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“¿Y si captáramos el enigma de la sombra?”

Claudia Segura en conversación con Adriana Ciudad

Questioning mechanisms of epistemic extractivism and depoliticization of Afro-Colombian ancestral knowledge, Claudia Segura talks with Adriana Ciudad about the collaborative artistic process carried out with the Cantoras of Timbiquí, a funeral accompaniment that resignifies the personal battle through the collective.

Cuestionando mecanismos de extractivismo epistémico y de despolitización del conocimiento ancestral afrocolombiano, Claudia Segura conversa con Adriana Ciudad sobre el proceso artístico colaborativo realizado con las Cantoras de Timbiquí, un acompañamiento fúnebre que resignifica el duelo personal desde lo colectivo.

Adriana Ciudad, Allá nos veremos, sin sombra y sin faz, 2018. Oil on canvas, 150 x 200 cm. Image courtesy of the artist

“What If We Could Capture the Enigma of a Shadow?”

We Will Meet There, Without Shadow and Without Face is a project by the Peruvian-German artist Adriana Ciudad that unfolds in a myriad of questions and doubts and a multiplicity of symbolic and material devices that urge us to ask ourselves about the representation and integration of information that, either for prejudice, colonialism, or intellectual elitism, has been left out of what we value as knowledge.

It is not inconsequential that this knowledge is usually linked to groups cornered by history, belittled by the academy, and often subjugated at a political-economic level by the countries that harbor them. This piece focuses on an Afro-Colombian community that occupies a very specific part of the Colombian geography, separated by topographical accidents as well as a clear desire to move away from the rest of the state.

These practices unite that which is still a mystery to the prevailing rationality—concepts such as death, the unconscious, trauma, loss, pain, forgiveness, among others. They place existential issues closer to subjective emotions rather than objective reasoning. Hence the profound importance of such practices, for their ontological volatility makes them as vulnerable as they are changing, and therefore difficult to categorize. Approaching such knowledge presupposes a mental openness that not everyone is willing to assume. Adriana Ciudad does it without thinking twice at the moment her artistic practice becomes conscious of the structures of power and knowledge—those of which she herself is part—and releases them to embrace another type of seeing, space to observe, and place to share, where affection becomes the bridge between the strictly personal and the collective.

Nidia Góngora, leader of the Cantoras de Timbiquí. Museo La Tertulia, Cali, Colombia, August 2018. Image courtesy of the artist

Claudia Segura: Adriana, tell us, how did you approach the Afro-Colombian community of Timbiquí, and what struck you the most about their tradition of the Alabaos songs?

Adriana Ciudad: When my mother died, the world stopped for me. I did not feel the ground under my feet, I only felt vertigo and pain. “Smash your chest into pieces and break your heart. My soul breaks and I lose my head.” This is described in an Alabao, an Afro-Colombian funeral song.

In full mourning and in the midst of the research on ancestral knowledge that forms part of my artistic work, I coincidentally came across the songs on the internet. Finally, I was hearing verses that spoke of what I was feeling. The melodic force and the intonation of multiple voices singing an alabao in chorus produce an immediate visceral reaction that leads the listener to an emotional catharsis.

These songs were fundamental to my process of overcoming the death of my mother. I found in them the comfort I was desperately seeking. In Latin-American cities, we are so westernized that we do not usually talk about death: we perform our mourning in solitude and we cry in secret. It is as if there is a collective trauma. Nobody knows how to react or what to say in the face of death. We have unlearned how to share grief, how to experience affection and loss in communion with others. We are determined to think that the intimate is not collective.

Adriana Ciudad, Hágase el pecho pedazos y rómpase el corazón (frame), 2018. Video installation, 13:09 min, 3 channels. Concept and address by Adriana City and C.S. Prince. Musical direction and production by Nidia Góngora. Image courtesy of the artist

My way of approaching the Cantoras [1] of Timbiquí was always personal. When I introduced myself to Nidia Góngora, the lead singer, I told her that I came to her because of the death of my mother, that I was still grieving and that I felt that the knowledge of her funeral practices was a wonderful treasure that I wished to understand more deeply.

