Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Marginalia #59

Nohacernada.org (MX), Daniel Escamilla (MX), Luciana Ponte (ARG), Jenny Granado (BRA), BRKN (MX), CECLI (CL) April 1, 2020 – May 31, 2020

Marginalia is a monthly feature in which an artist, curator, or project is invited to choose a series of images related to their practice and interests for Terremoto’s virtual background. At the end of each month, we compile the images and contextualize them through writing. 

For this issue, we invited an array of entities to create visual essays around the affectivity of images in our current context. Taking the pandemic as a parting point, these essays ask how can visuality stimulate or support the creation of mutual aid networks. This is a compilation of the six visual essays, and their respective explanatory texts, authored by the curatorial-artistic collective Nohacernada.org (MX), artist Daniel Escamilla (MX), artist Luciana Ponte (ARG), artist Jenny Granado (BRA), publishing house BRKN (MX), and the magazine CECLI (CL). 

 

In Věra Chytilová’s 1966 movie Daisies, two young women—both named Marie—decide to, given the world’s corrupted state, embark on a series of pranks that consume and destroy the world around them. Occasionally they steal money from and ridicule people at a club; they dedicate themselves to gluttony; they scam moneyed men and incite them to pay their bills. In the final scene, they crash a luxurious banquet only to later attempt to clean up and fix what they broke, mockingly repeating: “if we are good, we will be happy, if we work hard, we will be good and happy.”

In 1979, the members of art collective The Offices consigned themselves to sell “art theory and practice to clients outside the art world;” they had the conviction that the “bifurcation of work and play, creation and recreation, obligation and leisure” should not exist.

A desire that hierarchical, alienating labor be replaced by creative and fulfilling work made way for new forms of control. As the eight-hour workday morphed into a demand for constant availability and perpetual self-management, labor became perilous once more and increasingly encroaching. Without meaning to, entrepreneurial efforts created a mold for the neoliberal subject in which notions of autonomy, creativity, and adaptability continued to sustain a utopian promise.

For us, the wordplay in Doing Nothing (no hacer nada) is key: while in logic, double negatives constitute a positive, in Spanish a double negative is actually a reiteration of negation. We like to play with the institutional and academic ambiguity that this phrase assumes, bringing to mind all of its possible significations. Doing Nothing is both resistance and contradiction. Given our specific conditions—facing confinement due to a global pandemic—we have come to once more think about notions of productivity, the occupation of specific spaces, and the roles that we play in light of this situation.

During confinement, social media has propagated viral images that promote productivity and condemn “wasting” these days in which you are not being “exploited” by work: there are no excuses for not being productive, as you have ample free time

Some artistic movements of the twentieth century saw leisure as a subversive tool. While authorities demand the cessation of productive capitalist acts during the pandemic, we must remember that leisure is a privilege: the majority cannot stop doing; the majority cannot do anything.

Nohacernada.org is a project spearheaded by Carmen Huízar and Daniela Flores Arias. We practice curatorship as our own artistic practice. We think of what we do as actions, as they are temporally and spatially specific; we think of what we do as collaborations, as we form a team with the artists we invite. For us, the before/during/after of exhibitions is instrumental. Our virtual platform serves as an exhibition space for online actions and as an archive for offline collaborations, for which we seek specific physical spaces that contribute to and link with the project to be shown, be it through their context, location, or physical characteristics. 

—Nohacernada.org

 

In an interview published by Forbes magazine in May 2017, economist Ernesto Piedras recounts how he had been asked to calculate the specific contribution of Mexican cultural production to the country’s gross domestic product and its relationship to the federal government’s annual budget allocations for cultural work. His calculations revealed that the cultural sector received 0.0002% of the country’s total budget; in exchange, culture made up  6.4% of the GDP.

When these figures were reported to the Treasury Secretary, he then asks: “If with so little they make so much, why would they want any more?”

—Daniel Escamilla

 

Art was always lonely

Institutional abandonment? Academic frigidity? Commercial pimping? Job insecurity? Theoretical masturbation? Functional institutional critique?

