Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Issue 17: No Money No Problem

Issue 17: No Money No Problem

Co-edited with Dorothée Dupuis & Diego del Valle Ríos
February 10, 2019 – April 27, 2020

We have arrived at the end of the second decade of the millennium, over the course of which the system of contemporary art continued its global boom and expansion parallel to that of neoliberalism. Out of the proliferation of art fairs, biennials, museums, galleries as well as self-directed spaces aspiring to gain autonomy from such institutions, a dialogue of unprecedented breadth has emerged, made possible in large part by the explosion of the Internet and social media. While the democratization of knowledge has benefitted the artistic trade, the consolidation of a system whose supporting structure—caught between the local and the global—perpetuates, feeds, and fortifies the capitalist logic of exploitation, abuse, and profit, has not been averted.

However, we have glimpsed other possibilities. As a large portion of the global population continues to live without money, arts communities have become accustomed to creating without any kind of long-term support, whether it be institutional or market-driven. An alternative system of art has grown alongside blue-chip galleries and fairs; artists show, design, write, and build in order to ensure and vindicate their autonomy. In spite of the fact that many work within the cultural field, they don’t necessarily create objects that are for sale, nor do the structures they organize attempt to institutionalize according to the parameters of contemporary art. What to expect then about art and culture?

In order to reflect critically on the models and structures that articulate the economies of contemporary art, in this issue of Terremoto we ask ourselves: on whom and on what do we depend? How can we support each other? How can we navigate on a daily basis between the emancipation promised by art and the alienation that working in any system entails? Understanding economy in its literal etymological sense, “household management,” we will think about our artistic and intellectual practice as the house where we meet and embrace each other in order to explore our modes of social interaction, which oscillate constantly between competition and solidarity. We will problematize the contradictions that bring us together through the production, distribution, and consumption of our work, inside as much as outside the system of contemporary art framed by neoliberalism. And we will try to understand the meaning of our work in order to seek out worthy ways of organizing ourselves twenty years into the twenty-first century.

 

Image: Germán Paley, Neolibérame from the series Neolibérame, 2018. Embroidery on Argentinian peso bill. Image courtesy of the artist.

[No plata, no problema]

Co-edited with Dorothée Dupuis & Diego del Valle Ríos
Febrero 10, 2019 – Abril 27, 2020

Nos acercamos al final de la segunda década del milenio, a lo largo de la cual el sistema del arte contemporáneo continuó su auge y expansión global paralelamente al neoliberalismo. A través de la proliferación de ferias de arte, bienales, museos, galerías, así como espacios autogestivos de aspiraciones autónomas, se construye un diálogo sin precedente por su amplitud, permitido en gran parte por la explosión del Internet y las redes sociales. A pesar de que la democratización del saber ha beneficiado al gremio artístico, no ha evitado que se consolide un sistema cuya estructura de sostenimiento, en tensión entre lo local y lo global, perpetúa, alimenta y fortalece la lógica de explotación, abuso y lucro capitalista.

Sin embargo, se atisban otras posibilidades. A medida que una gran parte de la población mundial vive sin dinero, la comunidad artística tiende a crear sin ningún tipo de apoyo permanente, ya sea institucional o de mercado. Un sistema alternativo del arte se construye paralelamente a las galerías blue chip y las ferias; artistas enseñan, diseñan, escriben o construyen para asegurar y reivindicar su autonomía. A pesar de que muchxs laboran dentro del campo cultural, lo que crean no son necesariamente objetos para venderse, ni las estructuras que organizan buscan institucionalizarse de acuerdo a los parámetros del arte contemporáneo. ¿Qué esperar entonces del arte y la cultura?

Para reflexionar críticamente sobre modelos y estructuras que articulan las economías del sistema del arte contemporáneo, en este número de Terremoto nos preguntamos: ¿de quién y qué dependemos? ¿Cómo nos sostenemos unxs a otrxs? ¿Cómo navegamos día a día entre la emancipación prometida por el arte y la alienación que implica participar en cualquier sistema? Al entender economía a partir de su etimología, “la administración de la casa”, pensaremos nuestra práctica artística e intelectual como la casa que nos reúne y acoge para explorar nuestra sociabilidad oscilante entre la competencia y la solidaridad. Problematizaremos las contradicciones que nos asocian a través de la producción, distribución y consumo de nuestro trabajo, tanto al interior como al exterior del sistema del arte contemporáneo enmarcado por el neoliberalismo. Intentaremos, entonces, entender el sentido de nuestro quehacer para buscar formas dignas de organizarnos veinte años dentro del siglo XXI.

 

Imágen: Germán Paley, Neolibérame de la serie Neolibérame, 2018. Bordado sobre billete de pesos argentinos. Imagen cortesía del artista.

 

Impulso vital

Artist Monika Bravo reveals to Dorothée Dupuis, director of Terremoto, the spiritual tools that allowed her to weave with each other her life and art, as well as some spiritual advises about consciousness awakening for the 2020 decade.

La artista Monika Bravo comparte con Dorothée Dupuis, directora de Terremoto, las herramientas espirituales que le han permitido tejer entre sí su vida y su arte, así como algunos consejos espirituales respecto al despertar de consciencia en la década del 2020.

— Dorothée Dupuis en conversación con Monika Bravo

«Kema todo; esto es arte»

In a series of letters between New York and Santiago, artists Jessica Briceño Cisneros and Ignacio Gatica highlight how the streets of Santiago turned into a semiotic battlefield where the Chilean contemporary art is disrupted in relation to its neo-liberal context.

En correspondencias entre Nueva York y Santiago, lxs artistas Jessica Briceño Cisneros e Ignacio Gatica evidencian cómo las calles de Santiago se han convertido en un campo de batalla semiótico donde el arte contemporáneo chileno se ve trastocado en relación a su entorno neoliberal.

