Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Learn drooling

By Ieva Misevičiūtė and Jessica Mitrani

The Lithuanian performer talks with the Colombian artist about art in the U.S. after Trump, body knowledge and the vitality of the absurd in absurd times.

La performer lituana habla con la artista colombiana sobre el arte en Estados Unidos después de Trump, el conocimiento corporal y la vitalidad de lo absurdo en tiempos absurdos.

still from an anonymous passer's by phone camera, Oct 16, 2016

Ieva Misevičiūtė, Learn drooling, 2016. Performance at New York subway. Still from an anonymous passerby with phone camera, October 2016. Courtesy of the artist.

Ieva Misevičiūtė This is a great occasion —Jessica and I have had many delightful conversations that carried me through my practice over the past six years. It all began when I moved to New York and started working on my solo performances. My method then was to go to open mics and improvise, that way generating material. At some point, I found myself buried under all those bits. In such situations, as I’ve learned in academia, it’s the time to invite a supervisor into your life. I thought of a person who would be the most understanding of my Eastern European sensibility and that person was Jessica. I don’t know exactly why, but I think there is some sort of metaphysical understanding between people from Latin America and Eastern Europe, something about humor, the absurd, a similar darkness with a twist, a sparkle.

I would visit Jessica at her studio with things like buckets, a fur covered music stand, or a rubber tote bag filled with boiling water and edible sponges, and I’d perform for her, testing and refining my first solo. Ever since then, to a degree, I developed all my work in that space —all these props, dance moves and stage images, were growing out of Jessica’s studio like a twin brain.


Jessica Mitrani: Sparkles! In December, prompted by the US election, we decided to go together to the panel titled “Film and media in a time of repression: Practices and aesthetics of resistance,” at the Film Society of Lincoln Center in New York. The idea around the event was to examine what “resistance looks like today.” On our way uptown, we talked about Ieva growing up in Lithuania in the 80s. Can you tell me again about your communist kindergarten?

IM: Sure! In my kindergarten in Kaunas whenever kids would misbehave the teachers would threaten that they would take off our panties and put us up on in front of the window so that the older children coming back from school would see us and laugh. One day during naptime, we realized that all the teachers were gone from the building and impulsively we all started crawling out of our beds, taking off our panties and taking turns standing up at the window.

JM: Amazing. A fairy tale of subversion. The collective act of the kids turned the “shame and punishment” inside-out and rendered them obsolete. It would probably not happen if you were teenagers since the relationship with the body is so delicate during that time, but for very young kids it’s almost natural to want to leave their pants off!


Ieva Misevičiūtė, Lord of Beef, 2014. Photo: Michael Underwood. © Ieva Misevičiūtė. Courtesy of the artist.


JM: I get annoyed when people started saying, after the election this year “Oh, art is going to be amazing now, great art is produced during the toughest circumstances,” as if the past 3,000 years have been a walk in the park. But still, let’s talk about art after Trump.

IM: I think that there is a certain unbreakable strength in metaphors, and in times of greater political oppression there will be more art that speaks in very vivid metaphors. We are not there yet, we are not living under a totalitarian regime right now. It is something we anticipate and have living memories of, but what this is that we’re facing we do not yet know.


Ieva Misevičiūtė, Learn drooling, 2016. Performance at New York subway. Still from an anonymous passerby with phone camera, October 2016. Courtesy of the artist.

JM: I remember you passing by my studio in October, right before going to perform on the Union Square subway platform, and we had a short discussion about how to use language in the street.

IM: Ah, yes! I just did a performance in the New York subway where I had a sign that said, “Learn Drooling.” I was puzzled after that show, as I thought maybe people could not connect to it, that maybe it was too abstract. When I was passing by your studio, I was planning to do another performance, in a series that’s called “Nihilist News,” with the more explicit taglines, “No News Today” and “Our Political Climate seals ‘No Future’ verdicts to the human race.” In retrospect, I think both performances went very well, as they did not depend on words or verbal logic. In the streets, what matters is the situation you create, a sort of pressure cooker environment, an intense guttural washing machine. The language then is just like icing on the cake.