No, tranqui, yo perreo sola. 

This new apocalypse promises the destruction and collapse of outdated systems. Will it follow through with its pledge? Who knows…I am used to false promises.

Social distancing? I’ve danced that before. Nothing new under the sun. ART also knows the steps all too well :(:

Hasn’t art been, throughout history, an insular conversation? The same clique as always, talking about themselves for themselves and their incestuous friend group.

Sometimes I like to imagine that art (without any capitalization) is a vulnerable body. Yes, literally, I imagine art a person, who suffers through the bittersweet melodrama of rejection from a “wider audience” and its central node, the field officer. This is something that worries me; I am worried that they are alone, alienated, scorned, attacked by arrogant bullies, and fed up with being deliberately misunderstood and never invited inside.

But let’s pause for a second… Right now, we are all alone, isolated, gloves, and face masks at hand, missing communication with others. Something that never was, something that existed only as a figment. I think that art knows, somewhere inside themselves, that dealing with solitude is a virtue. Because one is never truly alone. Maybe we should get something out of this experience, stop romanticizing the people and structures that harm us, and resist through it all: we should move through the margins, where everything begins.

Be like water. Be like a meme.

Be like a virus.

This visual essay is composed of images from my personal motivational collection. Some memes are mine, some are found, some works are mine, others serve as references.

My portfolio and bio http://lalulula.com/

My public personal musings https://www.instagram.com/oh.no.lulu/

My fantasies about an emo art and its heinous audience https://www.instagram.com/arthasfeelingstoo/

My attempt at connecting with the public and my space for collective cooperation https://lalulula.tv/

—Luciana Ponte

 

How will we regain control of our lives?

THE VIRUS IS THE SYMPTOM; THE CI$TEM IS THE DISEASE.

Desculonización* transitions between artistic research and social labor. It is a transfeminist platform active since 2015/16 based in Brazil and Mexico. We trigger the implications of the racialization of non-white bodies in the framework of current neo-fascism. An anti-civilizing campaign for the celebration of a body that enjoys feels pleasure and perreo right on the ruins of order and progress, good manners, and traditional family structures. It arises from the force of occupation, invasion, and re-existence that focuses on our hips and resonates throughout the body. Desculonización is not a concept; it is a movement. We question everything that steals our lives.

Jenny Granado aka Kebra (Uruana, Brasil) is a visual artist, DJ and holds a master in conservation and archiving. Apart from her project Desculonización, since 2016 she curates Festival Anormal, of post-pornographies, feminisms, and dissident sexualities in Mexico City. Her art has been shown in Mexico, Brazil, Guatemala, Colombia, Finland, Switzerland, Argentina, Italy, Puerto Rico, China, and more. Her work is mainly focused on performance but with fluid experimentation in form. She proposes colonialism as an epistemic technological tool, and how it inscribes hierarchical binary fictions in human behavior, sexualities, and the territories we occupy.

*Desculonización joins the terms culo as in ass and descolonización, Spanish for decolonization. Cu in Brasil means anus. And it also takes shape in performances, workshops, lectures, collabs, and DJ sets.

—Jenny Granado

 

Images sprouting on the surface

Terremoto invited us to think of images.

With images.

They also invited us to talk about our vulnerable bodies.

Our bodies as workers of the cognitariat.

And they asked us two questions.

What images are affecting us in our contemporary moment?

How can we create networks of mutual aid?

We thought about how images can affect us.

The news we see.

The statistics we read.

And that made us think:

What is an affected image?

How have images been affected in this context?

Are they quarantined like us?

How are these quarantined images?

Are they like this?

Do they have owners, prices, and usage-rights fees?

The commodification of efforts, wishes, imaginations?

Were our images of the future also quarantined?

No, because the future is not as Elon Musk and F*ceb**k predict.

The future is taking different paths to different places.

(I suppose we should also consider that in the future we want to be like fungi, distributing the forest and allowing it to communicate through us, helping it survive, helping it expand and protect itself, knitting roots from below and only sometimes appearing on the surface)

Any time that we think of other futures, we can create, retake or imagine

Images for these possibilities.

