Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Radical Women: Latin American Art, 1960-1985, at Hammer Museum, Los Angeles, USA

By Nika Simone Chilewich Los Angeles, California, USA 09/15/2017 – 12/31/2017

Paz Errázuriz (Chilean, b. 1944), La Palmera (The palm tree), from the series La manzana de Adán (Adam’s Apple), 1987. Gelatin silver print. 15 9/16 × 23 1/2 in. (39.5 × 59.7 cm). Courtesy of the artist and Galeria AFA, Santiago. Artwork © the artist.

Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 is one of the major exhibitions to come out of Pacific Standard Time: Latin American & Latino Art in LA (LA/LA). Funded by the Getty Foundation [1] the third iteration of this regional program opened this September in over 70 museum institutions and countless galleries and performance spaces from San Diego to Santa Barbara. Its current presentation is dedicated to historical and thematic examinations of Southern California’s relationship with Latin American, Latinx, and Chicanx art and design histories.

Radical Women, co-curated by Andrea Giunta and Cecilia Fajardo-Hill, is one of many exhibitions to employ redefined understandings of female, feminist, queer, and other gender-nonconforming identities, breaking new ground for Latin America’s art histories, which have until now been largely unexplored in US museum institutions, with a few notable exceptions. [2] One could even argue that LA/LA is the first academic and cultural initiative of its scale to incorporate these alternate histories across so many institutions. Some other notable examples of this trend include: the retrospective Laura Aguilar: Show and Tell at the Vincent Price Art Museum, the first of its kind on the work of the photographer and influential figure in Southern California’s Chicanx, Latinx feminist, and queer communities; the first major retrospective of Brazilian artist Anna Maria Maiolino to be done in the United States, taking place at the MOCA Grand; and Axis Mundo: Queer Networks in Chicano L.A., a thematic exhibit organized by the ONE National Gay & Lesbian Archives at the USC Libraries, which is being held at the One Archive gallery in West Hollywood and at the MOCA Pacific Design Center. [3]

LA/LA has offered scholars of Latin American art histories unprecedented platforms to exhibit areas of their scholarship that represent lifelong professional and investigative pursuits. Additionally it has allowed another community of local professionals to turn for the first time to new subjects within Latin America’s vast and varied art histories, and examine the deep connection the region has had with California’s Latinx and Chicanx communities. As a native Angelino who left the United States some seven years ago for Santiago, Chile, and later Mexico City, the community LA/LA has prompted is nothing short of surreal.

Installation view. Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 at the Hammer Museum, Los Angeles. Photo: Nika Simone Chilewich

The initiative will undoubtedly uncover new territories through its myriad exhibits, tours, performances, talks, and publications.  It will be interesting to observe the effects of LA/LA in the face of the Trump administration’s explicit anti-immigrant and racist position, especially in the wake of the President’s recent Suspension of the Deferred Action for Childhood Arrivals (DACA). Among the multitude of expansive historical and thematic revisions, Radical Women stands out, offering the public unprecedented geographic, chronological, stylistic, and thematic landscapes. The 120 artists included in the show represent female and feminist driven practices within 14 countries in Latin America and the United States. To locate these near invisible histories, the curatorial team investigated an impressive range of public and private collections and archives throughout Latin America and abroad. [4]

As Fajardo-Hill and Giunta state in their joint introductory catalogue text, the focus of Radical Women is to reveal a body of work forgotten in Latin America’s cultural history, “providing it with the complex theoretical and critical framework that it deserves.” [5] The curation of the exhibit, from its general theoretical framework of  ‘the political body’, to the approach taken by the curators in the sectional divisions of that body in the show’s physical space–the curators took a different approach to their subject matter in the catalogue, organizing each artist’s work by country so as to make the resource as accessible as possible–intends to underline the subtlety and sophistication of the pioneering practices the show includes. The Argentinean and Venezuelan curators succeed here to widen the boundaries of female expression, through their investigative and curatorial methodology for exhibiting the range of practices in the show, and its many reconceptualized languages of radicality.

The curators use textual and museographical mechanisms to acknowledge the specificities of each artist’s social, political, stylistic, and thematic contexts, and create insightful connections within the show’s broader intersectional explorations of the body in a process of artistic rediscovery and transformation.

Liliana Porter (Argentinean, b. 1941), Untitled (Self-portrait with Square), 1973. Gelatin silver print made from the original negative. 16 ¼ × 11 in. (41.3 × 27.9 cm). Courtesy of the artist. Artwork © the artist.