I read an interview with Adam Curtis about art after Trump, where Curtis says that art and journalism are essentially the same —they give people a perspective on reality. I, of course, agree. But here is one more element missing in his argument. Do you know that feeling when you walk out of a great theater play, or a music concert, or a performance, or just finished reading an amazing book and you want to live? Not just live, but LIVE in capital letters. For me that’s the main and the most important purpose for art and journalism. And such strong epiphanies do not alone come from sheer logic being used to inform people.

JM: I don’t know if I agree with the part that art is meant to inform people. I mean, it might be, but especially after the election, we saw that information, or at least that facts, meant very little (debates were not won because of facts). We, the so-called progressives, failed to understand that politics are emotional. We must be tribal-based in the use of images if we want to create change. In that sense, I think your street performance is politically effective. We are in a battle of the symbol. Can you talk about your use of the boom box in the streets of New York?


Ieva Misevičiūtė, still from an anonymous passer’s by phone camera, May 30th, 2016. Courtesy of the artist.


Ieva Misevičiūtė, still from an anonymous passer’s by phone camera, May 30th, 2016. Courtesy of the artist.

IM: The boombox is a gun that gets increasingly loaded when you travel from the outskirts of Brooklyn to Uptown Manhattan. It’s totally mathematic:

1. Bed Stuy: I dance with everyone that I encounter on the streets.
2. Canal street/downtown Manhattan: I dance alone, occasionally some people join, everyone is cheering, traffic stops, and the police have no problem with me.
3. Midtown: people are annoyed and close their ears, I get angry looks, and the only people who affirm my music are delivery guys.
4. Uptown: they call the police.

IM: But I want to get back to your earlier thought. Are you saying that it’s more important than ever to communicate using symbolic actions? Also, what do you mean by tribal? Does that have something to do with the power in ritualistic symbolism?


Ieva Misevičiūtė, Lord of Beef, 2014. Photo: Michael Underwood. © Ieva Misevičiūtė.

JM: I mean that we must appeal to the unconscious and that’s what Trump very effectively did. He got an emotional reaction from people, he appealed to the repressed. He created a bond between his supporters. It’s the same bond that you see in full stadiums at soccer matches. It’s an excited bond, based on a sense of belonging to something.

IM: Right! The strength of this lies in the ability to surrender individualism for the good of the group, something I was thinking about these days. In New York, I’ve found that the people that surround me are so good at taking care of themselves that I grew to see this as an expression of American liberal culture, which sometimes really annoys me too. For instance, when I lead a workshop and ask my students to commit to the group action and then someone needs to take a little break, “to take care of themselves,” dropping the whole energy we just built as a collective. And when political climate became much more intense here in the US, I started to think of communism as an antidote to fascism. But imagine a communism built of hyper-individualists! This actually could be really good! In the best-case scenario, this would be some form of neo-pagan communities, in which individuals might consciously agree and surrender to the group but retain their sanity.

Ieva perf

Ieva Misevičiūtė, Tongue PhD, STUK Leuven, 2015. © Joeri Thiry. Courtesy of the artist.


JM: When I met you a couple of years ago you started this rigorous body training. I was thinking about the boundaries of discipline and suffering, or of discipline and morality attached to it.

IM: Yes, you are talking about my Butoh training. When I started it, I was doing stand up with a lot of physical theater elements. The study of Butoh turned my light-hearted comedy sketches into much deeper and darker material. I loved it at that time. I think it touched on my Eastern European existentialism and also connected with Baltic pagan traditions. However, at some point, I found myself locked into this system. I saw that my work started losing lightness, play, and humor, and I felt like my inner clown was dying. At that time, I was following the Tatsumi Hijikata lineage of training, which is also called Ankoku Butoh, or “The Dance of the Darkness.” One of the core ideas is that to activate extraordinary energy, one has to go through a certain amount of difficulty and pain; it’s like dipping yourself in a sauce of endurance that is transformative. In there you find the point of surrender, a place where there is no difference between suffering and surrender —a very wonderful place in fact! I have never given birth, but I believe it’s very much the same principle, like something very primal, something of a wild animal where there is no compromise, just action. It is rejuvenating and mobilizing, but if used too much, it begins to destroy you.