And these images will be free.

Images that circulate like memes.

Unrestrained wherever possible.

This leads us to the issue of meme circulation.

Memes, the only unconfined images of the present.

Images that leave home to try and find kinship.

Fractions.

Shared feelings.

Echoes of common uncertainties.

Memes can become kinship nodes that, in turn, create larger networks of support.

Networks that are both virtual and physical.

That seek public goods.

That circumvent the vulnerability of bodies and distance.

That exist somewhere beyond networks of capital.

—BRKN

 

In our country, they censor. They burn books, they burn people, they paint the town, they mute voices.

One year ago, @tlaxcalatres invited us (@cosaslindaseinutiles) to curate a display case with the theme “Objects and Walls.” We selected objects related to dictatorship. One of the objects we chose was a scorched book. We burned the book ourselves, to represent all the books burned in dictatorships worldwide.

Now, cloistered in our homes, some—or rather, many—books keep us company. Gifted books, inherited books, books bought at school fairs.

Books are inherently political. Bush knew this when he bombed the University of Baghdad (and, by extension, its library) in 2003. Our governors also know this. Books do not only give us words: they give us fuel for the fire, paper for food-wrapping, a surface that can become a table, drawings to decorate our walls, a shrine for secret messages. Books and other objects narrow gaps, transport us to other worlds or bring us, humbly, to the present; the present in which the virus prevented us from—amongst other things—voting on our new constitution on the previously accorded date.

The moment they begin to signify something else, our objects transcend their ordinariness. Six months ago, as we began a social revolt against our country’s unjust system, pots and pans became weapons. We registered this change in signification alongside the collective @diariosdeguerra, to document the fight’s material legacy: its uses outside the home. Now, those same pots and pans are being filled with food to nourish those who, unsupported by the state, suffer the virus’s most dire consequences.

Objects constantly cross the line between utility and uselessness to save lives, to save dreams. They stay inside with us, little reminders that there was another world—and many other worlds—before this one. And that the one that comes after is also going to be different. It will deal with other objects, and our objects will live in museums that will document the horror in their tin, paper, and ceramic bodies.

Tenderness is the opposite of everyday horror. The tenderness of a plate full of bread, of a book full of stories, of a pot full of charquicán, of a bandana and a raised fist.

Centro de Estudios de Cosas Lindas e Inútiles [Center for the Study of Tender and Useless Things]

Marginalia consiste en la invitación mensual a unx artista, curadorx o proyecto a escoger una serie de imágenes para el fondo de la página de Terremoto en relación con su práctica e intereses del momento. Al final de cada mes se revela el conjunto de las imágenes publicadas y un texto que las contextualiza.

Para esta emisión, invitamos a diversos agentes a generar ensayos visuales alrededor del cuestionamiento de las imágenes que nos afectan en el contexto reciente y cómo podemos estimular redes de apoyo mutuo a través de las mismas, tomando como punto de partida la emergencia sanitaria. La presente es una compilación de los seis ensayos visuales y sus respectivas provocaciones a manera de texto, cuyxs autorxs son: el colectivo artístico-curatorial Nohacernada.org (MX), el artista Daniel Escamilla (MX), la artista Luciana Ponte (ARG), la artista Jenny Granado (BRA),  la editorial BRKN (MX) y la revista CECLI (CL).

 

En la película Daisies (1966) de Věra Chytilová, dos mujeres jóvenes, ambas llamadas Marie, deciden, dado que el mundo está corrompido, embarcarse en bromas que consumen y destruyen al mundo que les rodea. Ocasionalmente roban dinero y molestan a la gente en un club, se entregan a la buena comida, dejan que hombres adinerados paguen su cuenta y luego los estafan. En la escena final, estropean un lujoso banquete para después tratar de limpiar y repararlo, burlándose y repitiendo: “si somos buenas, seremos felices, si somos trabajadoras, seremos buenas y felices”. 