Works are organized into sections labeled “Self-Portrait”, “Body Landscape”, “Performing the Body”, “Mapping the Body”, “The Power of Words”, “Resistance and Fear”, “Feminisms”, “Social Places”, and “The Erotic”. [6] These thematic divisions begin with a clear and concise description of the territories that will be explored, and the curators employ a simplicity of language to penetrate the social and political realities that connect the range of artistic processes, and the different approaches to the body across distinct historical contexts.

The almost overwhelming amount of painting, photography, print, sculpture, video, and archival material include some of Latin America’s most well known female artists, such as Marta Minujín (Argentina), Lygia Clark (Brazil), Damiel Eltit and Paz Errázuriz (Chile), Graciela Iturbide (Mexico), and Ana Mendieta (Cuba). However, within Radical Women’s redefined conceptual axes their works exist outside a framework for approaching Latin American conceptualism made popular in recent decades: “…heroic, political, and even militant, leaving little space for those forms of conceptualism and experimental art that embrace more subjective interjections and both broad and intimate personal and political struggles.” [7]  Instead the viewer is prompted to consider certain characteristics that define the radicality of each artist’s approach, whether it is an “intense research into subjectivity”, the “problematic status of women as biologically and culturally conditioned beings”, “the body and violence in a period of intense dictatorship and structures of oppression”, “language as a conceptual tool of resistance”, or “the reconceptualization of the female body in and of itself in relation to society”. [8]

Of the countless figures I encountered for the first time in Radical Women it is hard to single out any single artist, as each of the selected works are significant. A few of the many works that have stuck with me are Anna María Maiolino’s “Mapas mentais” (1971-76), Diana Dowek’s paintings “Paisaje con retrovisor II” (1975) and “Procedimiento” (1974), the caricatures of feminine virtue by Clemencia Lucena, and Lotty Rosenfeld’s video “Una milla de cruces sobre el pavimento” (1979).  No single work or artist is given priority over another, and the impact of each piece is felt in the dialogue created between works, within the greater collectivity of the show.

This gesture is simple and suggestive. It subverts the normative quality of the exhibit as academic text, and the hierarchy common in museum shows of the curator as expert and the work as object of study.  The curatorial voice highlights the power of each artist’s process, and the breadth of conceptual symbolic, and visual language. The space for communication across specific practices demonstrates the form of curatorial listening that defines Radical Women. In conversation with one another, the intellectual, emotional, and affective provocations of these radical women seeks to constitute a reparation, a curatorial moment of redemption.

The exhibition design functions around a graceful distribution of the works, as well as the subtle but consistent use of variety in color and material in their mounting and framing, set against modular mid-century-esque structures that invite the viewer to linger, but never deny her a panoramic view of the works in collectivity. The effect is reminiscent of domestic space, and the female histories it invokes. At every turn the curatorial hand complements the fearless confrontation of pictorial plane and the tenacity in subject matter that fills the museum galleries. As a result, the works in Radical Women defy not only the invisibility of female artists throughout region, but disrupt existing scholarly and curatorial narrations of late modern and early conceptual art practices across Latin America’s different avant-garde movements.

This conceptual approach to the latent histories revealed by the nearly ten years of research behind Radical Women, is subversive. The curators have organized the wealth of information in a manner that displaces canonical art historical categories and patriarchal characterizations of femininity and female driven art. One of the many examples of this is the way in which Giunta and Fajardo-Hill address the common misconception of female driven art as necessarily feminist.  The curators take care to subvert a characterization that plagues any curatorial endeavor that focuses solely on female artists, a phenomenon that narrows the perspective allowed for artists who use their own femininity as a driving creative force. In doing so, Giunta and Fajardo-Hill make a distinction between a specific political agenda –and an artwork geared towards the advancement of that agenda– and a greater body of work that takes up gendered histories as its focus. This work, the artists state, may align in retrospect with feminist ideals, but goes beyond the confines of any particular feminist movement, and can be situated within a greater panorama of artworks founded in a process of self-reflection and an inquiry into the systems that limit the politically or socially prescribed body.

Installation view. Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 at the Hammer Museum, Los Angeles. Photo: Nika Simone Chilewich

The exhibition catalogue is similarly impressive, although not bilingual, which is disappointing, as the practice of translation in the field of academic and critical texts between Latin America and the United States remains greatly lacking. The nearly 400-page anthology unites an unprecedented community of art historians, curators, and artists, with essays by the show’s two curators, as well as texts by contributors such as Connie Butler, chief curator at the Hammer Museum, Carmen María Jaramillo, Karen Cordero Reiman, Miguel Loópez, Mónica Mayer, and Carla Stellweg.