Ieva Misevičiūtė, Tongue PhD, The Kitchen, 2016, image @ Paula Court. Courtesy of the artist.

JM: There is definitively a tremendous value to chaining yourself voluntarily, meaning fully aware, to a system, an institution, a partner; chains are beneficial too. But tell me how you found other channels?

IM: Exactly, other channels!

JM: When do you know that it’s time to exit?

IM: For me it’s when I notice that I don’t have any more joy, or that I am in constant physical pain, and that I am committing more than 90% of my life energy to my work. I think a lot of professional dancers would laugh at me for this, saying, “Yeah, wanna see my beaten-up feet?” I do respect the rigor of dance training, however, I think it is an outdated paradigm. I don’t want to bring a broken up, overworked and overextended body on stage and cultivate this as a cultural norm. I want to see a healthy, regenerating, and light body, moving gracefully no matter what age. Thus, I did two things, first, I started training like an athlete, and second, I looked for dance forms that are made by females and for the female body, and where the dancers perform until an old age. Mostly these are very ancient dance forms like belly dance.

JM: So, the feminine as a form of balance . . . I am going to the women’s march in January, I will carry a sign that reads: MISOGYNY IS NOT AN OPINION.

IM: Perfect! I’ll be there too! You know, when I get angry I go dancing in the streets. Angry about injustice, about sexism, angry about fear that keeps people from dancing, angry when I see powerful women being stepped on and all such moronity of everyday life. Then I go to Broadway in Soho, I dress up as girly as I can, I turn my boombox on very loud —the traffic stops, shoppers stop, and we all rewire our guts with new electricity.

JM: Sounds better than sex…

IM: Ideally, sex should follow right after [laughs]. I think the more creative work you do, the more sex you should have.

JM: Which is the opposite of what Freud said, that instead of having sex you sublimate and create art.

IM: Ok look, this is my new theory: creative work raises a lot of yin energy in the body and the nature of that energy is expansion / transparency, meanwhile sex grounds you. Too much yin energy can drive one into madness or existential numbness. Sex is like a flu shot for the disembodied.

JM: Do you feel more sexual when you are creating a new piece or performing?

IM After a performance, I would want to make love immediately, because you are in such a high. I read that Freddy Mercury would never go to bed alone after a show. I can totally understand why.


Ieva Misevičiūtė, Tongue PhD, STUK Leuven, 2015. © Joeri Thiry. Courtesy of the artist.


JM: Can you tell me more about the idea of new academia in your recent production, Tongue PhD?

IM: The idea is that our bodies are infinite archives of information and that in addition to horizontal research, which is collecting facts, an equal value should be placed on vertical research, which is going into cellular intelligence, into the body, and the memories stored there.

JM: I am interested in the connection or the lack of connection between information and memory. This election represents the so called repressed of America, genocide, slavery, and misogyny. Even though if you look closely (Standing Rock, Black Lives Matter and so on) it wasn’t so repressed after all, but now the shadow is under the spot- light, courtesy of Trump.

IM: It’s a beast and we are just beginning to learn about it. But you are right, it was there, and now it is under the spotlight. I was in the middle of teaching my course at Malmö Art Academy when Trump was elected. Our work there is very physical and the theme of locating the pockets of oppression within our subconscious and in our bodies, came up a lot. For a short moment, in light of all of the events, I thought, gosh! We are doing such minor work, we need to do more. But then immediately it occurred to me that the work goes both ways —we find the pockets of oppression within the psyche AND we work externally. The internal work is like detecting the air bubbles that need to be destroyed in order to build each individual solid, a lot can be done from that place after locating the invisible. Through this work we arrive at a much more solid foundation of trust in our inner intelligence and that place can help us navigate this post-truth moment.

AND more wild imagination, please! What this election did is cause a tear in reality —Trump, his supporters, and this army of billionaires just imagined a reality that they want to live in. We should have a solid alternative and throw it into that tear with the same conviction.


Ieva Misevičiūtė, Tongue-PhD, 2016. © Andrej Vasilenko. Courtesy of the artist.


