Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Feria Odeón 2017, Bogotá, Colombia

by Editorial Terremoto Bogotá, Colombia 10/27/2017 – 10/30/2017

Tatiana Rais y Alejandra Sarria, directora y curadora de Feria Odeón. Imagen tomada de Instagram @lorena_munoz_alonso

Tatiana Raís
Director of Espacio Odeón

Terremoto: The seventh edition of Feria Odeón is synonymous of stability. Initially Odeón began as a mixture of a cultural center and an independent space and later, in 2011, you launched Feria Odeón, platform that is projected “as an alternative to the traditional art fair model” to promote “new forms of exhibition, creation and circulation that transcend established commercial mechanisms. What exactly does an “alternative model” mean in the context of global production-consumption that frames the art market? What are these new transcendental forms that have been made visible throughout these seven editions?

Tatiana Raís: The first project that Espacio Odeón presented was Feria Odeón that was held in 2011. It was really from there that we inaugurated the space and began to develop the project that throughout the year has an exhibition program, as well as a public program. The fair has been changing a lot in the last six years because the city and its dynamics have changed.

So, for example, when we opened the first edition of the fair, there was only ArtBo and at that time ArtBo was very institutional: they only accepted legally constituted galleries or galleries that had a fairly broad trajectory. When we started Feria Odeón we realized that there were many self-managed and independent spaces that were not necessarily constituted legally, or much younger galleries that did not have the possibility of participating in this type of market. The fair began with the idea of being able to make these platforms visible.

In recent years Feria Odeón has changed because the reality of Bogotá right now is another one. There are more fairs and more spaces open during the year. ArtBo as a fair has also been transformed a lot: it already includes many of these proposals within its exhibitors. This year we wanted to get away from what is happening here in Bogota in terms of fairs and also what we were doing. What we decided to do was to open the space by eliminating the concept of the stand, allowing the galleries to fit in a more organic way with the architecture of the space. We also created the section Planta Libre that Miguel López curated, who invited artists to intervene specific sites within the space. Let’s say that this year when we are talking about transcending these formats or transcending the market we are talking about expanding the type of works that we normally show at the fair, something that happens internationally in other fairs but here in Bogotá, not really, because they are quite traditional in its way of exhibiting.

T: Within the framework of the previous question, could you tell us about the galleries that are part of the Main Section?

TR: The general section of this year is composed of nine galleries. These galleries participate in an open call that opened in March. A selection committee–which changes every year and its formed by curators and gallery owners who do not participate in the fair, art critics and sometimes also collectors–select the galleries.

This year the galleries are from Bogotá, Medellín, Brazil, Bolivia, Peru and Spain. What we always look for with the general section of galleries is to be able to work with young and emerging spaces, or spaces that are already a little more consolidated but have other types of programs. For example, Ojiva, from Medellín, it is a self-managed space run by artists which was created after Taller 7, which is a well-known initiative in Medellin. We also have a gallery from Bogotá called Nivex, which, beyond a gallery, is a platform for the exhibition of work by very young artists who have just graduated from local universities.

What is sought with the general section is to give visibility to projects that are not necessarily traditional galleries, but that propose other formats, and we hope that the next few years we can really continue to bring this type of projects.

T: In your interview with El Espectador, you mention that the fair seeks to “make known projects that are changing the way we interact with the art market”. This suggests that Feria Odeón seeks to democratize the dynamics of the market so these are more accessible in commercial terms. If we think that the dichotomy of the art market is between its supply and its demand, where the supply is increasing and the demand depends exclusively on a limited number of collectors that all this supply wants to reach, what strategy does Feria Odeón follows to generate collecting within that understanding of accessibility?

TR: I completely agree with you. It seems as if the supply in contemporary art is getting bigger and the demand does not grow at that same speed. Here in Bogotá is a topic that is very interesting to review. For example, in this last week, five fairs were held in parallel. Likewise, a good number of young galleries and spaces had opened and the question always is: is there a market for so many people? Until now, there has been.

