Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

SITElines Biennial 2018, Santa Fe, New Mexico, USA

Por Diego del Valle Ríos Santa Fe, New Mexico, USA 08/13/2018 – 01/06/2019

SITElines Biennial 2018. Casa Tomada. Installation view. Image courtesy of SITE Santa Fe

Any idea of a nation is capitalist since it bases its reason for being in continuous practices of dispossession and exploitation. The United States is a country which started to be formed from the assassination of Native peoples in the hands of the colonizers, necropolitics which continues to be a reality despite the constant amnesia caused by the hegemonic history. Santa Fe, specifically, was founded on the racist narrative by the last conquistador, Don Juan de Oñate, over lands that were taken away from the Native Americans Acoma Pueblo, through a gory battle, the Acoma Massacre. Upon seeking to defend their freedom in the face of the plans of the Spanish conquest, the vast majority of the Acoma were assassinated by a battalion of 70 men with a canon. The survivors were taken hostage to be enslaved under the command of Oñate, who also ordered that the right foot of every Acoma man be cut off, avoiding possible future rebellions. Oñate was sentenced for acts of cruelty by the Court of New Spain but was acquitted in the short term, which normally happens with all male criminals in a position of power in a heteropatriarchal system.

This chapter on the history of the United States, which is still a present scar on the memory and identity of the Acoma Pueblo, is revisited by the biennial SITElines curated by José Luis Blondet, Candice Hopkins and Ruba Katrib, with curatorial advice from Naomi Beckwith. With the title Casa Tomada, the 2018 edition seeks to reflect on the displacement, dispossession, and construction of history based on a parallelism between the mentioned historical fact and a short story by Julio Cortázar, the exhibition taking its name from this story. In the story, two bourgeois siblings are thrown out of their house without any resistance, by a ghostly strength which starts to take the rooms until they are left stranded in the street without any possessions besides what they have with them. Disorientated, they close the fence with the key and move away, for what one could suppose, to try to continue with their lives. Through the curatorial discourse, the short story evokes the sudden disorientation brought about by the dispossession in order to remind us that the perplexity caused by the violence—be it physical or symbolic—should not paralyze us. In the U.S. context of the Trump presidency, although it seems that everything is lost, one ought to resist in order to manage to be a counterweight to the power.

Naufus Ramírez-Figueroa, Revindication of Tangible Property, 2018 Installation: wood, expanded polystyrene, epoxy resin, mineral pigments. Dimensions variable. Courtesy of the artist and Proyectos Ultravioleta, Guatemala City; Mendes Wood DM, São Paulo; and Sies & Höke, Düsseldorf † SITE Santa Fe commission. Photo: Eric Swanson

Without appealing to the revolutionary grandiloquence, the exhibition brings to the present the violent conquest carried out by Oñate based on a gesture of protest which occurred in 1997. In the context of the racist commemoration of the Acoma Massacre as the 400th anniversary of the first Spanish settlement in native American lands, the anonymous duo Friends of Acoma cut and stole the right foot of the monument which honours Oñate as a gesture of restoration of the memory which many seek to erase. Twenty years after that robbery which sparked many necessary conversations about how and who writes the history, the foot mysteriously reappeared through a documentary film by Chris Eyre, maintaining the mystery of its location and the identity of the avengers. In the exhibition, a replica of Oñate’s right food, accompanied by archival material surrounding the robbery and the film, subverts the problem of the phantom limb in order to address critically the absence of a recognition of the bodies in resistance as part of the democratic apparatus of the U.S.A.

From this, Casa Tomada displays a series of potent works among which some stand out, on the one hand, the photographic series Niñas (2018) by Paz Errázuris, the video Men Who Swallow Themselves in Mirrors (2017) by Sable Elyse Smith, and the feature film Wild Relatives (2018) by Jumana Manna because of its reflection on the subversion of spatial codes imposed systemically through criminalization and labour exploitation, from the quotidian and affective living of the oppressed bodies. On the other hand, the work of Eric-Paul Riege, Melissa Cody, Victoria Mamnguqsualuk, Lawrence Paul Yuxweluptun, Eduardo Navarro and Curtis Talwst Santiago stand out through the way in which their works seek to act, borrowing form the Zapatistas, “a world in which many worlds fit”. In this way, the above-mentioned artists seek to reveal other possible imaginaries that not only give visibility to the oppressed but also allow them to build a recognition of their histories, identities and legacies in reflection on the dystopian present.

