Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

proyectosLA, Los Angeles, USA

By Terremoto Editorial Los Angeles, California, USA 09/01/2017 – 10/31/2017

Artemio, Sopa de Pasta, 2016/17 (Y Gallery, New York)

Claudia Segura
Curator of proyectosLA (also Director of NC-Arte, Bogotá, Colombia)

Terremoto: proyectosLA is a commercial platform in Los Angeles that gathers Latin American galleries of modern and contemporary art under a proposal to rethink the common format of an international art fair. The Pacific Standard Time: LA/LA frames the context of proyectosLA setting a critical conversation around latinx art. How did you think about the idea of ​​the fair knowing that there is an audience that has to recognize critically the genealogies of Latin art? Did you try to underline certain dynamics against the logic of the booth?

Claudia Segura: It was a real challenge to try to make a fair format look like an exhibition, starting with the removal of the walls, because of course, both galleries and artists, in a context of an art fair are not used to to not having booths. Thinking about space led us to face the challenge of generating dialogues between contemporary and modern artists, where there were apparently none. One of the first intentions of the project when they invited us was precisely to break the barrier of the category of “the latinx.” This category is very stereotyped and the intention of the project is precisely to bombard that stereotype, from the generation of dialogues within a common framework, such as: the theme of identity, syncretism, nationality, feminism, utopia, possibility, fiction… themes that mark the works beyond “the Latinx” understood under the tag logic of the market.

Luiza Teixeira de Freitas y Claudia Segura (curadoras de la feria) con Tracy O’Brien (codirectora, en el medio) de Proyectos LA, en frente de una obra de Horacio Zabala (Henrique Faria, Nueva York)

Tracy O’Brien
Co-director of proyectosLA

Terremoto: You and your partners, Teresa Iturralde and Patricia Fajer, have a background creating links between Latin America–especially Mexico–and Los Angeles. How do you feel about the PST and your project changing lines regarding this relationship? You know many people are very pessimistic about it on the long run, after the PST rush…

Tracy O’Brien: All of us are excited for the opportunity that PST brings to really look at the History and the connectivity of Latin America through art. We have strong hopes for the future, because we think there are strong ties and dialog, and we’re very optimistic.
PST and initiatives like ours are going to strengthen that relation.

T: Are you confident that you are going to be able to sustain the attention throughout the two months of the fair?

TO: You know, obviously, there’s going to be peak moments when people are in town, but we’ve been so excited with groups contacting us through the press, through friends, or galleries, asking to come and visit. One on one work is important, advisors and collectors come and say: “Hey, I’m not as familiar with the work, so I really want come, and spend time, and I want someone to take me through it”.

T: Do you think you participate, on a more global level, to a renewal of the art fair model?

TO: I just think these galleries are looking for different ways to connect to cities, and I feel there’s ironically an under-connectivity or lack of connectivity with Latin America. I feel it’s an opportunity to really look at the work that is produce in the region and exploit it. The idea was having these galleries participating in Los Angeles, which most of them are here for the first time in the city. So the question was how best to do that, and find a way for them to spent time here, being able to connect with clients and institutions, I don’t know if this is the answer. We’ll get feedback from everybody afterwards. We are trying to figure out the best, most economical way for galleries to connect in LA, but we’re sure they’re looking for other cities as well.

El curador Pablo Leon de la Barra con una obra de Jesús (Bubu) Negron (Henrique Faria, Nueva York)

Pablo León de la Barra
Curator (Guggenheim, New York, USA & MAC Niteroi, Rio de Janeiro)

Pablo León de la Barra: Pacific Standard Time seems like an initiative that was necessary for a long time. Is very good that Los Angeles has the potential to connect with Latin America, based on a history of centuries of relationship, especially with Mexico. The region had not harnessed that potential, and it was something Miami was capitalizing on, so the iniciative is a way not only to balance, but also to create new connections and thoughts. In addition, we must celebrate that an initiative like this that invests such a strong amount of resources in making these exhibitions.

Terremoto: There is a very strong political current related to the visibility of Latinos and Hispanics in the US now, what do you think of this?