We as Espacio Odeón try throughout the year to work with new audiences and with younger collectors to link them to our program and invite them to exhibitions during the year that are not commercial. This is a way to bring them closer to different processes. Already during the fair we invite them to know the projects in a commercial context and thus motivate them to buy and start supporting this type of spaces and artists that participate in the fair.

However, the subject of the market is quite complex and I believe that in the coming years we will see how it evolves. The boom that happened three years ago around Colombian contemporary art that made all these initiatives born, I think it is beginning to contract. We will have to see how the whole artistic scene behaves. I hope that the market and its collectors continue to support the initiatives beyond the days of the fair and throughout the year so that the spaces and their artists can remain active.

Cecilia Paredes, Habitación, 2010.

Miguel López
Curator of the section Planta Libre

Terremoto: For Planta Libre, new section of the fair, you propose 6 artists who work with galleries from Peru, Costa Rica, Bolivia, Colombia and Spain. This section is practically an exhibition with a curatorial outline. Could you tell us about your curatorship in relation to the context of Feria Odeón? How is it that your curatorial vision meets the commercial aspect of the fair?

Miguel López: I think that in general terms the advantage of working as a curator for a fair section is that it allows focusing on specific aspects of an artist’s production, contents that are considered relevant and that can be amplified in dialogue with other projects. I think that for galleries this also means part of a broader process of dialogue and conversation between curator and artist, something extremely important in contexts where the market is still incipient or limited. In that sense, something important for me was presenting artists from Central America such as Patricia Belli (Nicaragua), Ingrid Cordero (Costa Rica) or Fabrizio Arrieta (Costa Rica). It seems urgent to me to build a bridge between Central America and South America because there is very little that is known between both geographies. I am from Lima but I am currently working at TEOR/éTica, in Costa Rica, and I am committed to creating new bridges between the artistic practices of both regions.

Regarding the curatorial process: I was interested in presenting a series of points of connection between artists of different generations, with a solid work, which I think deserves to have a greater space for reflection and visibility. There was no rigid thematic criteria when choosing artists and galleries. In the case of foreign artists, I was especially interested in privileging artists who had not exhibited before in Bogotá, thus bringing different proposals to the local audience. And I was interested to think, obviously, how some of these projects can engage in a dialogue with what is happening in Colombia today. In that sense, I was interested in thinking through this selection of works how the body becomes a place of fiction and experimentation, from the participatory sculptures of Ingrid Cordero that investigates how the canvas can allow to reinterpret the meaning of the body through movement, to the works that propose visions of the Amazonian culture and the indigenous experience presented in the works of Harry Chávez and Rember Yahuarcani, present in the Bufeo Gallery of Peru.

There are also immersion spaces such as Cecilia Paredes’ Room (2010), an installation with several suspended woven copper plates that allegorize the Inca Atahualpa rescue room during the Spanish conquest of the Inca Empire in the 16th century, or in the proposals with fabrics. They recover the indigenous iconography of the early twentieth century of the Bolivian artist Andres Pereira Paz, who are installed suspended near the central staircase. The works of Patricia Belli, meanwhile, establish a dialogue with the very precariousness of the space, working from recycled industrial objects that she combines with cloth figures, constructing comments on the fragility and vulnerability of life. Another present aspect is the influence of the images of the media, and the cultural and entertainment industry, as in the paintings and sculptures of the Colombian Juan Sebastián Peláez (SGR Gallery) who takes fragments of the Playstation logo to turn them into geometric abstractions or the sculptures and paintings of Fabrizio Arrieta that brings into dialogue the pictorial tradition of the fine arts with the effects and manipulations of the digital image.

T: Some of the roles of contemporary art agents are in continuous expansion, touching one another. For example, artists serve as curators, curators promote commercial spaces and galleries contemplate more experimental options in terms of what they offer. From this, what reflections do you have about the role of the curator in the art market? What are its limits and potentials?