Nearly one hundred years after the white cube model was first established, Radical Women is an affirming examples that contemporary exhibition design can continue to evolve and expand the fields of art history and curation. The radical femininity expressed by Giunta and Fajardo-Hill constitutes a body of curation that not only illustrates alternative histories, but narrates from within a range subjectivities, through a situated approach and a nuanced process of deliberation that takes into consideration the diversity of curatorial and creative contexts that an exhibition can empower.

Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 will be on view at the Hammer Museum in Los Angeles until December 31, 2017. It will then travel to the Brooklyn Museum in New York from April 13 – July 22, 2018, and later to the Pinacoteca de Sao Paulo from August ­– November 2018.


[1] The first Pacific Standard Time focused on art in Southern California from 1945 to 1980, and the second on architecture and design.

[2] Cecilia Fajardo-Hill underlines some of these notable examples in her catalogue text, “The Invisibility of Latin American Women Artists”.  They include Inverted Utopias: Avant-garde Art in Latin America (New Haven, CT: Yale University Press; Houston: Museum of Fine Arts, 2004); Perder la forma humana. Una imagn sísima de los años ochenta en América Latina curated by the Red Conceptualismos del Sur at the Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, in 2012; and Global Conceptualisms: Points of Origin, 1950’s-1980s; In Wonderland: The Surrealist Adventures of Women Artists in Mexico and the United States, curated by Ilene Susan Fort and Tere Arcq at the Los Angeles County Museum of Art, 2001; Arte =/= Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000 (New York: Museo del Barrio, 2009). Another important example for Mexican contemporary art is Mexico City: An Exhibition about the Exchange Rates of Bodies and Values curated by Klaus Biesenbach at MoMA PS1in New York in 2002.

[3] These are only just a few of the countless exhibitions that incorporate issues of gender and sexual identities in the intersections they explore. For a full list consult the Pacific Standard Time Website, specifically those exhibitions that fall under the themes of “Activism” and “Definitions of Identity”.

[4] A full list of artists, works, and lenders featured in Radical Women can be found in Cecilia Fajardo-Hill and Andrea Giunta, Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 (Munich, London, New York: DelMonica Books Prestel California, Hammer Museum University of California), 313-366.

[5] Fajardo-Hill and Giunta, Radical Women, 17.

[6] “Exhibition Themes” in Fajardo-Hill and Giunta, Radical Women, 48.

[7] Cecilia Fajardo-Hill, “The Invisibility of Latin American Women Artists” in Fajardo-Hill and Giunta, Radical Women, 25.

[8] Fajardo-Hill and Giunta, Radical Women, 48.

Paz Errázuriz (Chilean, b. 1944), La Palmera (The palm tree), from the series La manzana de Adán (Adam’s Apple), 1987. Gelatin silver print. 15 9/16 × 23 1/2 in. (39.5 × 59.7 cm). Courtesy of the artist and Galeria AFA, Santiago. Artwork © the artist.

Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 es una de las exposiciones más importantes de Pacific Standard Time: Latin American & Latino Art in LA (LA/LA) a inaugurar. Financiado por la Fundación Getty [1], en su tercera iteración, este programa regional inauguró este septiembre en más de 70 museos, incontables galerías y espacios de performance de San Diego a Santa Bárbara. Su presentación actual está dedicada a exámenes históricos y temáticos de la relación entre el sur de California con las historias de arte y diseño latinoamericanas, latinx y chicanx.

Radical Women, co-curada por Andrea Giunta y Cecilia Fajardo-Hill, es una de las tantas exposiciones en emplear comprensiones redefinidas de lo femenino, feminista, queer, y otras identidades de género no conforme, abriendo nuevo terreno para las historias del arte latinoamericanas, mismas que hasta ahora han sido poco exploradas en museos estadounidenses, con algunas notables excepciones. [2] Uno incluso podría argumentar que LA/LA es la primera iniciativa académica y cultural de su escala en incorporar estas historias alternativas a través de tantas instituciones. Algunos notables ejemplos de esta tendencia incluyen: la retrospectiva Laura Aguilar: Show and Tell en el Museo de Arte Vincent Price, la primera de su tipo sobre el trabajo de la fotógrafa e influyente figura en las comunidades chicanxs, latinxs feministas y queer del sur de California; la primera retrospectiva importante en Estados Unidos de la artista brasileña Anna Maria Maiolino que se realiza en el MOCA Grand; y Axis Mundo: Queer Networks in Chicano L.A., una exhibición temática organizada por el ONE National Gay & Lesbian Archives de la Biblioteca USC, que se lleva a cabo en la galería One Archive en West Hollywood y en el MOCA Pacific Design Center. [3]