Thus, it was with some skepticism that the Timbiquí Cantoras opened their world to me. In the course of this project, I made two trips to Timbiquí, a remote and almost inaccessible municipality, which can only be accessed by river or plane. It is so complicated to get there that it feels like a journey into a parallel reality. It was there, in the middle of the jungle, that I discovered the healing power of the alabaos of the Cantoras of Timbiquí.

Adriana Ciudad, Hágase el pecho pedazos y rómpase el corazón (frame), 2018. Video installation, 13:09 min, 3 channels. Concept and address by Adriana City and C.S. Prince. Musical direction and production by Nidia Góngora. Image courtesy of the artist

CS: How would you describe the relationship that they have with the state of mind that this song produces, given that it is something almost funereal, which theoretically would be sad and melancholic?

AC: Interestingly, in Timbiquí the atmosphere around death is not only of sadness and melancholy, there is also an atmosphere that resembles a party. Well, if the mourning is well done and there is catharsis, there is a reason to celebrate. As the Cantoras say, “you have to sing to the dead.”

CS: These are communities that have been closed in on themselves by force and have, without a doubt, had to protect themselves. How was your arrival in Timbiquí, since, after all, you were still a foreigner who was invading their spiritual and physical space?

AC: At the beginning of my stay it was not easy to enter into a dialogue with the Cantoras. They were somewhat reluctant to share their knowledge through interviews. “Many vests arrive here. They take out information and never come back,” is what they told me about NGO workers and other entities that go there.

For them, that was me at the beginning of the project: one more vest looking for information. It was only after going through the ritual that they performed for my mother that I won the respect and confidence of the Cantoras. It was through sharing intimacy that our collaboration began. We were joined by affection, a collective intimacy. After all, death is universal.

Exhibition view of Allá nos veremos, sin sombra y sin faz de Adriana Ciudad en colaboración con Nidia Góngora y C.S. Prince. Sala Subterránea of the Museo La Tertulia,  August and September 2018. Image courtesy of the artist

CS: Tell us, from your personal experience and as a spectator, how do the alabaos operate and what potential do they have?

AC: “The alabaos are sung when there is death,” as they say. You cannot sing just like that. It is believed that “singing without death” will cause someone from the village to suddenly die. During my two stays in Timbiquí, I understood that I had to relate to the alabaos in the same way that the Cantoras do. I had to experience a real and sincere ritual if I wanted to hear and feel the healing power of the alabaos. Once I did this, I understood that they are psychomagic acts. They are performative actions that give us access to healing and to the sacred.

When someone dies in Timbiquí, everybody meets and helps the bereaved settle the practical aspects first—the logistics. Afterwards, the body is veiled at home and kept company with songs for a whole night. The next day the burial takes place. The soul of the deceased person is accompanied by prayers and songs in front of an altar where his photo lies for nine days. For no reason the bereaved family is left alone. The last day is the Remate, which is the final ritual known as Rising Out of the Tomb, in which the soul is helped in its passage beyond. Throughout this process, the people who have suffered the loss—the mourners—go through a very powerful catharsis where crying is welcome, sought, and celebrated by the community.

Exhibition view of Allá nos veremos, sin sombra y sin faz de Adriana Ciudad en colaboración con Nidia Góngora y C.S. Prince. Sala Subterránea of the Museo La Tertulia, August and September 2018. Image courtesy of the artist

CS: You returned to Timbiquí after a month to perform the final Remate, which was, without a doubt, the best way to enter into the community—from your fragility and weakness. From then on, you established trust with the Cantoras and you could continue with the project. Right after that healing ceremony, you wrote a text that grew out of your experience.

AC: That’s right. I wrote a poem about what I experienced that night from an artistic point of view. Oliva, along with the help of other Cantoras, set up an altar especially for my mother in the corner of the living room of the house belonging to Popó, Nidia’s brother. We sat in a half moon shape looking at the altar and together, between prayers and songs, we began the ritual of the Remate.