ML: Certainly the limits are increasingly diffuse, which should not imply a problem at a time when creative and critical practices assume hybrid dimensions or at a time when self-organization is one of the necessary ways that artists have to respond to the hegemony of the market and certain conservative discourses. Whether in the art market or outside of it, I believe that curatorial work is basically defined by its public dimension, that is to say that its work demands the proposal of new approaches on how the stories that surround us are constructed and to question the existing historical narratives. Its work involves mediating and negotiating between spaces such as institutional spaces, the construction of critical discourse or the ways in which the market operates. This must be assumed with responsibility, which implies a critical look at the privileges it entails: curators as well as all agents who have the capacity, possibility or conditions to intervene in the way discursive agendas are constructed must be alert of what their (our) position in the power systems of contemporary art, and how our decisions have effect as long as they can interrupt the logics of exclusion or simply perpetuate them. In that sense, the market can allow offering critical alternatives to insinuate those other stories, and in that much depends on what the curators decide to emphasize. Curatorship requires making decisions, publicly pointing out what to see and how to see it, and that means that we must take responsibility for those decisions in order to translate them into statements about what we consider urgent to feel and think today.

Jaime Vilaseca, director de Portas Vilaseca

Jaime Vilaseca
Director of Portas Vilaseca, Brazil

Terremoto: What motivated you to participate in Feria Odeón? What potential do you find in the model of art fair they propose in relation to the challenges the Latin American art market faces and the local/national market in which your gallery is located?

Jaime Vilaseca: I came to Bogota in 2014 to get to know its art circuit. I felt identified with Feria Odeón because of its size and its proposal to show the artistic work around emerging Latin American galleries. I have participated in Odeón three years in a row, this being the third. When participating in a fair in Bogota, I was mainly interested in inserting myself into a foreign circuit and internationalizing the artists I represent. Being in Bogota I’ve been able to contact other spaces besides Odeón. In 2016, besides being at the fair, I did a parallel project with the work of Daniel Murgel in the space El Dorado. As well, Lin Lima made a residence in Flora ars natura.

As a small fair, Feria Odeon allows us to talk better with interested collectors. The space where it is done is also very attractive. I would say that Odeon has a charm similar to LISTE (fair parallel to Basel). In the three years that have participated I’ve found what I look for in an international fair: curators, national and international collectors, artists and many contacts with other gallerists and institutions.

Obra de Carolina Martínez en el booth de Portas Vilaseca dentro de Feria Odeón

T: Could you tell us about the artists who have brought Feria Odeón and the relationship they find between his work and the context of Bogota?

JV: This year I brought a solo-project by Carolina Martínez, a series of works based on a six-month investigation of the La Candelaria neighborhood in Bogotá. In her process, Carolina looks for architectural spaces and urban surfaces, and in her work, directs the viewer’s gaze into empty spaces, revealing invisible dimensions as the time lapse. Carolina works with architectural concepts, empty spaces and unusual perspectives. She has developed a series of works where, in a poetic way, she tries to identify the vacuums and unincorporated areas of the Candelaria neighborhood by creating unpublished pieces based on the Colombian capital and its urbanization.

Karen Huber en su stand en Feria Odeón

Karen Huber
Director of Galería Karen Huber, Mexico City

Terremoto: What motivated you to participate in Feria Odeón? What potential do you find in the model of the art fair they propose in relation to the challenges facing the Latin American art market and the local/national market in which your gallery is located?

Karen Huber: It’s the third year we’re at Feria Odeon. From the beginning we were motivated by the fact that it is a fair with a different format: by the own building that is the headquarters, by the layout and because they are less galleries, characteristic that gives opportunity to stand out and make ourselves known. Also, we’ve been creating a group of collectors; year after year our roots grow in Colombia.