— Ignacio Gatica en conversación con Jessica Briceño Cisneros

¿Qué defendemos los que nacemos aquí?

From Ecatepec to Culiacán, in the intersection of personal biographies, the writer Tonatiuh López narrates the common search with artist Ling Sepúlveda for finding possibilities of community healing through art in the face of the normalization of violence in these places which they left to finally come back.

De Ecatepec a Culiacán, en el entrecruce de biografías personales, el escritor Tonatiuh López narra la búsqueda común que comparte con el artista Ling Sepúlveda por encontrar posibilidades de sanación comunitaria a través del arte ante la normalización de la violencia en estos lugares de los cuales escaparon para volver.

— Tonatiuh López sobre Almendro Residencia de Arte y el Museo Arte Contemporáneo Ecatepec

El potencial de comunar

The academics Lara García Díaz and Pascal Gielen argue that the precarious condition that afflicts cultural entrepreneurs could be the fertile albeit, although dark seedbed for new forms of "commoning" which are able to overcome the tragic absence of stable economic resources in the cultural field.

Lxs académicxs Lara García Díaz y Pascal Gielen argumentan que la condición de precariedad que aqueja a lxs emprendedorxs culturales podría ser el fértil aunque oscuro semillero de nuevas formas de "comunar", capaces de exceder la trágica falta de recursos estables en el campo cultural.

— Lara García Díaz con Pascal Gielen

Bajo el neoliberalismo, ¿un común es posible?

Facing the systematic precarization of Mexico City's art field, the researcher and artist Tamara Ibarra, the publisher Nicolás Pradilla y Diego del Valle Ríos, editor of Terremoto, question the possibility of an organized resistance as an art union.

Ante la precarización sistemática del campo del arte de la Ciudad de México, la investigadora y artista Tamara Ibarra, el editor Nicolás Pradilla y Diego del Valle Ríos, editor de Terremoto, problematizan la posibilidad de una resistencia organizada como gremio artístico.

— Diego del Valle Ríos en conversación con Tamara Ibarra y Nicolás Pradilla

Novedosos discursos de una vieja tiranía

The curator Víctor Albarracín analyses the effect that the ideology of creative industries have had on the economic possibilities of contemporary art in Colombia to point out the power of the strike as an anti-capitalist union.

El curador Víctor Albarracín analiza el efecto que ha tenido la ideología de las industrias creativas sobre las posibilidades económicas del arte contemporáneo en Colombia para señalar la potencia de la huelga como unión anti-capitalista.

— Víctor Albarracín Llanos

«Money, this, that, the other»

Considering the fact that Latin America is the region with the most commercial centers in the world, curator Gaby Cepeda reflects on «MALL», a project created by artist Adriana Martínez and cultural manager Juliana Echavarría dedicated to «wearables», as a means of questioning the relationship between art and consumption in the «post-normcore» era.

Partiendo del hecho que Latinoamérica es la región con más centros comerciales en el mundo, la curadora Gaby Cepeda reflexiona alrededor de «MALL», proyecto dedicado a los «wearables» creado por la artista Adriana Martínez y la gestora cultural Juliana Echavarría, para cuestionar la relación del arte con el consumo en la era «post-normcore».

— Gaby Cepeda sobre MALL de Adriana Martínez y Juliana Echavarría

Atrapadas en un ciclo, viviendo en una espiral

Artist Naomi Fisher and A.L. Steiner talk about their respective commitments in favor of better laboral justice for art workers in relation to the influence of feminism and activism on their own practices.

Las artistas Naomi Fisher y A.L. Steiner hablan sobre sus compromisos respecto a los derechos de lxs trabajadorxs del arte en relación al papel del feminismo y el activismo al interior de sus prácticas artísticas.

— Naomi Fisher en conversación con A.L. Steiner

¿Asimilar la opresión a cambio de representación?

Building on a reflection proposed by Terremoto, artist Chris E. Vargas, curator and activist Jasmine Wahi, curator César García, and curator Natalia Zuluaga share their opinions on identity politics, diversity, inclusivity, and legitimization in the contemporary art museum system in the United States.

A partir de una reflexión propuesta por Terremoto, el artista Chris E. Vargas, la curadora y activista Jasmine Wahi, el curador Cesár García y la curadora Natalia Zuluaga, dan su opinión sobre políticas identitarias, diversidad, inclusión y legitimación en el sistema de museos de arte contemporáneo de los Estados Unidos.

— Opiniones de Chris E. Vargas, Jasmine Wahi, César García y Natalia Zuluaga

Un coleccionismo más allá de la compra-venta

Benedicta M. Badia analyzes and questions, from her role and position as an art collector, how the art market works and survives within an inefficient state and an economy in perpetual crisis like that of Argentina.

Benedicta M. Badia analiza y cuestiona, desde su posición y rol como coleccionista de arte, cómo funciona y sobrevive el mercado del arte dentro de un estado ineficiente y una economía en crisis perpetua como la de Argentina.

— Benedicta M. Badia de Nordenstahl

Rasgos de la economía del arte en Venezuela

In light of the past 70 years of its history, Rodrigo Figueroa reviews the surprising capacity of Venezuelan art to survive internationally yet locally blossom despite the terrible socio-political crisis they face.

A la luz de los últimos 70 años de su historia, Rodrigo Figueroa reseña la sorprendente capacidad del arte visual venezolano para subsistir internacionalmente y florecer aún de forma local a pesar de la terrible crisis socio-político que enfrentan.

— Rodrigo Figueroa

Achiote

Fiebre Bot Fantasma

Hacia el espacio expositivo «naranja»

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