En 1979, los miembros del grupo The Offices se dispusieron a vender “teoría y práctica basada en el arte, a clientes que no fueran del arte”; tenían la convicción de que no debería haber una “bifurcación del trabajo y el juego, la creación y la recreación, del deber y el ocio”.

La exigencia de que el trabajo jerárquico y alienado fuera reemplazado por un trabajo creativo y satisfactorio, dio lugar a nuevas formas de control. A medida que la jornada laboral regulada de ocho horas se transformó en la demanda de disponibilidad perpetua y el ideal de autogestión, el trabajo se convirtió en uno más precario y cada vez más abarcador. Sus esfuerzos empresariales crearon sin querer un molde para el sujeto neoliberal en un momento en que las nociones de autonomía, creatividad y adaptabilidad aún mantenían una promesa utópica.

No hacer nada para nosotras es un juego de palabras: mientras que en la lógica negar dos veces es afirmar, en el idioma español la doble negación es una reiteración de esa negación. Nos gusta jugar con la ambigüedad académica e institucional que suponen y por tanto, con todos los significados posibles. Se trata de no hacer nada como resistencia y como contradicción. En la situación específica en la que nos encontramos, la posibilidad de aislamiento ante la pandemia mundial, nos ha llevado a pensar una vez más en conceptos como las nociones de productividad, la ocupación de determinados espacios y los roles que cada quién juega ante esta situación.

En redes sociales observamos imágenes viralizadas que fomentan la productividad y condenan el no “aprovechar” estos días en los que “no se está siendo explotadx” en el trabajo: no hay excusas para no ser productivx, pues se tiene tiempo libre.

Algunas vanguardias artísticas del siglo XX vieron el ocio como un instrumento subversivo. Sin embargo, en este contexto específico en el que la autoridad exhorta a que las actividades productivas se detengan, hay muchas personas cuya mayoría no puede dejar de hacer, no puede no hacer nada, pues más que ser un instrumento subversivo, es un privilegio de pocxs.

Nohacernada.org es un proyecto dirigido por Carmen Huízar y Daniela Flores Arias. Ejercemos la curaduría y gestión como proceso artístico en sí mismo. Pensamos lo que hacemos como sucesos, porque tienen una temporalidad y espacialidad muy específica; como colaboraciones, ya que formamos un equipo de trabajo con las artistas invitadas. Es importante para nosotras la performatividad del antes, durante y después de la exposición. 

Nuestro espacio virtual funciona como un dispositivo de exhibición para los sucesos online y como un archivo para los sucesos offline, para los cuales buscamos espacios físicos particulares que aporten y se vinculen con el proyecto a exhibir, ya sea por su contexto, locación o por sus características físicas.

— Nohacernada.org

 

En una entrevista publicada por la revista Forbes en mayo de 2017, el economista Ernesto Piedras recordó que le había sido solicitado realizar el cálculo del peso específico que tiene el aporte de la producción cultural mexicana al producto interno bruto nacional, en relación con el porcentaje presupuestal asignado por parte del gobierno federal. Su cálculo arrojó que el sector cultural recibía el 0.0002% del presupuesto total anual procedente de la federación; a cambio, la cultura contribuía, en ese momento, con el 6.4% del PIB.

Cuenta también que, cuando los datos le fueron reportados al secretario de Hacienda, su respuesta fue: “si con tan poquito producen tanto, ¿para qué quieren más?”.

— Daniel Escamilla

 

El arte siempre estuvo solo

¿Desamparo institucional? ¿Frialdad académica? ¿Proxenetismo mercantil? ¿Precarización laboral? ¿Masturbación teórica? ¿Crítica institucional funcional?

No, tranqui: yo perreo sola.

Este nuevo fin del mundo promete derrumbe y colapso de sistemas caducos. ¿Cumplirá lo prometido? Quién sabe… estoy acostumbrada a las falsas promesas.

¿Social distancing? Ese baile me lo sé muy bien. Nada nuevo bajo el sol. EL ARTE también se sabe esos pasos, demasiado bien :(:

¿Acaso EL ARTE no ha sido siempre, a lo largo de la historia, una discusión insular? El mismo grupito de siempre, hablando sobre ellxs mismxs para ellxs mismxs y su incestuoso grupo de amigxs.