The potential of the fair is that is specifically devoted to Latin American galleries, us being the only one of Mexico. On this occasion there are 9 galleries and a couple of exhibitions. That puts us in a place where the proposal and the artists can be known more easily than in a much larger fair, where even sometimes it becomes very difficult to capture the names of the artists. This small model right now is ideal. However, we do not know if in our fourth year in Colombia we’ll try ArtBo. We would definitely like to be around more competitive galleries.

De izquierda a derecha, obra de Manuel Solano y Luis Hampshire en el booth de Galería Karen Huber en Feria Odeón

T: Could you tell us about the artists you brought to Feria Odeon and the relationship between their work and the context of Bogotá?

KH: In this occasion we brought four artists. Ana Segovia, Mexican painter; whose work we brought specifically seeks to talk about masculinity from stereotypes and scenarios around it. For example, the cowboy in a ugly and clandestine bar, spaces associated with masculinity in Latin America.

Then we have Luis Hampshire, artist of Oaxaca, who makes drawing and collage. We brought his work because we know that in Colombia mixed techniques are very appealing. In addition, speaking of identity, Luis makes studies on the Mexican mole, material that he integrates to his paintings to be used as a metaphor about what is pre-hispanic. This is what attracts people in Colombia, who identifies with his work.

We have also brought Manuel Solano, a Mexican artist with international visibility. We have brought his work the last 3 years. By giving continuity to the exhibition of his work at the fair, people identify it and remember it from previous years. In addition to his paintings, we brought the publication We Can’t Make You Younger which he did in collaboration with Benoit Loiseau and that includes the foreword of Chris Sharp. The intention of this publication is to place it where we go so that its work circulates through the stories that the publication contains.

Finally we have Andrés Felipe Castaño, Colombian artist who we brought because we believe that the Colombian market is still localist and with a Latin American approach. And well, Andrés has exhibited in ArtBo and the MAMBO; he has a good curriculum reason why people know and recognize him, because he has also worked with good galleries from Bogotá.

Tatiana Rais y Alejandra Sarria_ directora y curatora de Feria Odeón. Imagen tomada de Instagram @lorena_munoz_alonso

Tatiana Raís
Directora de Espacio Odeón

Terremoto: La séptima edición de Feria Odeón es sinónimo de estabilidad. Inicialmente Odeón comenzó como una mezcla de centro cultural y espacio independiente y posteriormente, en el 2011, lanzaron la plataforma Feria Odeón que se proyecta “como una alternativa al modelo de feria de arte tradicional” para impulsar “nuevas formas de exhibición, creación y circulación que trasciendan los mecanismos comerciales establecidos.” ¿Qué significa exactamente un modelo alternativo en el contexto global de producción-consumo que enmarca al mercado del arte? ¿Cuáles son estas nuevas formas trascendentales que se han visibilizado a lo largo de estas siete ediciones?

Tatiana Raís: El primer proyecto que presentó Espacio Odeón fue la Feria Odeón que se hizo en el 2011. Realmente fue a partir de ahí que inauguramos el espacio y empezamos a desarrollar el proyecto que a lo largo del año tiene un programación de exposiciones y un programa público. La feria ha venido cambiando mucho en estos últimos seis años porque la ciudad y su dinámica han cambiado.

Entonces, por ejemplo, cuando nosotros abrimos la primera edición de la feria solamente estaba ArtBo y en ese momento ArtBo era muy institucional: solamente aceptaban galerías constituidos legalmente o galerías que tuvieran una trayectoria bastante amplia. Cuando empezamos Feria Odeón nos dimos cuenta que habían muchos espacios que no necesariamente estaban constituidos legalmente, espacios autogestionados e independientes o galerías mucho más jóvenes que no tenían la posibilidad de participar en este tipo de mercado. Entonces la feria comenzó con la idea de poder visibilizar esas plataformas.

