Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Other Situations: Liliana Porter at SCAD Museum of Art, Savannah, Georgia

by Aldeide Delgado Savannah, Georgia, USA 08/17/2017 – 01/07/2018

Trabajo Forzado/Forced Labor (mujer barriendo) [Sweeping Woman], 2004- 2017. Figurine on wooden shelf and vacuum cleaner dust. Courtesy of the artist and SCAD Museum of Art.

Reclaiming Subjectivity in the Museum

In the prologue of A Brief History of Curating, Christophe Cherix claims that while the “modern figure of the art critic has been widely recognized since Diderot and Baudelaire, the curator’s true raison d’être remains largely undefined.” Exhibition curation as a field of study continues to be a relatively new discipline; however, many seem to agree that the curator serves as a custodian, selector, and mediator between artist and public.

The SCAD Museum of Art is currently showing the first individual exhibition of the renowned Argentine-born and New York-based artist Liliana Porter, on view through January 2018. The museum, located in Savannah (the oldest city in Georgia), opened its doors in 2011 as a space committed to preserving cultural heritage and furthering the education of students as well as the larger community.

The exhibition Liliana Porter: Other Situations proposes, in the words of curator Humberto Moro, an historical overview of work developed by the artist over the last fifty years. Over 30 works are presented including engravings, photographs, drawings, and installations, as well as recent art objects and videos. The museum has close ties to the Savannah College of Art and Design (SCAD) educational program and seeks to promote interactive, flexible, and collaborative projects directed at students and young people. The emphasis on pedagogy is fundamental as this exhibition has been planned as a to catalyze the varying thought processes involved in different disciplines. Moro explains: “At SCAD Museum of Art we program our shows carefully, considering how these exhibitions, separately and together, will impact our pedagogy at SCAD…[where] we have majors of sequential arts, writing, gender studies, film, art history, and studio arts, to which this exhibition offers a unique opportunity to connect with the life and work of one of the most relevant cultural producers of our time.” [1]

Installation view. Courtesy of the artist and SCAD Museum of Art.

Based on work made at four key junctures since 1973, the show as a whole demonstrates Porter’s early use of discursive obsessions in her practice. I refer here to the problematization, on one hand, of a linear notion of time and on the other, the relationship between reality and representation. Here, one can appreciate Untitled (Self-Portrait with Square) (1973), one of the most visible images from Radical Women: Latin American Art, 1960–1985 [2]; Untitled (Triangle) (1973), a wall-mounted installation of three photographs and a drawing; and The Square (1973), a photo-essay that explores the relationship between space and the body. This initial series is also accompanied by Untitled (Hand with Cross-hatched Drawing and Ring) (1973), Untitled (Glass + Boat) (1975), and Untitled (Drawing with Plastic Hammer) (1993-95).

Liliana Porter was part of the conceptual practice movement that began in the 1970s. Upon her arrival in New York in 1964, she found a cultural scene questioning artistic tradition and marked by the emergence of new forms of creative awareness. On the New York Graphic Workshop, founded in 1965 by José Guillermo Castillo and Luis Camnitzer, Porter said the following:

…basically, we engaged in fierce self-criticism and reflection on our artistic production. For my part, this led me to shift from making rather baroque work to more visually austere pieces, where thought appears as the protagonist over the distance between the thing and its representation, between virtual space and real space. [3]

El Jardinero (with green bordered plate) [The Gardener], 2015. Porcelain plate and bronze figurine, 2 3⁄4 x 8 1⁄2”. Courtesy of the artist and SCAD Museum of Art.

Untitled (Triangle) synthesizes this concern through the different temporalities and techniques that encompass it. The process for the piece takes as its starting point a 1973 photograph that captured the drawing of a line on a hand and its extension in space. This image became the inspiration for a photoengraving placed on a wall where the line is further extended. According to the artist, fragmentation and how we organize reality are two fundamental aspects of this project since if the engraving were to be reprinted and the line drawn from the beginning to the end, there would be a 30-year interval in the process. The extended line generates an illusion of continuity more in tune with a supposed temporal ergonomics—if you’ll let me borrow the term—while questioning how space, time, performativity, and the body converge.

The use of the term ergonomics, which comes from the Greek “ergos” meaning work and “nomos” meaning laws, is not coincidental in this context. While walking through the exhibition, you can appreciate some of the classic characters from the Forced labor series started in the 1990s. The gardener (The Gardener with Green Bordered Plate), the watch repairman (To Fix It 3:30), the painters (Man painting chair III and Man drawing II), the weaver (Weaver), the woman sweeping (Sweeping woman), and the man with an axe (Man with pickaxe). The dichotomy between representation and reality is visible in the gardening scene, since the woman working is placed on a green plate decorated with flowers. This produces a relationship between the character’s function and the represented image, establishing an associative game not without a refined sense of humor.