Ieva Misevičiūtė, Tongue-PhD, 2016. © Andrej Vasilenko. Courtesy of the artist.

Aprenda a babear

still from an anonymous passer's by phone camera, Oct 16, 2016

Ieva Misevičiūtė, Learn drooling, 2016. Performance en el metro de Nueva York. Still de un transeúnte anónimo con cámara telefónica, octubre 2016. Cortesía de la artista.

Ieva Misevičiūtė: Esta es una gran oportunidad. Jessica y yo hemos tenido muchas conversaciones encantadoras que me han acompañado a través de mi práctica durante los últimos 6 años. Todo comenzó cuando me mudé a Nueva York y comencé a trabajar en mi actuación en solitario. Mi método era entonces ir a los “micrófonos abiertos” e improvisar, generando así material. En algún momento, me encontré enterrada bajo todos esos pedazos de cosas. En tales situaciones, como he aprendido en la academia, es el momento de invitar a un supervisor a tu vida. Pensé en una persona que pudiera comprender mi sensibilidad de Europa del Este y esa persona era Jessica. No sé exactamente por qué, pero creo que hay un tipo de entendimiento metafísico entre la gente de América Latina y la de Europa del Este, algo que tiene que ver con el humor, el absurdo; es una oscuridad similar, que tiene una chispa.

Yo llegaba a visitar a Jessica en su estudio con cosas como baldes, un atril cubierto de piel, o una bolsa llena de agua hirviendo y esponjas comestibles, y actuaba para ella, probando y refinando mi primer performance en el que actuaba sola. Desde entonces, hasta cierto punto, he desarrollado todo mi trabajo en ese espacio –todos estos artefactos, movimientos de baile e imágenes para el escenario han ido creciendo desde el estudio de Jessica como un cerebro gemelo.


Jessica Mitrani: ¡Chispas! En diciembre, afectadas por la elección de Estados Unidos, decidimos ir juntas a un panel titulado “Cine y medios de comunicación en épocas de represión: prácticas y estéticas de la resistencia”, en el Film Society del Lincoln Center de Nueva York. La idea en torno al evento era examinar “cómo se ve la resistencia hoy en día.” En el camino al evento hablamos sobre la infancia de Ieva en Lituania en la década de los 80. ¿Me puedes contar de nuevo sobre tu jardín de infancia comunista?

IM: ¡Claro! En mi jardín de infancia en Kaunas, cada vez que los niños nos portábamos mal, los maestros amenazaban con quitarnos los pantalones y ponernos delante de la ventana para que los niños mayores nos vieran y se rieran. Un día durante la siesta, nos dimos cuenta de que todos los profesores se habían ido del edificio e impulsivamente todos empezamos a arrastrarnos de nuestras camas, quitándonos los pantalones y exhibiéndonos de pie en la ventana por turnos.

JM: Increíble. Una fábula de subversión. El acto colectivo de los niños le dio la vuelta a “la vergüenza y el castigo” y los volvió obsoletos. Probablemente no pasaría si fueran adolescentes ya que la relación con el cuerpo es tan delicada durante ese tiempo, ¡pero para los niños muy pequeños es casi natural querer quitarse los pantalones!


Ieva Misevičiūtė, Lord of Beef, 2014. Foto: Michael Underwood. © Ieva Misevičiūtė. Cortesía de la artista.


JM: Me molestó cuando la gente empezó a decir después de las elecciones de este año: “El arte va a ser increíble ahora, el gran arte se produce durante las circunstancias más difíciles”, como si los últimos 3000 años hubieran sido tan fáciles. Pero aun así, hablemos sobre el arte después de Trump.

IM: Creo que hay una cierta fuerza inquebrantable en las metáforas, y en tiempos de fuerte opresión política habrá más arte que hable por medio de metáforas muy vivas. No estamos allí todavía, no estamos viviendo bajo un régimen totalitario en este momento. Es algo que anticipamos y de lo cual tenemos recuerdos vivos, pero aún no sabemos qué es esto a lo que nos enfrentamos.


JM: Me acuerdo que pasaste por mi estudio en octubre, justo antes de ir a actuar en el andén del metro de Union Square, y tuvimos una breve conversación acerca de cómo utilizar el lenguaje en la calle.