Ya en estos últimos años ha cambiado porque la realidad de Bogotá ahorita es otra. Hay más ferias y más espacios durante el año abiertos. ArtBo como feria también se ha transformado mucho: ya incluye muchas de estas propuestas dentro de sus expositores. Este año quisimos alejarnos de lo que está pasando acá en Bogotá en términos de ferias y también de lo que veníamos haciendo nosotros. Lo que decimos hacer fue abrir el espacio al eliminar el concepto del stand lo que permitió que la propuesta de las galerías encajara de una forma más orgánica con la arquitectura el espacio. Así mismo, creamos la sección de Planta Libre que curó Miguel López, quien invitó a artistas a que intervinieran sitios específicos dentro del espacio. Digamos que este año cuando estamos hablando sobre trascender estos formatos o trascender el mercado nos referimos a ampliar el tipo de obras que normalmente mostramos en la feria, algo que a nivel internacional ocurre en otras ferias pero acá en Bogotá realmente no, pues son bastante tradicionales en su forma de exponer.

T: En el marco de la pregunta anterior, ¿nos podrías hablar sobre las galerías que forman parte de la Sección Principal?

TR: La sección general de este año está compuesta por nueve galerías. Dichas galerías participan en una convocatoria que abrió en marzo. Un comité de selección –que todos los años cambia y que está formado por curadores, galeristas que no participan en la feria, críticos de arte, y algunas veces también coleccionistas– hace una selección de galerías.

Este año las galerías son de Bogotá, Medellín, Brasil, Bolivia, Perú y España. Un poco de lo que buscamos siempre con la sección general es poder trabajar con espacios jóvenes y emergentes, o espacios que ya están un poco más consolidados pero que tienen otro tipo de programas. Por ejemplo, Ojiva, de Medellín, es un espacio autogestionado por artistas que nace a partir de Taller 7, que es una iniciativa bastante conocida en Medellín. Ttenemos también una galería de Bogotá que se llama Nivex, que más allá de una galería es una plataforma para exponer el trabajo de artistas muy jóvenes recién graduados de universidades locales.

Lo que se busca con la sección general es darle visibilidad a proyectos que no necesariamente son como las galerías tradicionales, sino que proponen otros formatos, y esperamos que los próximos años podamos realmente seguir convocando a este tipo de proyectos.

T: En tu entrevista a El Espectador mencionas que la feria busca “dar a conocer proyectos que están cambiando la forma de interactuar con el mercado artístico”. Esto da a entender que Feria Odeón busca democratizar las dinámicas del mercado para que sean más accesible en términos comerciales. Si pensamos que la dicotomía del mercado del arte es entre su oferta y su demanda, donde la oferta es cada vez mayor y la demanda depende exclusivamente de un limitado núcleo de coleccionistas a la que toda esa oferta quiere llegar, ¿qué estrategia sigue Feria Odeón para generar coleccionismo dentro de ese entendimiento de accesibilidad?

TR: Estoy completamente de acuerdo contigo. Pareciera como si la oferta en el arte contemporáneo cada vez es más grande y la demanda no crece a esa misma velocidad. Acá en Bogotá es un tema que es muy interesante a revisar. Por ejemplo en esta última semana, fuimos cinco ferias las que se hicieron en paralelo. Así mismo, han abierto una cantidad de galerías jóvenes y espacios y la pregunta siempre es ¿hay mercado para tanta gente? Hasta ahorita si lo ha habido.

Nosotros como Espacio Odeón intentamos a lo largo del año trabajar con nuevos públicos y con coleccionistas más jóvenes para vincularlos a nuestro programa e invitarlos a las exposiciones durante el año que no son comerciales. Esto es una forma de acercarlos a los diferentes procesos. Ya durante la feria los invitamos a conocer los proyectos en un contexto comercial y así motivarlos a comprar y a empezar a apoyar a este tipo de espacios y artistas que participan en la feria.

Sin embargo, el tema del mercado es bastante complejo y yo creo que en los próximos años vamos a ver cómo evoluciona. El boom que hace tres años había alrededor del arte contemporáneo colombiano que hizo que nacieran todas estas iniciativas creo que esta empezando a contraer y habrá que ver de qué forma se comporta toda la escena artística. Yo espero que el mercado que hay y sus coleccionistas sigan apoyando a las iniciativas más allá de los días de la feria y a lo largo del año para que los espacios y sus artistas puedan mantenerse activos.