Rising out of the Tomb in Timbiquí 

A closure for Remate: our last night to say goodbye, my mother and I.
13 Cantores (11 women and 2 men)
A white altar. Flowers. A photograph of my mother at the center.
It was magical. Moving. Everything vibrated. The songs opened a portal. The altar was the door.
The songs invoked. The space became timeless.
The women transformed into spiritual guardians,
full of calmness, empathy, and love.
Powerful women accompanied by two masculine and sensitive guardians. Tremendous women, tremendous songs.
And suddenly, a butterfly appeared.
Later, the Cantoras told me that before I had noticed,
the butterfly was already circling my crown:
“It fluttered around you, until it landed on the altar.”
The black cloth butterfly contrasted with the white butterfly.
The ritual of songs and prayers became more powerful with the butterfly’s presence…
It is in that moment
that rivers start to flow from my eyes.
Nidia hands me a candle and they all stand. We form a path of two rows facing the altar. The space is filled with light from held candles.
The songs increase their vibration and the butterfly fllutters away from the altar.
The Cantoras become the keys to the portal, they are my protectors and my support.
I fall into a trance.
I feel the first hug my mother gave me at birth, I see her smile,
I feel her enthusiasm for life that always captivated me,
I hear her speak, always eloquent and sharp,
I see her pull giant shells from the sea, I see her dancing without music,
I also see her vulnerability and that which she could not overcome,
but I always feel her loving, dignified and noble,
even when the end of her illness came.
The butterfly flies and flies around me,
until it disappears down the path of women and light.

“Your mother has just broken free from earth.
She is now in the great beyond and in peace,”
Nidia whispers into my ear.
Oliva approaches me smiling, and proudly says:
“I helped you cry, you hear?”

Adriana Ciudad, Donde el alma goza en la eternidad, 2018. Oil on canvas, 120 x 160 cm. Image courtesy of the artist

CS: Far from replicating the figure of the artist as ethnographer, I see your practice as one that puts pressure on the difficult concept of complicity and that shows how actions and symbolic devices, that can surpass geography and time, can develop through performative gestures such as sharing. What did you gain from this project as an artist?

AC: For me, this project was an adventure through which I distanced myself from Western methodologies of researching a project, a methodology that is primarily based on theoretical reasoning and hierarchical intellectual classifications. I started from my intuition and the unknown. I understood that the only way to approach this project was to allow myself to be vulnerable, to myself and to those around me. I felt that I had to be brave to face the pain. I discovered that part of the beauty of life lies in its fragility. It is necessary to lose touch with the ground from time to time. For my part, I healed everything that needed healing and along the way, I learned a lot from the wonderful women of the Pacific—of the power of collaboration and of the great voices that exist in the most remote places of South America.

Exhibition view of Allá nos veremos, sin sombra y sin faz by Adriana Ciudad in collaboration with Nidia Góngora and C.S. Prince. Sala Subterránea of the Museo La Tertulia, August and September 2018. Image courtesy of the artist


Adriana Ciudad (1980) is a Peruvian-German artist based in Bogotá, Colombia. She holds an MFA at the University of the Arts in Berlin (UdK) in 2008. Her work has been exhibited at the La Tertulia Museum (Cali), SACO (Antofagasta), Casa del Lago (Mexico City), Y Gallery (New York) and in NC-arte (Bogotá).

Claudia Segura (1984) is a researcher and curator. She is currently Director and Curator-in-Chief of NC-arte in Bogotá, Colombia. She has curated several projects in institutions in Mexico, Istanbul, Portugal, England, Los Angeles, Spain, and Colombia. She writes in specialized media and is one of the members of the research team de vuelta y vuelta, as well as the founder of the group para abrir boca.

[1] Cantoras is how women chanters of the alabaos are known as.

Adriana Ciudad, Allá nos veremos, sin sombra y sin faz, 2018. Óleo sobre lienzo, 150 x 200 cm. Imagen cortesía de la artista

Allá nos veremos, sin sombra y sin faz es un proyecto de la artista peruano-alemana Adriana Ciudad, que se despliega en un sin fin de preguntas y dudas, así como en una multiplicidad de dispositivos simbólicos y materiales para cuestionarnos sobre qué representación e integración tienen los conocimientos que, por prejuicio, colonialismo, o elitismo intelectual, quedan fuera de lo que valoramos como saber.