LA/LA ha ofrecido a académicos de las historias del arte latinoamericanas plataformas sin precedentes para exhibir áreas de su escolaridad que representan continuas búsquedas profesionales e investigativas. Adicionalmente ha permitido que otra comunidad de profesionales locales voltee por primera vez hacia nuevos temas dentro de las vastas y variadas historias del arte latinoamericano y examinen la conexión profunda que la región tiene con las comunidades latinxs y chicanxs de California. Como angelina que hace alrededor de siete años dejó los Estados Unidos por Santiago, Chile y después Ciudad de México, la comunidad que LA/LA ha impulsado es nada menos que surreal.

Installation view. Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 at the Hammer Museum, Los Angeles. Photo: Nika Simone Chilewich

La iniciativa indudablemente descubrirá nuevos territorios a través de su miríada de exposiciones, recorridos, performances, charlas y publicaciones. Será interesante observar los efectos de LA/LA frente a la explícita posición anti-inmigrante y racista de la administración de Trump, especialmente tras la reciente suspensión del presidente de la Acción Diferida para los Llegados en la Infancia (DACA, por sus siglas en inglés). De entre la multitud de extensas revisiones históricas y temáticas, Radical Women se destaca, ofreciendo al público paisajes geográficos, cronológicos, estilísticos y temáticos sin precedentes. Las 120 artistas incluidas en la muestra representan prácticas impulsadas por mujeres y feministas dentro de 14 países en Latinoamérica y los Estados Unidos. Para localizar estas historias invisibles cercanas, el equipo curatorial investigó una impresionante  variedad de colecciones públicas y privadas a lo largo de América Latina y en el exterior. [4]

Como Fajardo-Hill y Giunta afirman en su texto conjunto introductorio, el foco de Radical Women es revelar un cuerpo de trabajo olvidado en la historia cultural de Latinoamérica, “proveyéndolo del complejo marco teórico y crítico que se merece”. [5] La curaduría de la muestra, desde su marco teórico general de “el cuerpo político”, al enfoque elegido por los curadores en las divisiones por secciones de ese cuerpo en el espacio físico de la exposición – los curadores optaron por un enfoque distinto a su objeto de estudio en el catálogo, organizando el trabajo de cada artista por país a fin de hacer el recurso tan accesible como sea posible – pone en paralelo la sutileza y la sofisticación de las prácticas pioneras que incluye la muestra. Los curadores argentinos y venezolanos lograron aquí ampliar los límites de la expresión femenina, a través de su metodología de investigación y curatorial para mostrar la diversidad de prácticas en la exposición, y sus tantos lenguajes re-conceptualizados de radicalidad.

Los curadores utilizan mecanismos textuales y museográficos para reconocer las especificidades del contexto social, político, estilístico y temático de cada artista, y crear conexiones esclarecedoras dentro de las exploraciones inter-seccionales más amplias del cuerpo en un proceso de redescubrimiento y trasformación artísticos.

Liliana Porter (Argentinean, b. 1941), Untitled (Self-portrait with Square), 1973. Gelatin silver print made from the original negative. 16 ¼ × 11 in. (41.3 × 27.9 cm). Courtesy of the artist. Artwork © the artist.

Las piezas están organizadas en secciones llamadas “Autorretrato”, “Paisaje corporal”, “Interpretando el cuerpo”, “Creando un mapa del cuerpo, “El poder de las palabras”, “Resistencia y miedo”, “Feminismos”, “Lugares sociales”, y “Lo erótico”. [6] Estas divisiones temáticas comienzan con una descripción clara y concisa de los territorios que serán explorados, y los curadores emplean una simplicidad del lenguaje para penetrar las realidades sociales y políticas que conectan la variedad de procesos artísticos, y las diversas formas de abordar el cuerpo a través de distintos contextos históricos.

