial visionario de las imágenes capaces de realizar nuestras múltiples formas de ser.

T: Puedes profundizara en la ética a la que te refieres en cuanto a políticas de exhibición en contraste a la blanquitud que se encuentra al centro de las estructuras del arte contemporáneo, ¿cómo ésta condiciona el potencial visionario?

DL: En vista de los procesos de modificación que buscan repensar las formas de exhibición que conocemos, he estado pensando cómo —y si es posible— crear en los proyectos que he estado llevando a cabo, no una “política de exhibición del otro” sino una “política de exhibición de un nosotros” que ponga en cuestión los regímenes de verdad y visibilidad propios de los epístemes hegemónicos del arte contemporáneo. Una política que al mismo tiempo nos permita performar nuestros conocimientos desde el punto de vista ético y estético, espacios donde podamos ejercer esos potenciales visionarios. 

Dicha perspectiva resuena en un texto que escribí recientemente llamado O nascimento da forma [El nacimiento de la forma]. En él reflexiono que si entendemos que cualquier iniciativa comprometida con la decolonización, sus ejercicios, gestos y actos, por condición ontológica, comenzará con la presuposición de la creación de formas que no existen, por lo que se presenta como nuestro desafío la creación de condiciones posibles para que lo que está tratando de tomar forma en el mundo alcance su significado: la acción de un cuerpo político cuya voz en el mundo tiene lugar en el gesto mismo de destituir la necesidad de una forma descriptiva y categórica de hablar sobre él, momento en el que vemos irrumpir el nacimiento de la forma.

Ventura Profana, A gloria da trava, 2019. Imagen cortesía de la artista y Valongo Festival Internacional da Imagem

T: A partir de lo anterior, ¿qué podemos esperar como parte de tu curaduría para Valongo 2019 en relación a la multiplicidad de ser? 

DL: Dialogando con ruinas, monumentos, plazas y edificios históricos, y contando con una residencia artística, un programa de acompañamiento, actividades educativas, performances, shows y una exposición colectiva —fruto de tres convocatorias que suman un total de casi 50 artistas/pesquisadores—, en ésta edición, diversos trabajos proponen borrar los límites de la representación a través de un ejercicio político de imaginación. Entre tanto, podemos citar el trabajo de Ventura Profana quien afirmándose como un cuerpo apocalíptico a través de la música, del performance y las artes visuales, inaugura el festival con una pesquisa en torno a dos procesos de traducción e interpretación de textos bíblicos orientados a la disputa por narrativas disidentes en cuanto a lo espiritual producidas por cuerpos no-normativos. 

También me gustaría mencionar al artista sueco-senegalés, Eric Magassa, quien a través de una instalación de técnica mixta con una paleta de colores brillantes y elementos pictóricos abstractos, cuestiona cómo la errancia, la deriva y la desorientación pueden friccionar nuestra geografía mental y terrestre experimentando formas de resignificación de nuestro imaginario y de los archivos coloniales. 

Por su parte, lx artista Malú Avelar trae la instalación Sauna lésbica, un espacio de imaginación viscosa para deslizarse y celebrar las presencias y experiencias de mujeres lesbianas. Durante los tres días del Festival, la instalación se activará con performances, lecturas, fiestas, experiencias y obras audiovisuales.

Desde su experiencia con la cerrajería, la artista Rebeca Carapiá presenta la serie Como colocar ar nas palavras [Cómo poner aire en palabras]. Compuesto por un conjunto de 6 grandes esculturas de hierro y un conjunto de lienzos con dibujos de cobre esculpidos, la artista ha creado toda una cosmología que realiza la deconstrucción de geografías femeninas para posibilitar otras formas de notar la diferencia sin explicarla.

Y finalmente, me gustaría mencionar a David Pontes y Wallace Ferreira quienes presentan Repertorio N.1 en donde invierten la idea de la danza como auto-defensa a partir de utilizar la mimesis y la repetición ritualizada de gestos para producir un estudio sobre imágenes coreografiadas por cuerpos disidentes, en un intento de presentar acciones para elaborar resistencias, conjurar formas de permanecer en el mundo e inventar lo que ha de sucederlo. 

Rebeca Carapiá, Como colocar ar nas palavras. Imagen cortesía de Valongo Festival Internacional da Imagem

T: Para finalizar esta breve entrevista, quisiera preguntarte sobre aquellos proyectos artísticos y culturales con los que ésta edición de Valongo dialoga como parte de una red de disidencia y resistencia ante la blanquitud que atraviesa el contexto cultural brasileño desde sus instancias públicas hasta el sistema del arte contemporáneo.

DL: Hoy el festival cuenta con una red de colaboradorxs que creo no sólo pasa por una articulación institucional sino sobre todo por las redes de afecto de todas las personas que nos están apoyando y que son fundamentales en nuestro intento de pensar las economías de acceso y las contradicciones que se plantean en estas negociaciones en vista de la precariedad del sistema cultural en el país. En este sentido, no podía dejar de mencionar a Mova Produtora, mis socias de toda la vida, que fueron fundamentales para la realización y la salud del Festival; el Galpão Base que se encargó de nuestra museografía; o Fabiano Procópio, diseñador que creó toda nuestra identidad visual; al investigador Tarcísio Almeida por sus contribuciones a la investigación curatorial, así como a nuestro amplio equipo de comunicación con nombres como Gabriela Monteiro, Mariana Rodrigues, Lara Rivetti, Rafaela Candido y Vitor Reis. También es importante mencionar la articulación que el fundador y director de Valongo, Thamy Matarozzi, ha estado trabajando con todas las instituciones culturales que apoyan el Festival. La edición de 2019 no sería posible sin la Unimes, el Itaú Cultural, la Prefectura de Santos, el Sesc, el Instituto Goethe, la Alianza Francesa, la Pro Helvetia y la Cultura Inglesa. Socios también como Midia Ninja, el centro cultural Burako’s y el Armazém 33 fueron fundamentales, sin contar con todxs lxs artistas que se movilizaron y también emprendieron haciendo que este Festival suceda. A todos, mi mayor agradecimiento.

Gonzalo Reyes Rodriguez

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