A veces juego a que el arte (con minúsculas) es un cuerpo vulnerable. Sí, literal, es una persona, y me la imagino sufriendo el agridulce melodrama del rechazo tanto de la “gran audiencia” como del nodo central, oficial del campo. Esto sí es algo que me preocupa, me preocupa que esté solito, alienado, despechado, atacado por bullys prepotentes y cansado de que nadie lo quiera entender o abrirle las puertas de su casa.

Pero momento… ahora estamos todxs solxs, aisladxs, con los guantes y el cubrebocas puestos y extrañando la comunicación con otrxs. Algo que no era tal, sino ficciones. Creo que el arte en el fondo sabe que poder lidiar con la soledad es una virtud. Porque unx no deja de estar solx. Tal vez deberíamos aprender algo de eso, dejar de romantizar a la gente y las estructuras que nos tratan mal, y resistir a pesar de todo, moviéndonos por los márgenes, que es donde germina la cosa.

Ser como el agua. Ser como un meme.

Ser como un virus.

Este ensayo visual está compuesto de imágenes que conforman mi colección motivacional. Algunos memes míos, otros encontrados, algunas obras mías, otras que me sirven de referencia.

Mi portafolio y bio http://lalulula.com/

Mis sincericidios personales públicos  https://www.instagram.com/oh.no.lulu/

Mis fantasías sobre un arte emo y su odiosa audiencia https://www.instagram.com/arthasfeelingstoo/

Mi intento de conectarme con el público y espacio de cooperación colectiva https://lalulula.tv/

Luciana Ponte

 

¿Cómo recobraremos el control de nuestras vidas?

EL VIRUS ES EL SÍNTOMA, EL CI$TEMA ES LA ENFERMEDAD.

Desculonización* existe entre la investigación artística y la labor social. Es una plataforma transfeminista activa desde el 2015/16, basada en Brasil y México. Desatamos las implicaciones de la racialización de cuerpos no-blancos en el marco del neo-fascismo actual. Esto a través de una campaña anti-civilizante que celebra el cuerpo que disfruta, se deleita y perrea en las ruinas del orden y el progreso, los buenos modales, las estructuras familiares tradicionales. Surge de la fuerza de ocupación, invasión y re-presencia que se enfoca en nuestras caderas y resuena por nuestros cuerpos. Desculonización no es un concepto, es un movimiento. Interpelamos a todo que nos roba nuestras vidas.

Jenny Granado, también conocida como Kebra (Uruana, Brasil) es una artista visual, DJ y maestra en conservación y archivística. Aparte de su proyecto Desculonización, desde el 2016 es curadora del Festival Anormal, que se enfoca en pos-pornografías, feminismos y sexualidades disidentes en la ciudad de México. Su arte ha sido mostrado en México, Brasil, Guatemala, Colombia, Finlandia, Suiza, Argentina, Italia, Puerto Rico y China, entre otros países. So trabajo se enfoca en la performance, pero siempre con una consideración fluida y experimental hacia la forma. Ella plantea al colonialismo como una herramienta tecnológica epistémica que inscribe ficciones binarias jerárquicas en el comportamiento humano, las sexualidades y los territorios que ocupamos. 

*Desculonización une los términos culo (trasero) y descolonización. En Brasil, Cu significa ano. Y también toma forma en performances, talleres, cátedras, colaboraciones y sets de DJ. 

— Jenny Granado

 

Imágenes brotando en la superficie

En Terremoto nos invitaron a pensar en imágenes.

Con imágenes.

También nos invitaron a hablar desde nuestros cuerpos vulnerables.

Cuerpos trabajadores del cognitariado.

Y nos hicieron dos preguntas.

¿Qué imágenes nos afectan en este contexto reciente?

¿Cómo podemos estimular redes de apoyo mutuo?

Pensamos en cómo pueden afectarnos las imágenes.

Las noticias que vemos.

Las cifras que leemos.