Sable Elyse Smith, Men Who Swallow Themselves in Mirrors, 2017. Single-channel video (color, sound). 8:32 minutes. Courtesy of the artist and JTT, New York

Nevertheless, in the specific context of this exhibition I couldn’t help wondering whether the visibility and denunciations function from the white cube. The relationship of the museums with colonized and racialized communities must be reformulated from the South. In contexts such as Santa Fe, the museums represent the display of the dispossession in order to reaffirm the power of the colonizer.  One can start to reflect on this from a very clear example: the refurbishment of the SITE Santa Fe museum in charge of the architecture firm Shop Architects. The new building of the museum contrasts drastically with the traditional adobe architecture based on the stepped and perforated metallic facade, which according to the architects, seeks to create a dialogue with the Railyard park and the train lines found along it. To endeavour to dialogue with the machine that perpetuated the colonization through industrialization seems to me to be an ironical and insensitive decision on the part of the museum.

Is the museum in this case the best tool to articulate a decolonizing discourse? To whom is the exhibition aimed? During my short stay in Santa Fe I observed something in particular regarding the bodies who inhabited the town: the large majority were white tourists. I confirmed in this way that these lands no longer belonged to the Acoma Pueblo community; they were displaced in order to create an illusion which exploits the native identity, from the visual and architectural aspect, based on an exoticization in order to attract the touristic gaze. The exhibition seeks to appeal to the white tourist that neo-colonizes with their selfies taken in a square, whose centre has a monument which commemorates murderers, or it tries to enable a healing and reconciliation with the displaced community? Who does that imposing building make feel welcome? In this case, is art trapped in the paradox of the politically correct upon trying both? Having found myself in an inaugural event where the large majority were rich white people that support the museum and the biennial, the event, from the internal structure of the museum, was revealed to me as an attempt at expiating their guilts. There is an oligarchy that feels an enormous embarrassment of the piece-of-shit president who came to power due to the political parties that this same oligarchy backed up. According to the facts supplied about the museum by Andra Fraser in her investigation Museums, Money, and Politics—whose graphics covered the wall which opened the exhibition, 88% of the raised funds by SITE Sante Fe in 2016 had links with the Republican party.

SITElines Biennial 2018. Casa Tomada. Installation view. Image courtesy of SITE Santa Fe

The visual languages of contemporary art, although they have been reinvented, are, in essence, Western. Therefore, these languages are a form of neo-colonization: in order to visibilize in this world we must adopt their codes, medias, forms, symbols, metaphors, dialects, discourses. One must question if the esthetical, symbolic, and discursive strength of the artists that seek to move away and question the cis-heteropatriarchal and racist Western genealogies function within the same models and structures that for such a long time have ignored and rendered them invisible. Paraphrasing Brigitte Vasallo, an activist, writer and feminist theorist, the tools of the master serve to knock down the house of the master only if after the demolition something different is constructed. “If we want to restructure the system, we must find new tools.”

SITElines Biennial 2018. Casa Tomada. Installation view. Image courtesy of SITE Santa Fe

Toda idea de nación es capitalista pues sustenta su razón de ser en continuas prácticas de despojo y explotación. EE.UU. es un país que comenzó a formarse a partir del asesinato de los pueblos nativos en manos de los colonizadores, necropolítica que continua siendo realidad a pesar de la continua amnesia provocada por la historia hegemónica. Santa Fe, específicamente, fue fundada desde la narrativa racista por the last conquistador, Don Juan de Oñate, sobre tierras que fueron arrebatadas a los nativos americanos —Acoma Pueblo—, a través de una sangrienta batalla, conocida como la Masacre de Acoma. Al buscar defender su libertad ante los planes de conquista de los españoles, la gran mayoría de lxs Acoma fueron asesinadxs por un batallón de 70 hombres y un cañón. Lxs sobrevivientes fueron tomadxs prisionerxs para ser esclavisadxs bajo las órdenes de Oñate, quien además ordenó que para evitar posibles futuras rebeliones, se le cortara el pie derecho a todo hombre Acoma. Oñate fue sentenciado por actos de crueldad por la corte de la “Nueva España” pero fue absuelto al corto plazo, como suele suceder con todo hombre criminal con poder en un sistema heteropatriarcal.