Cecilia Paredes, Habitación, 2010

Miguel López
Curador de la sección Planta Libre

Terremoto: Para Planta Libre, nueva sección de la feria, propones a 6 artistas que trabajan con galerías de Perú, Costa Rica, Bolivia, Colombia y España. Dicha sección es prácticamente una exhibición con un guión curatorial. ¿Nos podrías hablar un poco sobre tu curaduría en relación al contexto de Feria Odeón? ¿Cómo es que tu visión curatorial se encuentra con el aspecto comercial de la feria?

Miguel López: Creo que en términos generales la ventaja de trabajar con un curador para una sección de feria es que permite hacer foco en aspectos específicos de la producción de un artista, contenidos que se consideran relevantes y que pueden ser amplificados en diálogo con otros proyectos. Creo que para las galerías esto significa también parte de un proceso más amplio de diálogo y conversación entre curador y artista, algo sumamente importante en contextos donde el mercado es todavía incipiente o limitado. En ese sentido, algo importante para mi fue presentar artistas de América Central como Patricia Belli (Nicaragua), Ingrid Cordero (Costa Rica) o Fabrizio Arrieta (Costa Rica). Me parece urgente tender un puente entre América Central y América del Sur porque es un poco lo que se conoce entre ambas geografías. Yo soy de Lima pero actualmente trabajo en TEOR/éTica, en Costa Rica, y estoy comprometido por generar nuevos puentes entre las prácticas artísticas de ambas regiones.

Con respecto al proceso curatorial: me interesaba presentar una serie de puntos de conexión entre artistas de distintas generaciones, con una obra sólida, que considero merece tener un mayor espacio de reflexión y visibilidad. No hubo un criterio temático rígido al momento de elegir artistas y galerías. En el caso de los artistas extranjeros, me interesó especialmente privilegiar artistas que no había exhibido antes en Bogotá, acercando así propuestas distintas al público local. Y me interesó pensar también, evidentemente, cómo algunos de estos proyectos pueden entablar un diálogo con lo que viene produciéndose en Colombia actualmente. En ese sentido, me interesaba pensar a través de esta selección de obras cómo el cuerpo se convierte en un lugar de ficción y experimentación, desde las esculturas participativas de Ingrid Cordero que investiga como la tela puede permitir reinterpretar el significado del cuerpo a través del movimiento hasta las obras que propone visiones de la cultura amazónica y la experiencia indígena presenta en las obras de Harry Chávez y Rember Yahuarcani, presentes en la Galería Búfeo de Perú.

Hay también espacios de inmersión como Habitación (2010) de Cecilia Paredes, una instalación con varias planchas de cobre tejido suspendidas que alegorizan el cuarto del rescate del inca Atahualpa durante la conquista española del imperio incaica en el siglo XVI, o en las propuestas con tejidos que recuperan la iconografía indigenista de inicios de siglo XX del artista boliviano Andrés Pereira Paz que se instalan suspendidos cerca de la escalera central. Las obras de Patricia Belli, por su parte, establecen un diálogo con la propia precariedad del espacio, trabajando a partir de objetos industriales reciclados que ella combina con figuras de tela, construyendo comentarios sobre la fragilidad y vulnerabilidad de la vida. Otro aspecto presente es la influencia de las imágenes de los medios de comunicación, y la industria cultural y del entretenimiento, como en las pinturas y esculturas del colombiano Juan Sebastián Peláez (Galería SGR) que toma fragmentos de logo de Playstation para convertirlos en abstracciones geométricas o las esculturas y pinturas de Fabrizio Arrieta que pone en diálogo la tradición pictórica de las bellas artes con los efectos y manipulaciones de la imagen digital.