No es baladí que estas saberes suelan estar vinculadas a grupos arrinconados por la historia, menospreciadas por la academia y muchas veces sometidas a nivel político-económico por los países que las albergan. En este caso, se trata de la comunidad afrocolombiana que ocupa una zona muy específica del territorio, separada por sus accidentes topográficos y por una clara voluntad de alejarse del resto del estado.

Dichas prácticas unen aquello que es aún misterio para la racionalidad imperante, como la muerte, el inconsciente, el trauma, la pérdida, el dolor, el perdón, entre otras. Se trata de cuestiones existencialistas cercanas a las emociones subjetivas, más que a la razón objetiva. De ahí que sean profundamente importantes, pues su volatilidad ontológica las hace tan vulnerables como cambiantes y por ello difíciles de categorizar. Acercarse a dicho conocimiento presupone una apertura mental que no todo el mundo está dispuesto a asumir. Adriana Ciudad lo hace sin pestañear en el momento en el que su práctica artística deviene consciente de las estructuras de poder y conocimiento —de las que ella misma es parte—, y las suelta para abrazar otro tipo de manera de ver, de espacio para observar, y de lugar para compartir, donde el afecto se convierte en el puente entre lo estrictamente personal y lo colectivo.

Nidia Góngora, líder Cantora de Timbiquí. Museo La Tertulia, Cali, Colombia, agosto 2018. Imagen cortesía de la artista

Claudia Segura: Adriana, cuéntanos, ¿cómo te acercaste a la comunidad afrocolombiana de Timbiquí, y qué fue lo que te llamó la atención sobre su tradición de los cantos Alabaos?

Adriana Ciudad: Cuando murió mi madre, el mundo se detuvo para mí. No sentí el piso en mis pies, sólo sentí vértigo y dolor. “Hágase el pecho pedazos y rómpase el corazón. Se me parte el alma y pierdo la cabeza.” Así lo describe un Alabao, un canto fúnebre afrocolombiano.

En pleno duelo, y en medio de una investigación sobre conocimientos ancestrales como parte de mi trabajo artístico, llegué por coincidencia a estos cantos en Internet. Al fin escuchaba versos que hablaban de lo que estaba sintiendo. La fuerza melódica y la entonación de múltiples voces cantando en coro un Alabao produce una sensación visceral inmediata que lleva al oyente a una catarsis emocional.

Estos cantos fueron fundamentales para sobrellevar el duelo de mi madre. Encontré allí el consuelo que estaba buscando desesperadamente. En las ciudades latinas estamos tan occidentalizados que no acostumbramos hablar de la muerte, vivimos el duelo en soledad y lloramos a escondidas. Es como si existiera un trauma colectivo. Nadie sabe cómo reaccionar ni qué decir ante la muerte. Hemos desaprendido a compartir el duelo, a vivir el afecto y la pérdida en comunidad. Estamos empecinadxs en pensar que lo íntimo no es colectivo.

Adriana Ciudad, Hágase el pecho pedazos y rómpase el corazón (fotograma), 2018. Videoinstalación, 13:09 min, 3 canales. Concepto y dirección de Adriana Ciudad y C.S. Prince. Dirección musical y producción por Nidia Góngora. Imagen cortesía de la artista

Mi forma de acercarme a las Cantoras de Timbiquí siempre fue desde lo personal. Al presentarme a Nidia Góngora, la cantante líder, le conté que llegué a ella por la muerte de mi mamá, que aún estaba en duelo y que sentía que el conocimiento de sus prácticas fúnebres era un tesoro maravilloso, el cual deseaba entender más a fondo.