Forced labor presents tiny characters (toys) confronted with immense daily tasks in their proportional dimension: the man cutting an enormous wood plank or the woman who sweeps a long trail of blue dust. These scenes have an implicit lyricism that highlights the dramatic ambiguity in which the figures debate. Like the characters of Pirandello, they do not give up their condition of being forms fixed in time or in a permanent state. Objects obtained in thrift stores or antique shops have a certain character of self-absorption, introspection, and silence, reinforced by the predominance of missing spaces.

Installation view. Courtesy of the artist and SCAD Museum of Art.

This element is also characteristic of several paintings included in the show, News/The Way Out (2016) and Untitled with Fallen Things, as well as the photographs The Intruder (2011) and Memorabilia (2016), and her video production. The presentation of environments devoid of any reference contributes to the generation of parallel scenes (situations) where representation serves as a laboratory where we can think about ourselves from a humorous and ironic position. Actualidades/Breaking News, a 22-minute video, follows the structure of a news magazine or journal to narrate 30 segments with stories related to culture, fashion, tourism, and social issues. In her paintings, installations, and photographs, the cast of found objects, toy furniture, animals, musicians, soldiers, and souvenirs that represent icons of political history interact in a space only conceivable in hyperreality or in a simulacrum. At the same time, it is possible to establish a discourse about image consumption in contemporary societies based on the selection of prints with iconography of such figures as Che, Elvis Presley, Christ, and Joan of Arc Brie cheese.

Finally, one section of the exhibition lets us glimpse the importance of costumes in Porter’s imaginary, as well as the influence of Jorge Luis Borges and René Magritte in her production. One piece in particular, The Magician (1977), interests me because it features another characteristic that I think allows us to understand Liliana’s work from a deconstructivist, quasi-philosophical perspective. The fact that she makes us aware of her intervention in deconstructing the concept of veracity and revealing an ensemble of philosophical problems—involving language, time, and truth—bound by power relations.

To the roles of the curator set out at the beginning of this essay, we must add curator as producer of meaning. Other Situations is an exhibition of undoubtable methodological and museographic mastery whose merit lies in the selection of works, the use of space, and the continuity of the exhibition concept, and its effort to increase the visibility and recognition of Latin American artists in the United States. Thinking about the rise of curation as a subjective practice where race, class, and gender intersect—Humberto Moro is a Mexican curator based in Savannah—allows us to see other discourses associated with the deautomization of traditional museum management schemes, but, more importantly, it lets us foster dialogue about the role of activism in curatorial practice.


Aldeide Delgado is an art researcher and independent curator. She was the recipient of the Research and Writing Grant organized by Teor/ética.

Translation by Addison Woolsey.


[1] Rachael Flora. 5 Questions with Humberto Moro.

[2] An exhibition curated by Celilia Fajardo and Andrea Giunta for the Hammer Museum as part of Pacific Standard Time: LA/LA. Radical Women: Latin American Art (1960-1985) explores the experimental art practices of Latin American female artists as well as US-born Chicana and Latina artists between 1960 and 1985, reevaluating their contribution to contemporary art.

[3] “Apuntes de una conversación entre Liliana Porter y Laura Buccellato” in Liliana Porter. (Exhibition catalogue). San Juan, Gobierno de la Provincia de San Juan, Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson, 2015, p. 13.

Trabajo Forzado/Forced Labor (mujer barriendo) [Sweeping Woman], 2004- 2017. Figurín en estante de madera y polvo de aspiradora. Cortesía de la artista y SCAD Museum of Art.

Pensar la subjetividad en el museo

En el prólogo del libro Breve historia del comisariado Christophe Cherix plantea que si bien la figura moderna del crítico de arte está ampliamente reconocida desde Diderot y Baudelaire, la razón de ser del comisario (curador) está aún por definirse. La curaduría de exposiciones en tanto objeto de estudio constituye una disciplina relativamente reciente. Sin embargo, varios parecen coincidir en la identificación del curador como un conservador, seleccionador y mediador entre el artista y el público.

SCAD Museum of Art acoge hasta enero de 2018 la primera exhibición individual, en la ciudad de Savannah, de la renombrada artista argentina establecida en Nueva York, Liliana Porter. El museo inserto en un contexto local de carácter histórico —Savannah es la ciudad más antigua del estado de Georgia— fue inaugurado en el 2011 como espacio comprometido con la preservación del patrimonio cultural, el enriquecimiento a la educación de los estudiantes y el alcance a la comunidad.