IM: ¡Ah, sí! Acabo de hacer un performance en el metro de Nueva York, donde portaba un letrero que decía “Aprenda a babear.” Yo estaba un poco perpleja después de esa actuación, pues pensé que tal vez la gente no podría conectar con ella, que tal vez era demasiado abstracta. Cuando pasé por tu estudio tenía la intención de hacer otro performance, de una serie que se llama “Noticias Nihilistas”, que usa frases más explícitas: “No hay noticias hoy” y “Nuestro clima político sella veredicto: ‘No Futuro’ a la raza humana.” En retrospectiva, creo que ambos performances salieron muy bien, ya que no dependían de las palabras o de la lógica verbal. En las calles lo que importa es la situación que crees, una especie de ambiente de olla a presión, una intensa y gutural máquina de lavar. Luego el lenguaje es sólo la cubierta del pastel.

Cuando leí una entrevista con Adam Curtis sobre el arte después de Trump, donde Curtis dice que el arte y el periodismo son esencialmente lo mismo –dan a la gente una perspectiva de la realidad–, yo por supuesto estuve de acuerdo. Pero hay un elemento más que falta en su argumento. ¿Conoces esa sensación cuando sales de una gran obra de teatro o un concierto de música o un performance, o cuando terminas de leer un libro sorprendente y te dan ganas de vivir? No sólo vivir, sino VIVIR en letras mayúsculas. Para mí ese es el propósito principal y más importante del arte y el periodismo. Esas epifanías tan fuertes no sólo provienen de la pura lógica que se utiliza para informar a la gente.

JM: No sé si estoy de acuerdo con lo de que el arte tiene la misión de informar a la gente. Es decir, puede ser, pero especialmente después de la elección, vimos que la información, o por lo menos los hechos, significaban muy poco (los debates no fueron ganados debido a los hechos). Nosotros, los llamados progresivos, no entendimos que la política es emocional. Debemos ser tribales en el uso de las imágenes si queremos crear cambios. En ese sentido, creo que tus performances en las calles son políticamente eficaces. Estamos en una batalla del símbolo. ¿Puedes hablar de tu uso del boombox (estéreo portátil) en las calles de Nueva York?


Ieva Misevičiūtė, still de un transeúnte anónimo con cámara telefónica, mayo 30, 2016. Cortesía de la artista.


Ieva Misevičiūtė, still de un transeúnte anónimo con cámara telefónica, mayo 30, 2016. Cortesía de la artista.

IM: El boombox es un arma que se va cargando progresivamente a medida que viajas desde la periferia de Brooklyn hacia Manhattan. Es totalmente matemático:

1. En el barrio Bed Stuy: bailo con todo el mundo que me encuentro en las calles.
2. En Canal Street y centro de Manhattan: bailo sola, de vez en cuando alguna gente se une, todo el mundo me está animando, detengo el tráfico, y la policía no tiene ningún problema conmigo.
3. En Midtown: la gente se molesta y se tapan los oídos, me miran con enojo, y las únicas personas que afirman mi música son los repartidores de comida.
4. En Uptown: llaman a la policía.

IM: Quiero volver a tu idea anterior. ¿Estás diciendo que es más importante que nunca comunicar mediante acciones simbólicas? ¿Qué entiendes por tribal? ¿Tiene eso algo que ver con el poder del simbolismo ritual?


Ieva Misevičiūtė, Lord of Beef, 2014. Foto: Michael Underwood. © Ieva Misevičiūtė.

JM: Me refiero a que debemos apelar al inconsciente, y eso es lo que Trump hizo de manera muy eficaz. Consiguió una reacción emocional de la gente, hizo un llamamiento a lo reprimido. Creó un vínculo entre sus partidarios; es el mismo vínculo que se ve en estadios llenos en los partidos de fútbol. Es un vínculo lleno de excitación, basado en un sentido de pertenencia.