La casi abrumadora cantidas de material de pintura, fotografía, impreso, escultura, video y archivo incluye algunas de las mujeres artistas mejor conocidas de Latinoamérica, como lo son Marta Minujín (Argentina), Lygia Clark (Brasil), Damiel Eltit y Paz Errázuriz (Chile), Graciela Iturbide (México), y Ana Mendieta (Cuba). Sin embargo, dentro de los redefinidos ejes conceptuales de Radical Women sus obras existen fuera de un marco para abordar el conceptualismo latinoamericano hecho popular en décadas recientes: “heroico, político, e incluso militante, dejar un poco de espacio para esas formas de conceptualismo y arte experimental que adoptan más interjecciones subjetivas y tanto luchas políticas abiertas como personales e íntimas”. [7] En cambio, se le pide al espectador que considere ciertas características que definen la radicalidad de la propuesta de cada artista, si es una “investigación intensa sobre subjetividad”, el “estatus problemático de las mujeres como seres condicionados biológica y culturalmente”, “el cuerpo y la violencia en un periodo de intensa dictadura y estructuras de opresión”, “lenguaje como una herramienta conceptual de resistencia”, o “la re-conceptualización del cuerpo femenino en y de sí mismo en relación con la sociedad”. [8]

De las figuras innumerables encuentro por primera vez en Radical Women que es difícil señalar a un solo artista, cuando cada una de las piezas seleccionadas son significativas. Algunas de las tantas obras que se han quedado conmigo son: Mapas mentais de Anna María Maiolino (1971-76), las pinturas de Diana Dowek Paisaje con retrovisor II (1975) y Procedimiento (1974), las caricaturas de la virtud femenina de Clemencia Lucena, y el video de Lotty Rosenfeld Una milla de cruces sobre el pavimento (1979). No se le da prioridad a ninguna obra o artista sobre otra, y el impacto de cada pieza se piensa en el diálogo creado entres las obras, dentro de la gran colectividad de la muestra.

Este gesto es simple y sugestivo. Subvierte la calidad normativa de la exposición como texto académico, y la jerarquía común en exposiciones de museo del curador como experto y la obra como objeto de estudio. La voz curatorial resalta el poder del proceso de cada artista, y la amplitud del lenguaje visual y simbólico conceptual. El espacio para comunicación entre prácticas específicas demuestra la forma de escucha curatorial que define Radical Women. En conversación una con la otra, las provocaciones intelectuales, emocionales, y afectivas de estas mujeres radicales busca constituir una reparación, un momento curatorial de redención. [9]

El diseño de la exposición funciona alrededor de la agraciada distribución de las piezas, así como del variedad sutil pero consistente uso de la variedad de color y material en su montaje y su enmarcado, puesto frente a estructuras modulares de alrededor de mediados de siglo que invitan al espectador a detenerse, pero nunca negándole una vista panorámica de las obras en colectividad. El efecto es reminiscente del espacio doméstico, y de las historias de mujeres que invoca. En cada vuelta la mano curatorial complementa la valiente confrontación del plano pictórico y la tenacidad en el objeto de estudio que llena las galerías de los museos. Como resultado, las obras en Radical Women desafían no sólo la invisibilidad de artistas mujeres a lo largo de la región, sino que perturban las narraciones curatoriales y académicas existentes del moderno tardío y las prácticas artísticas conceptuales tempranas en los diferentes movimientos avant-garde de Latinoamérica.

Este enfoque conceptual en las historias latentes reveladas por los casi diez años de investigación detrás de Radical Women es subversivo. Los curadores han organizado la abundancia de información de manera que se desplazan las categorías históricas del arte canónico y las caracterizaciones patriarcales de la feminidad y lo femenino en el arte. Uno de los tantos ejemplos de esto es la forma en que Giunta y Fajardo-Hill abordan la idea erróneo común del arte hecho por mujeres como necesariamente feminista. Los curadores cuidan subvertir una tipificación que afecta cualquier esfuerzo curatorial que se enfoque únicamente en artistas mujeres, un fenómeno que reduce la perspectiva permitida a las artistas que usan su feminidad como fuerza motora creativa. Al hacer esto, Giunta y Fajardo-Hill hacen una distinción entre una agenda política específica – y una obra de arte orientada hacia el avance de dicha agenda – y un cuerpo de trabajo más grande que retoma historias de género como su foco. Este trabajo, afirman las artistas, puede alinearse en retrospectiva con ideales feministas, pero va más allá de los confines de cualquier movimiento feminista particular, y puede ser situado dentro de un panorama más amplio de obras de arte creadas bajo un proceso de auto-reflexión y una investigación en los sistemas que limitan política y socialmente el cuerpo prescrito.[10]

Installation view. Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 at the Hammer Museum, Los Angeles. Photo: Nika Simone Chilewich

El catálogo de la exposición es igualmente impresionante, aunque no bilingüe, lo cual es decepcionante, pues la práctica de la traducción en el campo de los textos académicos y críticos entre América Latina y los Estados Unidos permanece enormemente deficiente. La antología de casi 400 páginas une a una comunidad sin precedentes de historiadores del arte, curadores, y artistas, con ensayos de los dos curadores de la muestra, así como textos por colaboradores como Connie Butler, curadora en jefe en el Museo Hammer, Carmen María Jaramillo, Karen Cordero Reiman, Miguel López, Mónica Mayer, y Carla Stellweg.