La muestra Liliana Porter: Other Situations plantea, en palabras del curador Humberto Moro, un ejercicio de revisión histórica del trabajo de la artista en un período de cinco décadas. Se presentan un aproximado de 30 obras que abarcan grabado, fotografía, dibujo e instalación hasta objetos y videos de producción reciente. La institución estrechamente vinculada al programa educativo de SCAD promueve la realización de proyectos interactivos, flexibles y de colaboración dirigidos al alumnado y al público joven. Este énfasis es fundamental, pues la exhibición ha sido pensada como catalizadora de procesos de reflexión desde especialidades diferentes. Moro explica: “En el Museo de Arte SCAD, programamos nuestras exposiciones cuidadosamente, considerando cómo estas exposiciones [en conjunto] tendrán un impacto en nuestra pedagogía en SCAD, [donde] tenemos carreras de artes secuenciales, escritura, estudios de género, cine, historia del arte y artes escénicas, a lo que esta exposición ofrece una oportunidad única para conectarse con la vida y el trabajo de una de las productoras culturales más relevantes de nuestro tiempo”. [1]

Vista de instalación. Cortesía de la artista y SCAD Museum of Art.

Planteada en cuatro momentos temáticos a partir de 1973, las obras que encabezan la exhibición evidencian el desarrollo temprano de obsesiones discursivas en la obra de Porter. Me refiero a la problematización, por un lado, de una concepción lineal del tiempo, y por el otro, de las relaciones entre realidad y representación. Se aprecia Untitled (Self-Portrait with Square), 1973, una de las imágenes de mayor visibilidad en Radical Women: Latin American Art (1960-1985) [2]; Untitled (Triangle), 1973, instalación de tres fotografías y dibujo sobre pared; y The Square, 1973, ensayo fotográfico sobre la relación entre espacio y cuerpo. Además acompañan a este conjunto inicial Untitled (Hand with Cross-hatched Drawing and Ring), 1973, Untitled (Glass + Boat), 1975, y Untitled (Drawing with Plastic Hammer), 1993-1995.

Liliana Porter formó parte del movimiento de prácticas conceptualistas acaecido desde la década de los sesenta. A su llegada a Nueva York en 1964 encontró una escena cultural signada por el cuestionamiento a la tradición artística y la emergencia de formas de concientización del hecho creativo. Porter comenta sobre New York Graphic Workshop cofundado en 1965 con José Guillermo Castillo y Luis Camnitzer:

… básicamente lo que hacíamos era una feroz autocrítica y reflexión sobre nuestra producción artística. En mi caso, eso me llevó a pasar de obras bastante barrocas a obras más austeras visualmente, donde aparecía la reflexión como protagonista sobre la distancia entre la cosa y su representación, entre el espacio virtual y el espacio real. [3]

El Jardinero (with green bordered plate) [The Gardener], 2015. Plato de porcelana y figurín de bronce, 2 3⁄4 x 8 1⁄2”. Cortesía de la artista y SCAD Museum of Art.

Untitled (Triangle) sintetiza esta preocupación mediante las diferentes temporalidades y técnicas de realización que engloba. El procedimiento parte de una fotografía de 1973 que registró el dibujo de una línea sobre la mano y su continuación en el espacio. Esta imagen devino matriz de un fotograbado colocado sobre la pared donde la línea es prolongada. Según la artista, la fragmentación y el cómo ordenamos la realidad es fundamental en este proyecto pues si reimprime el grabado y dibuja la línea desde el principio hasta el final, habría un intervalo de 30 años en el proceso.  Así, la línea genera una ilusión de continuidad más a tono con una supuesta ergonometría de la temporalidad —si se permite este préstamo— en tanto confluyen las interrogaciones en torno al espacio, el tiempo, la performatividad y el cuerpo.

El uso del término ergonomía derivado del griego “ergos” que significa trabajo y “nomos”, leyes, no resulta fortuito en este contexto. Si seguimos el recorrido de la exposición se aprecian algunos de los clásicos personajes de la serie Trabajos forzados comenzada a la altura de los noventa. Aparecen el reparador de relojes (To Fix It 3:30), los pintores (Man painting chair III), y (Man drawing II), la tejedora (Weaver), la mujer barriendo (Sweeping woman), y el hombre con el hacha (Man with Pickaxe). La dicotomía entre representación y realidad se evidencia en la escena de la jardinera (The Gardener with  Green Bordered Plate), pues la misma se encuentra inserta en un plato verde decorado con flores. De tal modo, se origina una relación entre la función del personaje y la imagen representada, estableciendo un juego asociativo no exento de un refinado humorismo.