PLB: This visibility has been present in California, but it has expanded beyond that state. It is a reflection of the constant struggle for visibility from Los Angeles from which to learn just as many other artists have historically reacted to it. Another important thing to emphasize would be the roaming of some exhibitions that go to Latin America which will allow to observe connections and collaborations. However, many of the exhibitions do not travel outside the US so many of these relationships will not be possible to visualize in context. In general, it is an incredible effort that an institution invests so much in making this possible, which allows, for example, to rethink what could be a Biennial: instead of being an event that happens in a single place every two years, it is an event that happens in several venues around the city every three years, and where all focus on a theme specific. I think it’s an interesting example that other cities could learn.

El galerista Leon Tovar (Nueva York, USA) con la obra de Fanny Sanin

León Tovar
Galerist (New York, USA)

Terremoto: As a gallery focused on Modern art, what is for you the relevance of being in the context of proyectosLA?

León Tovar: The work we’re showing, which is from the 60’s and the 70’s, may get confused as contemporary. When you put these in a certain context, they dignify each other, and you realize how important Modernism is to contemporary art, as well as what today might be considered as vanguard. A good part of the information that new artists have comes from historical works.

T: Do you think that for the American audience the PST is an opportunity to unite distinct historical ends as a reflection of the little historicity that Modern art has has in Latin America.

LT: The audience know a lot about Latin American art. It’s been 14 or 15 years of very important exhibitions in museums from all over the world, since Body and Soul at the Guggenheim, to the last Soto exhibition at the Pompidou. With the PST the importance of Latin America is shown—from the historical to the contemporary—as well as the importance of the West Coast market. What we bring to proyectosLA is something more intellectual but very collectable, which has awakened the appetite of museum and important collections here. Also, it’s work completely undervalued. There’s a lot of braveness in the artists that come from other countries, artists who have reached levels of sophistication comparable to those from the art of the 50’s and 60’s, as is the case of Soto or Edgar Negrete. When you learn all what the artists in the 70’s had to do to survive, you start to understand the value of their work according to their context. It’s evident that there was a lot of important and eternal creations in Latin America when you realize the relations that exist between artists that have been historicized and the ones who just start being historicized.

El artista José Carlos Martinat (Galería Revolver, Lima, Perú)

José Carlos Martinat
Artist (Galería Revolver, Lima, Perú)

Terremoto: Could you talk a bit about the work you make from Graffiti?

José Carlos Martinat: It’s a work that since 2010 I usually do from graffiti from different places. In Lima, when we have electoral campaigns, the city gets bombed with text: political parties fill walls with slogans and promises. Based on this, the idea to develop a technic that would allow me to extract wall layers occurred, so then I would get letters of words from these politicians to form new phrases that questioned them, phrases that would then return to the streets. The work mutated and changed –like every work I make– which allowed me to go to other contexts with the series. One month and a half ago I was in Venezuela, during the delicate process of Maduro’s constitutional, it was hallucinating. I was interested in what was happening there, specifically in what the resistance was doing, who use everything they find on the streets to protect themselves. There is an urban thing, very interesting and moving and in a way admirable. There are guys who are in the front and protect themselves with cardboard shields, it’s a fucked up dictatorship. I specifically focused in street looks, both from the government and the resistance. I removed messages from both groups and mixed them to form a phrase that is here presented as a continuation from the project.

La curadora Carla Stellweg y la artista Carolina Caycedo (Instituto de Visión, Bogotá, Colombia)

Carolina Caycedo
Artist (Instituto de Visión, Bogotá, Colombia)

Carolina Caycedo: I present work from 2010 which I did after coming to Los Angeles for the first time. I began to understand this context, what they call Chicanx art and Latinx art, in contrast to what I learned as “Latin American” art in Colombia. From understanding the so rich and dense connections, the work is a humble attempt to give a review of the Latinx and Latin American art history from a perspective identified as feminine. The clothing that forms the work was collected through contemporary artists close to me, as well as people in my family: things are mixed with my grandmother’s, my aunts’ and mates’ with Regina José Galindo, Mónica Rodríguez, Manuela Vieira, and even a thong that Juan Pablo Echeverri gave me. The work is a personal vision of art history, which includes people who had influenced me.