T: Algunos de los roles de los agentes del arte contemporáneo están en continua expansión y se trastocan unos a otros, por ejemplo, los artistas fungen como curadores, los curadores impulsan espacios comerciales y las galerías contemplan opciones más experimentales en cuanto a su oferta. A partir de esto, ¿que reflexiones tienes sobre el rol del curador dentro del mercado del arte? ¿Cuáles son sus límites y potenciales?

ML: Ciertamente los límites son cada vez más difusos, lo cual no debería implicar un problema en un momento donde las prácticas creativas y críticas asumen dimensiones híbridas o en un momento en el cual la autoorganización es una de las formas necesarias que tienen los artistas de responder a la hegemonía del mercado y ciertos discursos conservadores. Sea en el mercado del arte o fuera de él creo que el trabajo curatorial se define básicamente por su dimensión pública, es decir que su trabajo demanda proponer nuevos acercamientos sobre cómo se construye los relatos que nos rodean y cuestionar las narrativas históricas existentes. Su labor implica mediar y negociar entre espacios como los espacios institucionales, la construcción de discurso crítico o las formas en las cuales opera el mercado. Esto debe asumirse con responsabilidad, lo cual implica mirar críticamente los privilegios que conlleva: los curadores así como todos los agentes que tienen la capacidad, posibilidad o condiciones de intervenir en la forma en que se construyen las agendas discursivas deben estar alertas de cuál es su (nuestra) posición en los sistemas de poder del arte contemporáneo, y cómo nuestras decisiones tienen efectos en tanto pueden interrumpir las lógicas de exclusión o simplemente perpetuarlas. En ese sentido, el mercado puede permitir ofrecer alternativas críticas para insinuar esos otros relatos, y en eso mucho depende sobre lo que los curadores decidan poner énfasis. La curaduría exige tomar decisiones, señalar públicamente qué ver y cómo verlo, y eso significa que debemos hacernos responsables de esas decisiones a fin de traducirlos en enunciados sobre lo que consideramos urgente de sentir y pensar hoy.

Jaime Vilaseca, director de Portas Vilaseca

Jaime Vilaseca
Director de Portas Vilaseca, Brasil

Terremoto: ¿Qué los motivó a participar en Feria Odeón? ¿Qué potencial encuentran en el modelo de feria de arte que proponen en relación a los retos que se enfrenta el mercado del arte latinoaméricano y el mercado local/nacional en el que se encuentra su galería?

Jaime Vilaseca: Yo vine a Bogotá en el 2014 para conocer el circuito de arte y me sentí identificado con la Feria Odeón por su tamaño y su propuesta de mostrar el trabajo artístico alrededor de galerías emergentes latinoamericanas. He participado en Odeón tres años seguidos, este siendo el tercero. Al participar en una feria en Bogotá, me interesaba principalmente insertarme dentro de un circuito extranjero e internacionalizar a los artistas que represento. Estando en Bogotá pude contactarme con otros espacios aparte de Odeón. En el 2016 además de estar en la feria, hice un proyecto paralelo con la obra de Daniel Murgel en el espacio El Dorado, así mismo, Lin Lima hizo una residencia en Flora ars natura.

Por ser una feria pequeña, Odeón permite que podamos conversar mejor con los coleccionistas interesados. El lugar donde se realiza también es muy atractivo. Yo diría que Odeon tiene un encanto parecido a LISTE (feria paralela a Basel). En los tres años que he participado encontré lo que busco en una feria internacional: curadores, coleccionistas nacionales e internacionales, artistas y muchos contactos con otros galeristas e instituciones.

Obra de Carolina Martínez en el booth de Portas Vilaseca dentro de Feria Odeón

T: ¿Nos podrían hablar sobre los artistas que han traído a Feria Odeón y la relación que encuentran entre su obra y el contexto de Bogotá?