Fue así que, con algo de escepticismo, las Cantoras de Timbiquí me abrieron su mundo. En el transcurso de este proyecto realicé dos viajes a Timbiquí, un municipio remoto y casi inaccesible, al que sólo se puede ingresar por río o por avioneta. Es tan complicado llegar que se siente como un viaje hacia una realidad paralela. Fue allá, en medio de una selva, que descubrí el poder sanador de los Alabaos de las Cantoras de Timbiquí.

Adriana Ciudad, Hágase el pecho pedazos y rómpase el corazón (fotograma), 2018. Videoinstalación, 13:09 min, 3 canales. Concepto y dirección de Adriana Ciudad y C.S. Prince. Dirección musical y producción por Nidia Góngora. Imagen cortesía de la artista

CS: ¿Cómo describirías la relación que ellas mantienen con el estado que produciría ese canto, dado que se trata casi de algo fúnebre, que a priori sería triste y melancólico?

AC: Curiosamente, en Timbiquí la atmósfera en torno a la muerte no es sólo de tristeza y melancolía, también hay un ambiente que se asemeja a una fiesta. Pues si se hace bien el duelo y hay catarsis, es motivo para celebrar. Como dicen las Cantoras, “hay que cantarle a los muertos.”

CS: Se trata de comunidades que, por fuerza, han estado cerradas en sí mismas y, sin duda, han tenido que protegerse. ¿Cómo fue tu entrada, siendo a fin de cuentas una extranjera que invadía su espacio espiritual y físico?

AC: Al comienzo de mi estadía no fue fácil entablar un diálogo con las Cantoras. Estaban algo reacias a compartir su conocimiento a través de entrevistas. “Llegan muchos chalecos acá. Nos sacan información y jamás vuelven”, es lo que me decían acerca de los trabajadores de ONGs y demás entidades que llegan allá.

Para ellas, eso era yo al inicio del proyecto: un chaleco más buscando sacarles información. Fue sólo después de vivir un ritual que le hicieron a mi madre que me gané el respeto y confianza de las Cantoras. Fue a través de compartir intimidad que empezó nuestra colaboración. Nos unió el afecto, la intimidad colectiva. A fin de cuentas, la muerte es universal.

Vista de la exposición Allá nos veremos, sin sombra y sin faz de Adriana Ciudad en colaboración con Nidia Góngora y C.S. Prince. Sala Subterránea del Museo La Tertulia, agosto y setiembre 2018. Imagen cortesía de la artista

CS: Cuéntanos, desde tu experiencia personal y como espectadora, ¿cómo operan los Alabaos y qué potencialidad tienen?

AC: “Los Alabaos se cantan cuando hay muerto”, como dicen ellas. No se pueden cantar así nomás. Se cree que al “cantarlos sin muerto” alguien del pueblo muere súbitamente. Durante mis dos estadías en Timbiquí, entendí que tenía que relacionarme con los Alabaos de la misma forma en que lo hacen las Cantoras. Tenía que experimentar un ritual real y sincero si quería oír y sentir el poder sanador de los Alabaos. Una vez vivido esto, comprendí que éstos son actos psicomágicos. Son acciones performativas que nos dan acceso a la sanación y a lo sagrado.

Cuando alguien muere en Timbiquí, todxs se reúnen y ayudan al doliente a resolver lo práctico primero, la logística. Después, el cuerpo es velado en casa y acompañado con cantos por una noche entera. Al día siguiente se lleva a cabo el entierro. El alma de la persona fallecida es acompañada a través de rezos y cantos frente a un altar donde yace su foto por nueve días. Por ningún motivo se deja de acompañar a la familia afectada. El último día se hace el Remate, que es el ritual final; El levantamiento de tumba en el que se ayuda al alma a pasar al más allá. Durante todo este proceso, las personas que han sufrido la pérdida, lxs dolientes, pasan por una catarsis muy poderosa donde el llanto es bienvenido, buscado y celebrado por la comunidad.