Este capítulo de la historia de EE.UU., que es una cicatriz aún presente en la memoria identitaria de lxs Acoma Pueblo, es retomado por la bienal SITElines bajo la curaduría de José Luis Blondet, Candice Hopkins y Ruba Katrib, y con la asesoría curatorial de Naomi Beckwith. Con el título Casa Tomada, la edición del 2018 busca reflexionar sobre el desplazamiento y el despojo y la construcción de la historia a partir de un paralelismo entre el hecho histórico mencionado y un cuento de Julio Cortázar, cuyo título es tomado prestado por la exposición. En el cuento, dos hermanxs burgueses son expulsadxs de su casa sin oponer resistencia, por una fuerza espectral que va tomando las estancias hasta dejarlos en la calle sin posesión alguna salvo por lo que traen consigo. Desorientadxs, cierran el cancel con llave y se alejan para, lo que uno puede suponer, intentar continuar con su vida. A través del discurso curatorial, del corto cuento se evoca la súbita desorientación producida por el despojo para recordarnos que la perplejidad ocasionada por la violencia —sea física o simbólica— no debe paralizarnos. En el contexto estadounidense de la presidencia de Trump, aunque parezca que todo está perdido, se debe resistir para lograr ser un contrapeso del poder.

Naufus Ramírez-Figueroa, Revindication of Tangible Property, 2018 Installation: wood, expanded polystyrene, epoxy resin, mineral pigments. Dimensions variable. Courtesy of the artist and Proyectos Ultravioleta, Guatemala City; Mendes Wood DM, São Paulo; and Sies & Höke, Düsseldorf † SITE Santa Fe commission. Photo: Eric Swanson

Sin apelar a las grandilocuencias revolucionarias, la exposición trae al presente la violenta conquista ejercida por Oñate a partir de un gesto de protesta que se llevó a cabo en 1997. En el marco de la racista conmemoración de la masacre de Acoma como el 400 aniversario del primer asentamiento español en tierras nativo americanas, el dúo anónimo Friends of Acoma cortó y robó el pie derecho del monumento que honra a Oñate como un gesto de restauración de la memoria que muchos buscan borrar. Veinte años después de ese robo que desató muchas conversaciones necesarias sobre cómo y quién escribe la historia, el pie reapareció a través de una película documental de Chris Eyre, manteniendo en misterio su ubicación y la identidad de lxs justicierxs. En la exposición, una réplica del pie derecho de Oñate, acompañado de material de archivo alrededor del robo y la película, subvierte el síndrome de la extremidad fantasma para abordar críticamente la ausencia de reconocimiento de los cuerpos en resistencia como parte del aparato democrático de EE.UU.

A partir de esto, Casa Tomada despliega una serie de potentes obras entre las que destacan, por un lado, la serie fotográfica Niñas (2018) de Paz Errázuris, el video Men Who Swallow Themselves in Mirrors (2017) de Sable Elyse Smith y el largometraje Wild Relatives (2018)de Jumana Manna por su reflexión sobre la subversión de códigos espaciales impuestos sistemáticamente a través de la criminalización y la explotación laboral, desde el habitar cotidiano y afectivo de los cuerpos oprimidos. Por otro lado, destaca el trabajo de Eric-Paul Riege, Melissa Cody, Victoria Mamnguqsualuk, Lawrence Paul Yuxweluptun, Eduardo Navarro y Curtis Talwst Santiago por la manera en que sus obras buscan accionar, tomando prestado de los Zapatistas, “un mundo donde quepan muchos mundos”. De esta forma, dichos artistas buscan desplegar otros posibles imaginarios que no solamente den visibilidad al oprimidx sino que también permitan construir un reconocimiento de sus historias, identidades y legados en la reflexión del presente distópico.