Terremoto: Thinking also of this serpent book (now visible in the exhibition A Universal History of Infamy in LACMA) and other works you have done regarding indigenous cosmogonies and ancient wisdom, do you think that one of the contemporary artist’s tasks would also be to rescue or invent new genealogies?

CC: Yes, totally, and also how to use different languages to convey certain ideas, such as narrative or accumulation of things, or genealogies of resistance. To establish family-type relationships–not only with other people, but also with the environment natural–rather than a corporate exploitation relationship. To work around these new genealogies from the visual field would help to face the regimes of oppression.

Artemio, Sopa de Pasta, 2016/17 (Y Gallery, New York)

Claudia Segura
Curadora de proyectosLA (también directora de NC-Arte, Bogotá, Colombia)

Terremoto: proyectosLA es una plataforma comercial en Los Angeles que reúne galerías latinoamericanas de arte moderno y contemporáneo bajo la propuesta de repensar el formato común de una feria de arte internacional. El contexto de proyectosLA se encuentra enmarcado por Pacific Standard Time, mismo que se aproxima críticamente al arte latinx. ¿Cómo pensaste la idea de la feria sabiendo que hay un público al que le falta reconocer críticamente las genealogías del arte latino? ¿Intentaste subrayar ciertas dinámicas contra la lógica del booth?

Claudia Segura: Fue un verdadero reto intentar hacer que un formato de feria pareciera una exposición, empezando por la eliminación de las paredes, porque claro, tanto las galerías como los artistas, en un contexto de feria de arte no están acostumbradas a no tener booths. Pensar el espacio nos llevó a enfrentar el reto de generar diálogos entre artistas contemporáneos y modernos, donde aparentemente no los había. Una de las primeras intenciones del proyecto cuando nos invitaron era precisamente romper la barrera de la categoría de “lo latino”. Dicha categoría está muy estereotipada y la intención del proyecto es precisamente bombardear ese estereotipo, a partir de la generación de diálogos dentro de un marco común, como por ejemplo: el tema de la identidad, el sincretismo, la nacionalidad, el feminismo, la utopía, la posibilidad, la ficción… temas que marcan las obras más allá de  “lo latino” entendido bajo la lógica de la etiqueta del mercado.

Luiza Teixeira de Freitas y Claudia Segura (curadoras de la feria) con Tracy O’Brien (codirectora, en el medio) de Proyectos LA, en frente de una obra de Horacio Zabala (Henrique Faria, Nueva York)

Tracy O’Brien
Co-directora de proyectosLA

Terremoto: Tú y tus colaboradores, Teresa Iturralde y Patricia Fajer, tienen experiencia en crear vínculos entre Latinoamérica (especialmente México) y Los Ángeles. ¿Cómo te sientes acerca de que el PST y tu proyecto esten cambiando líneas respecto a esta relación? Como sabes, hay mucha gente pesimista acerca del impacto a largo plazo después del PST…

Tracy O’Brien: Estamos muy emocionados por la oportunidad que PST trae para realmente mirar la Historia y su conectividad con Latinoamérica a través del arte. Tenemos grandes esperanzas para el futuro, porque creemos que hay lazos y diálogos fuertes y somos muy optimistas. PST e iniciativas como la nuestra fortaleceran dicha relación.

T: ¿Te sientes segura de ser capaz de mantener la atención durante los dos meses de la feria?

TO: Obviamente habrá momentos de mucha afluencia cuando la gente este en la ciudad, pero hemos estado muy emocionados con los grupos que nos han contactado a través de la prensa, de amigos o de galerías, para visitarnos. El trabajo “uno a uno”, los asesores y los coleccionistas vienen y dicen: “Oye, no estoy tan familiarizado con el trabajo, así que realmente quiero ir y pasar tiempo, y quiero que alguien me guíe a través de la muestra”.

T: ¿Crees que participas, a un nivel más global, en la renovación del modelo de feria de arte?