Vista de la exposición Allá nos veremos, sin sombra y sin faz de Adriana Ciudad en colaboración con Nidia Góngora y C.S. Prince. Sala Subterránea del Museo La Tertulia, agosto y septiembre 2018. Imagen cortesía de la artista

CS: Volviste a Timbiquí al cabo de un mes para realizar ese Remate final que fue, sin duda, la manera de entrar en la comunidad, desde tu fragilidad y debilidad. A partir de entonces se estableció la confianza con las Cantoras y pudiste seguir con el proceso del proyecto. Justo después de esa sanación, escribiste un texto como resultado de tu experiencia.

AC: Así es. Desde la reflexión artística escribí un poema sobre lo que viví esa noche. Oliva, junto con la ayuda de otras Cantoras, armó un altar especialmente para mi madre en la esquina de la sala de la casa de Popó, el hermano de Nidia. Nos sentamos en media luna mirando el altar y juntas, entre rezos y cantos, empezamos el ritual de Remate.

Un levantamiento de tumba en Timbiquí

El Remate para Renate: La última noche para despedirnos, mi mamá y yo.
13 Cantores (11 mujeres y 2 hombres)
Un altar blanco. Flores. La foto de mi mamá en el centro.
Fue mágico. Estremecedor. Todo vibraba. Los cantos abrieron un portal.
El altar era la puerta.
Los cantos invocaron. El espacio se volvió atemporal.
Las mujeres se transformaron en guardianas espirituales,
llenas de temple, empatía y amor.
Mujeres poderosas acompañadas de dos guardianes masculinos y sensibles.
Tremendas mujeres, tremendos cantos.
Y de pronto, apareció la mariposa.
Me dijeron después las Cantoras, que antes de que me diera cuenta,
ya tenía la mariposa dándole vuelta a mi corona:
“Revoloteaba alrededor tuyo, hasta que se posó en el altar.”
La mariposa negra de tela contrastaba con la mariposa blanca.
El ritual de cantos y rezos incrementó su fuerza con la mariposa allí posada.
Es en ese momento
que los ríos empiezan a salir de mis ojos.
Nidia me entrega una vela y todas se paran. Formamos un camino de dos filas hacia el altar.
El espacio se llena de luz de velas sostenidas.
Los cantos incrementan su vibración y la mariposa se desprende del altar.
Las Cantoras se tornan en llaves poderosas, se vuelven mis protectoras y mi sostén.
Entro en trance.
Siento el primer abrazo que me dio mi mamá al nacer; veo su sonrisa,
siento su entusiasmo por la vida que siempre me cautivó,
la escucho hablar, siempre tan elocuente y picante,
la veo sacar conchas gigantes del mar, la veo bailando sin música,
veo también su vulnerabilidad, lo que no pudo superar,
pero la siento siempre amorosa, digna y noble,
hasta cuando llegó su final de enfermedad.
Vuela y vuela la mariposa a mi alrededor,
hasta que desaparece por el camino de las mujeres y la luz.

“Tu mamá se acaba de desprender de la tierra.
Ya está más allá y en paz,”
me susurra Nidia al oído.
Oliva se me acerca sonriente y orgullosa me dice:
“Yo la ayudé a llorar, ¿oyó?”

Adriana Ciudad, Donde el alma goza en la eternidad, 2018. Óleo sobre lienzo, 120 x 160 cm. Imagen cortesía de la artista

CS: Para terminar, me gustaría saber cúal fue la recepción de la comunidad afrocolombiana de Cali, en la exposición que presentaste en el Museo La Tertulia y que recogía todas estas vivencias. No sólo eso, sino que junto con las Cantoras decidiste hacer una ceremonia para honrar a lxs muertxs de la gente. Me interesa, desde tu experiencia, que nos expliques el valor de acoger a esa comunidad en dicho recinto cultural y qué repercusiones políticas, sociales y afectivas desencadenó ese acto de cierre, tanto a nivel comunitario como individual.