IM: ¡De acuerdo! La fuerza de esto radica en la capacidad de entregar el individualismo por el bien del grupo, algo en lo que he estado pensando en estos días. En Nueva York he encontrado que las personas que me rodean son tan buenas en el cuidado de sí mismas que he llegado a ver esto como una expresión de la cultura liberal estadounidense, lo que a veces realmente me molesta. Por ejemplo, cuando hago un taller y pido a mis estudiantes comprometerse con una acción en grupo y luego alguien tiene que tomar un pequeño descanso, “para cuidar de sí mismo”, dejando caer toda la energía que acabamos de construir como colectivo. Y cuando el clima político devino mucho más intenso aquí en los EE.UU., empecé a pensar en el comunismo como un antídoto contra el fascismo. ¡Pero imagina un comunismo constituido de hiper-individualistas! ¡Esto podría de hecho ser realmente bueno! En el mejor de los casos, esto formaría un tipo de comunidades neo-paganas, en las que los individuos podrían conscientemente ponerse de acuerdo y entregarse al grupo, pero conservando la cordura.

Ieva perf

Ieva Misevičiūtė, Tongue PhD, STUK Leuven, 2015. © Joeri Thiry. Cortesía de la artista.


JM: Cuando nos encontramos un par de años atrás tu habías comenzado un entrenamiento corporal riguroso. Estaba pensando en los límites entre la disciplina y el sufrimiento, o en la disciplina y la moral que se le atribuye.

IM: Sí, estás hablando de mi formación de danza Butoh. Cuando la empecé, yo estaba haciendo stand up con una gran cantidad de elementos físicos de teatro. El estudio del Butoh convirtió mis bocetos de comedia ligera en un material mucho más profundo y oscuro. Me encantó ese momento. Creo que eso conectó con mi existencialismo de Europa del Este y con tradiciones paganas bálticas. Sin embargo, en algún momento me encontré encerrada en ese sistema. Vi que mi trabajo comenzó a perder la ligereza, el juego y el humor y sentí que mi payaso interior estaba muriendo. En ese momento yo estaba siguiendo la línea de formación de Tatsumi Hijikata, que también es llamada Ankoku Butoh, o “La danza de la oscuridad.” Una de las ideas centrales es que para activar una energía extraordinaria, uno tiene que atravesar una cierta cantidad de dificultad y dolor; es como sumergirse en una salsa de resistencia que es transformadora. Allí encuentras el punto de entrega, un lugar donde no hay diferencia entre sufrimiento y rendición, ¡un lugar maravilloso, de hecho! Nunca he dado a luz, pero creo que es un principio muy parecido, como algo muy primario, una especie de animal salvaje sin compromiso, simplemente en acción. Es rejuvenecedor y mobiliza cosas, pero si se usa demasiado te comienza a destruir.

JM: Definitivamente hay un enorme valor en encadenarse voluntariamente –es decir, plenamente consciente– a un sistema, una institución, un compañero; las cadenas también traen beneficios. Pero cuéntame, ¿cómo encontraste otros canales?

IM: ¡Exactamente, otros canales!

JM: ¿Cuándo sabes que es el momento de salir?

IM: Para mí es cuando noto que ya no tengo alegría, que siento dolor físico constante, y que estoy comprometiendo más del 90% de mi energía vital en mi trabajo. Creo que una gran cantidad de bailarines profesionales se reirían de mí por esto, dirían: “¿quieres ver mis pies destruidos?” Yo respeto el rigor del entrenamiento de la danza; sin embargo, creo que es un paradigma obsoleto. Yo no quiero llevar un cuerpo roto, excedido de trabajo y sobre-extendido al escenario y cultivar esto como una norma cultural. Quiero ver un cuerpo sano, ligero y en regeneración, moviéndose con gracia, sin importar la edad. Por lo tanto, hice dos cosas: empecé a entrenar como atleta y, en segundo lugar, busqué formas de baile hechas por mujeres y para el cuerpo de la mujer, donde las bailarinas practican hasta una edad avanzada. La mayoría son formas de danza muy antiguas como la danza del vientre.

JM: O sea, lo femenino como una forma de equilibrio… En enero iré a la marcha de las mujeres y voy a llevar un cartel que dice: LA MISOGINIA NO ES UNA OPINIÓN.