Sable Elyse Smith, Men Who Swallow Themselves in Mirrors, 2017. Single-channel video (color, sound). 8:32 minutes. Courtesy of the artist and JTT, New York

Sin embargo, en el contexto específico de esta exposición no pude evitar preguntarme si la visibilización y denuncia funcionan desde el cubo blanco. La relación de los museos con comunidades colonizadas y racializadas debe replantearse urgentemente desde el Sur. En contextos como Santa Fe, los museos representan la exhibición del despojo para reafirmar el poder del colonizador. Se puede comenzar a reflexionar sobre esto a partir de un ejemplo muy evidente: la remodelación del museo SITE Santa Fe a cargo de la firma arquitectónica Shop Architects. El nuevo edifico del museo contrasta drásticamente con la tradicional arquitectura de adobe a partir de una fachada metálica escalonada y perforada que, de acuerdo a los arquitectos, busca dialogar con el parque Railyard y las vías del tren a lo largo del mismo. Buscar entablar un diálogo con la máquina que perpetuó la colonización a través de la industrialización me parece una decisión irónica e insensible por parte del museo.

¿Es el museo, en este caso, la mejor herramienta para articular un discurso decolonizador? ¿A quién se dirige la exposición? Durante mi corta estancia en Santa Fe observé algo particular en relación a los cuerpos que habitaban el pueblo: la gran mayoría eran personas blancas, turistas. Incluso el tour turístico, que fue parte del programa de prensa, afirmaba una narrativa blanqueada donde españoles y nativos americanos construyeron en armonía un nuevo co-habitar. Confirmé de esta forma que estas tierras ya no le pertenecían a la comunidad Acoma Pueblo; fueron despojadas para construir un espejismo que explota la identidad nativa, desde lo visual y arquitectónico, a partir de una exotización para atraer la mirada turística. ¿La exposición busca apelar al turista blanco que neocoloniza con sus selfies tomadas en una plaza en cuyo centro se encuentra un monumento que conmemora a asesinos, o intenta posibilitar una reparación y reconciliación con la comunidad desplazada? ¿A quién da la bienvenida ese imponente edifico? En este sentido, ¿está el arte atrapado en la paradoja de lo políticamente correcto al intentar ambas? Me encontraba en un evento inaugural donde la gran mayoría eran blancos ricos que apoyan al museo y a la bienal. El evento, desde la estructura interna del museo, se me reveló como un intento de expiación de culpas. Hay una oligarquía que siente una vergüenza enorme del pedazo de mierda de presidente que llegó al poder gracias a los partidos políticos que esa misma oligarquía respalda. De acuerdo a los datos proporcionados sobre el museo por Andrea Fraser en su investigación Museums, Money, and Politics —cuyas gráficas cubrían el muro que daba la bienvenida a la exposición—, el 88% de los fondos recaudados por SITE Santa Fe en 2016 tenían vínculos con el partido Republicano.

SITElines Biennial 2018. Casa Tomada. Installation view. Image courtesy of SITE Santa Fe

Los lenguajes visuales del arte contemporáneo, aunque se han reinventado, son en esencia Occidentales. Por ello, dichos lenguajes son una forma de neocolonización: para visibilizarse en este mundo hay que adoptar sus códigos, medios, formas, símbolos, metáforas, dialécticas, discursos. Hay que cuestionar si la fuerza estética, simbólica y discursiva de lxs artistas que buscan apartarse y cuestionar las genealogías cisheteropatriarcales y racistas Occidentales, funciona dentro de los mismos modelos y estructuras que por tanto tiempo lxs han ignorado e invisibilizado. Parafraseando a Brigitte Vasallo, activista, escritora y teórica feminista, las herramientas del amo sirven para tumbar su casa únicamente si después de la demolición se construye algo diferente, “si queremos remontar el sistema, hay que encontrar nuevas herramientas”.

Tags: , , , , ,


Feathered Changes, Serpent Disappearances


The Lulennial: A Slight Gesturary, Part 3