AC: La exposición en el Museo La Tertulia fue el clímax de toda la experiencia colaborativa. Se presentó una videoinstalación, una serie de pinturas, textos y versos de Alabaos. La exposición también significó el lanzamiento de un cancionero y un disco de Alabaos de Timbiquí que produjimos en equipo. Recopilamos 144 cantos de la zona de Timbiquí que fueron por primera vez registrados por escrito en un cancionero. El disco doble que grabamos con las Cantoras es también el primer registro de audio de estos cantos y representa en Timbiquí un fortalecimiento de su tradición. Esto surgió después de nuestros viajes a Timbiquí con C.S. Prince, cineasta quien también había perdido a su madre hace poco, razón por la cual se unió al proyecto. Estando allá nos dimos cuenta del gran vacío en cuanto al registro de esta práctica. Como artistas sentimos la responsabilidad de una retribución justa a la generosidad mostrada por las Cantoras al compartirnos su saber. Fue así que pensamos que no era suficiente crear obras artísticas sobre los Alabaos para un museo, sino que había que crear otras obras artísticas que sirvieran a la comunidad.

Así mismo, para la inauguración, realizamos una acción con las Cantoras, un Levantamiento de tumba colectivo, en el que se invitó al público a ser parte activa del ritual. Esta acción fue impactante. Para nuestra sorpresa, cientos de personas acudieron a la acción a despedir y honrar a sus muertxs en un evento sumamente emotivo y sanador. En esta exposición sentí el verdadero poder de llevar lo íntimo a esferas colectivas. Para las Cantoras, la experiencia también tuvo un gran impacto. Estaban sorprendidas por el interés del público asistente en sus cantos y rituales. De hecho, fue una experiencia de agenciamiento para ellas. El cancionero y el disco se pusieron a disposición de las Cantoras, quienes los repartían a cambio de una donación. Y con el dinero recaudado decidieron arreglar el piso de su iglesia en Timbiquí.

Vista de la exposición Allá nos veremos, sin sombra y sin faz de Adriana Ciudad en colaboración con Nidia Góngora y C.S. Prince. Sala Subterránea del Museo La Tertulia, Agosto y Setiembre 2018. Imagen cortesía de la artista

CS: Lejos de replicar la figura del artista como etnógrafo, considero que tu práctica pone en tensión el difícil concepto de la complicidad, y cómo, a través de gestos performáticos —como el compartir— se desarrollan acciones y dispositivos simbólicos que pueden recorrer el territorio y el tiempo. ¿Qué te aportó como artista este proyecto?

AC: Este proyecto fue para mí toda una aventura en la que me alejé de la metodología occidental de investigación— que primordialmente parte de razonamientos teóricos y de ordenamientos intelectuales jerarquizantes. Partí de la intuición y de lo desconocido. Entendí que la única forma de abordar este proyecto era si me permitía ser vulnerable frente a mí misma y frente a quienes me rodean. Sentí que tenía que ser valiente para enfrentarme al dolor. Descubrí que parte de la belleza de la vida radica en su fragilidad. Es necesario perder el piso de vez en cuando. Por mi lado, sané todo lo que tenía que sanar y en el camino aprendí mucho de las mujeres maravillosas del Pacífico, del poder de colaborar, y de las grandes voces que existen en los lugares más recónditos de Sudamérica.

Levantamiento de tumba colectivo, liderado por las Cantoras de Timbiquí. Museo La Tertulia, Cali, Colombia, agosto 2018. Imagen cortesía de la artista

Adriana Ciudad (1980) es artista peruana-alemana con sede en Bogotá, Colombia. Se graduó de la Maestría en Artes Plásticas en la Universidad de las Artes de Berlín (UdK) en 2008. Su trabajo ha sido exhibido en el Museo La Tertulia (Cali), SACO (Antofagasta), Casa del Lago (Ciudad de México), Y Gallery (Nueva York), y NC-arte (Bogotá).

Claudia Segura (1984) es investigadora y curadora. Actualmente es directora y curadora en jefe de NC-arte en Bogotá, Colombia. Ha curado varios proyectos en instituciones de México, Estambul, Portugal, Inglaterra, Los Ángeles, España y Colombia. Escribe en medios especializados y es una de las componentes del equipo de investigación de vuelta y vuelta, así como fundadora del grupo para abrir boca.

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Camaleón Blanco / JMAF