IM: ¡Perfecto! ¡Voy a estar allí también! Cuando me enojo, salgo a bailar en las calles. Me enojo por la injusticia, el sexismo, me enojo por el miedo que impide que la gente baile, me enojo cuando veo a mujeres poderosas ser pasadas por encima y todas estas estupideces de la vida cotidiana. Luego voy a Broadway en Soho, me visto como una niña, pongo mi boombox muy fuerte, el tráfico se detiene, los compradores se detienen, y todos re-configuramos nuestras entrañas con electricidad nueva.

JM: Suena mejor que el sexo…

IM: Idealmente, el sexo debería seguir justo después de eso [risas]. Creo que mientras más trabajo creativo hagas, más sexo debes tener.

JM: Es lo contrario de lo que decía Freud, que en lugar de tener relaciones sexuales las sublimas y creas arte.

IM: Mira, esta es mi nueva teoría: el trabajo creativo levanta una gran cantidad de energía yin en el cuerpo y la naturaleza de este tipo de energía es expansión/transparencia, mientras que el sexo te devuelve a la tierra. Demasiada energía yin puede conducir a la locura o al entumecimiento existencial. El sexo es como una vacuna contra la gripa para los desencarnados.

JM: ¿Te sientes más sexual cuando estás creando una nueva pieza o cuando estás haciendo un perfomance?

IM: Después de un performance querría hacer el amor de inmediato, porque estás muy energizado. Leí que Freddy Mercury nunca se iba a dormir solo después de un concierto. Puedo entender perfectamente porqué.


Ieva Misevičiūtė, Tongue PhD, STUK Leuven, 2015. © Joeri Thiry. Cortesía de la artista.


JM: ¿Me puedes contar más acerca de la nueva idea de academia en tu producción reciente Tongue PhD (Doctorado de la Lengua)?

IM: La idea es que nuestros cuerpos son archivos infinitos de información, y que además de la investigación horizontal, que es la de recoger datos, un igual valor debe ser concedido a la investigación vertical, que es entrar en la inteligencia celular, en el cuerpo, y en las memorias almacenadas allí.

JM: Me interesa la conexión o la falta de conexión entre la información y la memoria. Esta elección presidencial representa a lo reprimido en Estados Unidos: el genocidio, la esclavitud, y la misoginia. Aunque si nos fijamos más de cerca (Standing Rock, Black Lives Matter, etc) no era tan reprimida la cuestión después de todo, pero ahora la sombra está a plena luz del día, cortesía de Trump.

IM: Es una bestia y apenas estamos empezando a aprender sobre ella. Pero tienes razón, estaba allí, y ahora es el centro de atención. Cuando Trump fue elegido yo estaba en medio de dictar mi curso en la Academia de Arte de Malmö. Nuestro trabajo ahí es muy físico y el tema de localizar las concentraciones de opresión dentro de nuestro subconsciente y en nuestros cuerpos salió mucho a la luz. Por un momento, con todos los eventos, pensé ¡diablos! estamos haciendo un trabajo menor, tenemos que hacer más. Pero inmediatamente se me ocurrió que el trabajo va en ambos sentidos –encontramos las concentraciones de opresión en la psique y trabajamos externamente. El trabajo interno es como la detección de las burbujas de aire que necesitan ser destruidas con el fin de construir individuos sólidos. Se puede hacer mucho desde ese lugar después de localizar lo invisible. A través de este trabajo llegamos a una base mucho más sólida de confianza en nuestra inteligencia interior, y ese lugar puede ayudarnos a navegar este tiempo de post-verdad.

¡Y por favor, más imaginación salvaje! Lo que esta elección hizo fue crear una grieta en la realidad –Trump, sus seguidores, y este ejército de billionarios acaban de imaginar una realidad en la que quieren vivir, y nosotros debemos arrojar una alternativa sólida y soltarla a esa grieta con la misma convicción.


Ieva Misevičiūtė, Tongue-PhD, 2016. © Andrej Vasilenko. Cortesía de la artista.


Ieva Misevičiūtė, Tongue-PhD, 2016. © Andrej Vasilenko. Cortesía de la artista.

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