JV: Este año traje un solo-project de Carolina Martínez, una serie de obras basadas en una investigación de seis meses sobre el barrio La Candelaria en Bogotá. En su proceso, Carolina busca espacios arquitectónicos y superficies urbanas, y en su obra , direcciona la mirada del espectador hacia espacios vacíos, revelando dimensiones invisibles como el lapso del tiempo. Carolina trabaja con conceptos de arquitectura, espacios vacíos y perspectivas inusitadas. Ella ha desarrollado una serie de obras donde de manera poética, intenta identificar los vacíos y las áreas no edificadas del barrio de la Candelaria creando piezas inéditas basándose en la capital colombiana y su urbanización.

Karen Huber en su stand en Feria Odeón

Karen Huber
Directora de Galería Karen Huber, Ciudad de México

Terremoto: ¿Qué los motivó a participar en Feria Odeón? ¿Qué potencial encuentran en el modelo de feria de arte que proponen en relación a los retos que se enfrenta el mercado del arte latinoamericano y el mercado local/nacional en el que se encuentra su galería?

Karen Huber: Es el tercer año que estamos en Feria Odeón. Desde un inicio nos motivó el hecho de que sea una feria con un formato distinto: por el propio edificio que es la sede, por el layout y el número de galerías, característica que da oportunidad de destacar y darte a conocer. Así mismo, año con año crecen nuestras raíces en Colombia, por lo que hemos estado creando un grupo de coleccionistas.

El potencial de la feria es que está dedicada específicamente a galerías latinoamericanas, siendo nosotros la única de México. En esta ocasión son 9 galerías y un par de exposiciones. Eso nos pone en un lugar donde la propuesta y los artistas pueden darse a conocer de manera más fácil que en una feria mucho más grande, donde incluso a veces se vuelve muy difícil captar los nombres de los artistas. Este modelo pequeño en este momento es lo ideal. Sin embargo, no sabemos si en nuestro cuarto año en Colombia intentemos ArtBo. Sin duda nos gustaría estar alrededor de galerías más competitivas.

De izquierda a derecha, obra de Manuel Solano y Luis Hampshire en el booth de Galería Karen Huber en Feria Odeón

T: ¿Nos podrían hablar sobre los artistas que han traído a Feria Odeón y la relación que encuentran entre su obra y el contexto de Bogotá?

KH: En esta ocasión trajimos a cuatro artistas. Ana Segovia, pintora mexicana, cuya obra que trajimos específicamente busca hablar sobre la masculinidad a partir de los estereotipos y los escenarios alrededor de los mismos. Por ejemplo, el vaquero en un bar rascuacho y clandestino, espacios asociados a la masculinidad en Latinoamérica.

Luego tenemos a Luis Hampshire, artista de Oaxaca, quien hace dibujo y collage, razón por la que trajimos su obra, porque sabemos que en Colombia gustan mucho de técnicas mixtas. Además, hablando de identidad, Luis hace estudios sobre el mole mexicano, material que integra a sus pinturas para usarlo como metáfora sobre lo prehispánico. Y es justo eso lo que atrae a la gente en Colombia, quien identifica con su obra.

También hemos traído a Manuel Solano, un artista mexicano ya con visibilidad internacional. La obra de Manuel la hemos traído los últimos 3 años. Al darle continuidad a su exhibición en la feria, la gente lo identifica y lo recuerda por años anteriores. De Manuel, además de sus pinturas, trajimos la publicación We Can’t Make You Younger que hizo en colaboración con Benoit Loiseau y que incluye el prólogo de Chris Sharp. La intención de esta publicación es colocarla a donde vayamos para que su obra circule a través de las historias que la publicación contiene.

Por último tenemos a Andrés Felipe Castaño, artista colombiano que trajimos porque creemos que el mercado colombiano sigue siendo localista y con un enfoque bastante latinoamericano. Y pues bueno, Andrés ha exhibido en ArtBo y en el MAMBO; tiene buen curriculum razón por la que la gente lo conoce y lo reconoce, pues además, ha trabajado con buenas galerías en Bogotá.

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