Trabajos forzados presenta juguetes diminutos enfrentados a inmensas tareas cotidianas, en su dimensión proporcional: el hombre que pica una enorme tabla de madera o la mujer que barre una larga estela de polvo azul. Hay en estas escenas un entendido lirismo que resalta la ambigüedad dramática donde se debaten los figurines. Ellos, así como los personajes de Pirandello, no abandonan su condición de formas fijadas en el tiempo o en estado de permanencia. Los objetos obtenidos en bazares de segunda y casas de antigüedades tienen en común cierto carácter de ensimismamiento, introspección y silencio reafirmado por el predominio de los espacios en blanco.

Vista de instalación. Cortesía de la artista y SCAD Museum of Art.

En Porter este será un elemento que definirá tanto las pinturas Breaking News/The Way Out (2016) y Untitled with Fallen Things, como las fotografías The Intruder (2011) o Memorabilia (2016) y su producción videográfica. La presentación de ambientes desprovistos de toda referencia contribuye a la generación de escenas paralelas —situaciones— donde la representación constituye un laboratorio para pensarnos desde el humor y la ironía. Un video de 22 minutos, Actualidades/Breaking News, sigue la estructura de una revista o diario noticioso para narrar en 30 segmentos temas asociados a la cultura, la moda, el turismo y asuntos sociales. En las pinturas, las instalaciones o las fotografías, un elenco de objetos encontrados, muebles de juguete, animales, músicos, soldaditos y souvenirs que representan iconos de la historia política, interactúan en un espacio sólo concebible en el área de la hiperrealidad y el simulacro. Al mismo tiempo, es posible establecer un discurso sobre el consumo de imágenes en las sociedades contemporáneas a partir de una selección de impresiones con iconografías del Che, Elvis Presley, Cristo y el queso Juana de Arco.

Por último, una sección de la muestra deja entrever la importancia de la noción del disfraz en el imaginario portiano, así como las influencias de Jorge Luis Borges y René Magritte en su producción. Una obra en particular, The Magician, 1977, me interesa porque señala otra de las características que a mi juicio permiten entender la obra de Liliana desde una perspectiva deconstructiva, cuasi filosófica. El hecho de hacer consciente su intervención para desestructurar la concepción de veracidad y revelar con ello un conjunto de problemas filosóficos —entiéndase el lenguaje, el tiempo y la verdad— atravesados por relaciones de poder.

A los roles planteados al inicio de este texto, habría que agregar el curador como productor de significado. Other Situations es una muestra de indudable dominio metodológico y museográfico cuyo mérito radica en la selección de obras, el aprovechamiento del espacio, el apego al concepto expositivo y su incorporación a las agendas de reconocimiento y visibilidad de artistas latinoamericanxs en Estados Unidos. Desde esta perspectiva, pensar el ascenso de la curaduría en tanto práctica de subjetividad atravesada por factores de raza, clase y género —Humberto Moro es un curador mexicano establecido en Savannah— no sólo permite la aparición de otros discursos asociados a la desautomatización de los esquemas tradicionales de gestión museística, sino algo mejor, el establecimiento de diálogos vinculados al activismo en la práctica curatorial.


Aldeide Delgado es investigadora de arte y curadora independiente. Ha sido la beneficiariade la beca de Investigación y Escritura por parte de Teor/ética.


[1] Rachael Flora. 5 Questions with Humberto Moro. Consultado en (17 de noviembre de 2017).

[2] Exposición curada por Cecilia Fajardo-Hill y Andrea Giunta para el Hammer Museum en el contexto de Pacific Stardard Time: LA/LA. Radical Women: Latin American Art (1960-1985) indaga en las prácticas de arte experimental de mujeres artistas en Latinoamérica y chicanas y latinas nacidas en los Estados Unidos entre 1960 y 1985 y revaloriza sus contribuciones a lo que hoy entendemos por arte contemporáneo.

[3] “Apuntes de una conversación entre Liliana Porter y Laura Buccellato” en,  Liliana Porter. (Catálogo). San Juan, Gobierno de la Provincia de San Juan, Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson, 2015, p. 13.

Tags: , , , , , ,

El caballo, la mujer, el muchacho y las piedras: materialismo equino, antiespecismo feminista y posthumanismo mineral en una obra de Claudia Fontes

Nkame: A Retrospective of Cuban Printmaker Belkis Ayón (1967–1999)

Word Weary