TO: Sólo creo que estas galerías están buscando diferentes maneras de conectarse a las ciudades, y siento que hay, irónicamente, una subconectividad o falta de conectividad con América Latina. Siento que es una oportunidad de ver realmente el trabajo que se produce en la región y explotarlo. La idea era que estas galerías participaran en Los Ángeles, para las cuales en su mayoría, es su primera vez en la ciudad. Así que la pregunta era cual es la mejor manera de hacer eso, y así encontrar una manera para ellos de pasar tiempo aquí, en le que pudieran conectarse con clientes e instituciones, no sé si esta es la respuesta. Posteriormente, tendremos retroalimentación de todo el mundo. Estamos tratando de encontrar la mejor manera y la más económica para las galerías de conectarse en Los Ángeles, pero estamos seguros de que están buscando otras ciudades también.

El curador Pablo Leon de la Barra con una obra de Jesús (Bubu) Negron (Henrique Faria, Nueva York)

Pablo León de la Barra
Curador (Guggenheim, Nueva York, USA & MAC Niteroi, Rio de Janeiro)

Pablo León de la Barra: Pacific Standard Time me parece una iniciativa que era necesaria desde hace mucho tiempo. Que  bueno que Los Ángeles tiene el potencial de conectar con Latinoamérica, a partir de una historia de siglos de relación, sobre todo con México. La región no había aprovechado ese potencial, y de alguna manera era algo que Miami estaba capitalizando, entonces la iniciativa es una manera no solo de balancear, sino también de crear nuevas conexiones y pensamientos. Además, hay que celebrar que una iniciativa como esta que invierta una cantidad tan fuerte de recursos en hacer estas exposiciones.

Terremoto: Hay una actualidad política muy fuerte relacionada a la visibilización de los latinos e hispanos en EEUU ahora, ¿Qué opinas de esto?

PLB: Esta visibilización ha estado presente en California, pero se ha expandido más allá de dicho estado.. Es un reflejo de la lucha constante por visibilidad desde Los Angeles de la que hay que aprender al igual que muchos otros artistas han reaccionado históricamente a la misma. Otra cosa importante a destacar sería, la itinerancia de algunas exposiciones que van a Latinoamérica lo que permitirá observar conexiones y  colaboraciones. Sin embargo, muchas de las exposiciones no viajan fuera de EUA por lo que muchas de estas relaciones no serán posibles de visibilizar en contexto.En general, es un esfuerzo increíble que una institución invierta tanto en hacer esto posible, lo que permite, por ejemplo, repensar lo que podría ser una Bienal: en vez de ser un evento que sucede en un solo lugar cada dos años, es un evento que sucede en varias sedes en torno a la ciudad cada tres años, y donde todos se enfocan a un tema específico. Creo que es un ejemplo interesante del que otras ciudades podrían aprender.

El galerista Leon Tovar (Nueva York, USA) con la obra de Fanny Sanin

León Tovar
Galerista (Nueva York, EUA)

Terremoto: Como galería que se enfoca más en arte moderno, ¿para ti cuál es la relevancia de estar en el contexto de proyectosLA?

León Tovar: Las obras que estamos mostrando,, que son de los años 60s y 70s, pueden confundirse con los contemporáneos. Cuando los pones en contexto unas dignifican a las otras, y te das cuenta lo importante que es el modernismo para el arte contemporáneo, así como lo que hoy puede ser considerado vanguardista.. Una buena parte de la información que tienen los artistas nuevos viene de piezas históricas.

T: ¿Piensas que para el público estadounidense, PST es una oportunidad para unir puntos de historias disjuntos reflejo de la poca historicidad que ha tenido del arte moderno en Latinoamérica?