Casi cien años después de que el modelo del cubo blanco fuera establecido por primera vez, Radical Women es un claro ejemplo de que el diseño de exposiciones contemporáneo puede continuar evolucionando y expandiendo los campos de la historia del arte y la curaduría. La feminidad radical expresada por Giunta y Fajardo-Hill constituye un cuerpo de curaduría que no sólo ilustra historias alternativas, sino que narra desde dentro de una variedad de subjetividades, a través de un método específico y un proceso matizado de deliberación que toma en consideración la diversidad de contextos curatoriales y creativos que una exposición puede empoderar.

Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 estará en exposición en el Museo Hammer en Los Ángeles hasta el 31 de diciembre, 2017. Después viajará al Museo de Brooklyn en Nueva York del 13 de abril al 22 de julio, 2018, y más tarde a la  Pinacoteca de Sao Paulo de agosto a noviembre, 2018.


[1] El primer Pacific Standard Time se enfocó en arte en el sur de California de 1945 a 1980, y el segundo en arquitectura y diseño.

[2] Cecilia Fajardo-Hill subraya algunos de estos notables ejemplos en su texto del catálogo, “The Invisibility of Latin American Women Artists”.  Incluyen Inverted Utopias: Avant-garde Art in Latin America (New Haven, CT: Yale University Press; Houston: Museum of Fine Arts, 2004); Perder la forma humana. Una imagen sísima de los años ochenta en América Latina curada por la Red Conceptualismos del Sur en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, en 2012; y Global Conceptualisms: Points of Origin, 1950’s-1980s; In Wonderland: The Surrealist Adventures of Women Artists in Mexico and the United States, curada por Ilene Susan Fort y Tere Arcq en el Los Angeles County Museum of Art, 2001; Arte =/= Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000 (Nueva York: Museo del Barrio, 2009). Otro ejemplo importante de arte contemporáneo mexicano es la ecposición Mexico City: An Exhibition about the Exchange Rates of Bodies and Values curada por Klaus Biesenbach en MoMA PS1 en Nueva York en 2002.

[3] Estas son sólo algunas de las innumerables exposiciones que incorporan temas de género e identidades sexuales en las inter-secciones que exploran. Para una lista completa consulte el sitio web de Pacific Standard Time, especialmente aquellas exposiciones que caen en temas de “Activismo” y “Definiciones de Identidad”.

[4] Una lista completa de artistas, obras y prestadores para Radical Women puede encontrarse en Cecilia Fajardo-Hill y Andrea Giunta, Radical Women: Latin American Art, 1960-1985 (Munich, Londres, Nueva York: DelMonica Books Prestel California, Hammer Museum University of California), 313-366.

[5] Fajardo-Hill y Giunta, Radical Women, 17.

[6] Los temas de la exposición pueden ser consultados en “Exhibition Themes” en el catálogo de la muestra Fajardo-Hill y Giunta, Radical Women, 48.

[7] Cecilia Fajardo-Hill, “The Invisibility of Latin American Women Artists” en Fajardo-Hill y Giunta, Radical Women, 25.

[8] Fajardo-Hill y Giunta, Radical Women, 48.

[9] En su texto introductorio, Fajardo-Hill y Giunta afirman, “Lo que hemos intentado hacer últimamente es activar las experiencias intelectuales, emocionales, y afectivas que estas artistas y obras aspiran a provocar.”  Fajardo-Hill y Giunta, Radical Women, 18.

[10] Giunta y Fajardo-Hill abarcan este tema en el catálogo de la exposición, y apuntan que con excepción de ciertas artistas mexicanas, chicanas y Latinas, las obras en Radical Women no fueron hechas con un movimiento feminista en mente. Esto se debe al hecho de que, además de Estados Unidos y México, el resto de Latinoamérica no había organizado movimiento de arte feminista. Fajardo-Hill y Giunta, Radical Women, 19.

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