Y eso nos hizo pensar:

¿Qué es una imagen afectada?

¿Cómo se han afectado las imágenes en este contexto?

¿Se han confinado como nosotrxs?

¿Cómo serían éstas?

¿Serán así?

¿Con dueñxs, precios y tarifas de acuerdo al uso?

¿La capitalización de trabajos, deseos e imaginaciones?

¿Nuestras imágenes de futuro fueron confinadas?

No, porque el futuro no será lo que Elon Musk y F*ceb**k predigan.

El futuro se direccionará a otros lugares, por otros caminos.

(Supongo que deberíamos pensar en que en el futuro queremos ser como los hongos, distribuyendo y comunicando el bosque, ayudando a que viva, a que se extienda y se proteja, tejiendo por abajo las raíces, y a veces, brotando en la superficie)

Siempre que podamos pensar en otros futuros, podremos crear, retomar o imaginar imágenes para esas posibilidades.

Y serán imágenes libres.

Imágenes que circularán como memes.

En la medida de los posible, sin restricciones.

Eso nos lleva a la cuestión de la circulación de los memes.

De los memes, que son las imágenes no-confinadas del presente.

Imágenes que salen y tratan de encontrar afinidades.

Reacciones.

Sentimientos compartidos.

Incertidumbres comunes reflejadas.

Poco, o mucho, lo memes son nodos de afinidades, que podrán conformar redes más grandes de lazos más estrechos.

Redes virtuales y reales.

Que buscaran bienes comunes.

Que sortearán la vulnerabilidad de los cuerpos y las distancias.

Más allá de las redes del capital.

— BRKN

 

En nuestro país se censura. Se queman los libros, las personas, se pintan las calles, se enmudecen las voces.

Hace un año @tlaxcalatres nos invitó al @cosaslindaseinutiles a curar una vitrina cuyo pie forzado era “Objetos y muros”. Hicimos una selección sobre la dictadura y sus objetos. Uno de los objetos que elegimos fue un libro quemado. Quemamos un libro y lo expusimos en lugar de todos los libros quemados en todas las dictaduras.

Hoy, encerradxs en nuestros hábitats, tenemos algunos —o muchos— libros, que han sido regalos, herencias o comprados en la feria para la lectura escolar.

Los libros son objetos políticos. Lo sabía Bush cuando mandó a bombardear la Universidad de Bagdad (y su biblioteca) en el 2003 y lo saben también nuestros gobernantes. Los libros no sólo nos dan palabras: nos dan leña para el fuego, papel para envolver comida, material para improvisar una mesa, dibujos para decorar una pared, relicarios para esconder mensajes secretos. Éste y otros objetos acortan las distancias, nos transportan a otros lados o nos devuelven sin más al presente; uno donde el virus nos impidió, entre muchas otras cosas, votar nuestra nueva constitución en su fecha estipulada.

La cotidianidad de nuestros objetos se trastoca en el momento en que comienzan a significar otra cosa. Las ollas y las cacerolas fueron instrumento y arma hace seis meses cuando empezamos la revuelta social en contra de un país y sistema injustos. Las registramos junto al colectivo @diariosdeguerra para señalar el impacto material de la lucha: sus usos fuera de casa. Hoy se llenan de comida para alimentar a quienes, desatendidxs por el estado, sufren las consecuencias más cruentas del virus.

Los objetos cruzan las fronteras de lo útil y lo inútil para salvar vidas, para salvar sueños. Nos acompañan de la calle a la reclusión como pequeños recordatorios de que hubo otro mundo —y muchos otros antes de éste. Y que el que vendrá será también distinto. Contendrá otros objetos y los nuestros habitarán museos que registren el horror en sus cuerpos de lata, de papel, de cerámica.

El horror cotidiano cuyo reverso es la ternura. La ternura de un plato que lleva un pan, de un libro que lleva una historia, de una olla llena de charquicán, de un pañuelo y el brazo en alto.

— Centro de Estudios de Cosas Lindas e Inútiles

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An Index and Its Histories

Norman Amygdala

Saline Communion

Fina