LT: El público de NY sabe muchísimo de arte latinoamericano. Llevamos casi 14 o 15 años de exhibiciones importantísimas en museos de todo el mundo, desde Body and Soul en el Guggenheim hasta la última exhibición de Soto en el Pompidou. Con PST se muestra la importancia que tiene Latinoamérica –desde lo histórico hasta lo contemporáneo–, así como la importancia del mercado de la Costa Oeste. Lo que traemos a proyectosLA es algo un poquito más intelectual pero es muy coleccionable, lo que ha despertado  el apetito de  museos y colecciones importantes acá. También son obras completamente subvaloradas. Hay mucha valentía en estos artistas que vienen de otros países, quienes han llegado a niveles de sofisticación equiparable a aquellos del arte de los 50s o 60s, como es el caso de Soto, o Edgar Negrete. Cuando conoces todo lo que tenían que hacer los artistas en los 70s para sobrevivir, comienzas a entender el valor de su trabajo de acuerdo a su contexto. Es evidente que hubo mucha creación importante y eterna en Latinoamérica cuando te das cuenta de las relaciones que existen entre los artistas que han sido historizados y los que apenas comienzan a serlo.

El artista José Carlos Martinat (Galería Revolver, Lima, Perú)

José Carlos Martinat
Artista (Galería Revolver, Lima, Perú)

Terremoto: ¿No sé si me podrías hablar un poco del trabajo que haces a partir de Graffitis?

José Carlos Martinat: Es un trabajo que desde 2010 suelo hacer a partir de graffitis de distintos lugares. En Lima, cuando son campañas electorales, la ciudad se bombardea de textos: los partidos políticos pintan las paredes con slogans y promesas. A partir de ello nació la idea para desarrollar una técnica que me permitiera sacar capas de pared, entonces yo sacaba letras o palabras de estos políticos para armar nuevas frases que los cuestionaran, frases que regresaba a la calle. El trabajo fue mutando y cambiando –como cada trabajo que hago–, lo que me permitió ir a otros contextos con la serie. Hace un mes y medio estuve en Venezuela, durante el delicado proceso de la constituyente de Maduro, fue alucinante. Me interesaba lo que estaba ocurriendo ahí, específicamente lo que hacía la resistencia quienes utilizan todo lo que encuentran en la calle para protegerse. Hay una cosa urbana, muy interesante y conmovedora y de cierta forma admirable. Hay chicos que están al frente y se protegen con unos escudos de cartón, es una dictadura jodida. Me enfoqué específicamente en las pintas callejeras, tanto del gobierno como de la resistencia. Retiré mensajes de ambos grupos e hice una mezcla para formas las frases que se presentan aquí como una continuación del proyecto.

La curadora Carla Stellweg y la artista Carolina Caycedo (Instituto de Visión, Bogotá, Colombia)

Carolina Caycedo
Artista (Instituto de Visión, Bogotá, Colombia)

Carolina Caycedo: Presento obra del 2010 que hice después de venir a Los Ángeles por primera vez. Empezaba a entender en este contexto lo que llaman arte chicano y arte latino, en contraste con lo que yo aprendí como arte “latinoamericano” en Colombia. A partir de entender las conexiones tan ricas y densas, la pieza es una humilde tentativa de darle una revisión a la historia del arte latino o latinoamericano desde una perspectiva identificada como femenina. La ropa que forma la obra fue recolectada a través de artistas contemporáneos cercanos de mí, así como gente de mi familia: se mezclan cosascosas de mi abuela, de mis tías y mías con cosas de Regina José Galindo, Mónica Rodríguez, Manuela Vieira, e incluso una tanga que me dio, Juan Pablo Echeverri. La obra esuna visión personal de la historia del arte, que incluye a gente que me ha influenciado.

Terremoto: Pensando también en este libro serpiente (visible ahora en la exposición “A universal history of infamy” en el LACMA) y otras obras que has hecho respecto a cosmogonías indígenas y sabidurías antiguas, ¿Crees que una de las tareas del artista contemporáneo sería también rescatar o inventar nuevas genealogías?

CC: Sí, totalmente, y también cómo usar diferentes lenguajes para transmitir ciertas ideas, como es la narrativa o la acumulación de cosas, o las genealogías de resistencia, a partir del establecimiento de relaciones familiares no solo con otras personas, sino también con el entorno natural, en vez de una relación corporativa de explotación. Trabajar estas nuevas genealogías a partir del campo visual ayudarían a enfrentar los regímenes de opresión.

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