Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Una modernidad polifónica

Curaduría por Analia Godoy y Noel Ayas

Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli Córdoba, Argentina August 9, 2019 – November 17, 2019

Julia Romano, Paisajes culturales IX-retama (2017). Installation view. Image courtesy of Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli

Lucas Di Pascuale, Ileana y Jorge (2013) de la serie Yerba mala. Photo by Walter Civell. Image courtesy of Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli

Sofía Sartori, Sobre pliegues y superficies (2019). Photo by Walter Civell. Image courtesy of Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli

The permanent exhibition of the Museum A polyphonic modernity: Artworks of the first collection of the Municipal Fernando Bonfiglioli Museum of Fine Arts, was inaugurated in 2017, and it is a product of the Museum’s research team. Based on the question about the origins of the collection, the team assembled the works acquired between 1946 and 1968, the year when the Museum was inaugurated.

A polyphonic modernity, works of contemporary art burst into the first collection of the Museum, is a proposal presented in the context of the MAC Contemporary Art Market 2019 call. In this exhibition, the irruption of contemporary art is presented preserving the thematic axes of the permanent exhibition: The city and its surroundings, Nature as landscape, The artist and his models, Gaze on the everyday life and; Modern/Contemporary visual languages. Axes that were built to name, read and question artworks from the forties, fifties, and sixties; seem to be valid and current to show ruptures/continuation of the world of modern/contemporary art.

This exhibition includes a group of invited contemporary artists and artists whose works entered the collection through acquisitions awards in the aforementioned period.

Nature as landscape

This axis brings together artists whose productions are pierced by nature as a theme, concept, and matter. Nature appears as a cut-off, as a portion of reality, local/regional/provincial geography, as a reflexive gesture, construction, identity, creative essence, game, chaos, habitat.

In the Museum and the exhibition, nature is a diverse landscape, united by the look into a past and a present, on the same subject.

Juan Pablo Rizzo experiences a connection with a creative essence of the world and art, in collaborative construction with adobe, presenting artwork in situ.

Cecilia Orso grows in vegetal ways, which are imposed in her work taking different materialities; she presents an installation, Comunidad (Community), an organic, sensitive and rhythmic community, “a habitat in incessant transformation”.

Manuel Coll presents Atentado por Elian Chali (Attack by Elian Chali). The artist invites, integrates, unites and opposes forms, ways of being, that generate coexistence and attack. Altered artwork, ways of “affecting” nature, the landscape, the painting, and the artist. A regulated and agreed attack.

Julia Romano presents Paisajes culturales IX-retama (Cultural landscapes IX-broom), a built image, an idea of ​​subjective landscape, with identity personal and cultural elements. A personal “version” of the world, that reflects on the construction of the image, the way we see, and we relate to the world, the territory, and the contexts.

Gaze on the everyday life

This axis brings together artists who develope the “implementation of a look that is amazed by the syntax of small details and that rediscovers a space for reflection in the finite and fugitive world of everyday life” (Romano, 2017).

Lucas Di Pascuale presents Ileana y Jorge (Ileana and Jorge) from the Yerba mala (Weeds) series (2013), reflecting from ceramic pieces and photographs of his intimacy, about the fact of making art, taking the risk and saving himself in the same act. “An argument in appearance very simple: a portrait of the artist’s father under ceramics made by the artist’s mother, all put together, in a corner, as if it was in time out” (Fabhio di Camozzi, 2013).

Esteban Martínez presents his work Sin Título (No title), for which he resorts to everyday images of the media, which follow one after another tirelessly overlapping, showing and covering at the same time. They are isolated clippings, destined to be forgotten, that when translated into the painting, resist and resignify themselves by renewing in a new story, now recovered, now of his own.

Modern/Contemporary visual languages

This axis groups artists with the desire to break up, a will shared with others, which here diversifies into new materialities generating a more intense inflection.

Sofia Watson presents two works, Nuestra señora / superficie continua (Our Lady / Continuous Surface—acquisition of the Museum, second prize Domingo José Martínez Painting Competition 2017) and Estudio / superficie continua (Study / Continuous Surface). She researches, files, projects, paints, installs. Based on questions related to nude and feminine identity, there is a perception of Venus in connection with “its” story and “her” story that determines the skin as the protagonist. The skin from the skin.

Eugenia González Mussano with Aire Libre (Fresh Air), a usual sky from Córdoba installed in the museum. A mobile, versatile sky, an “action platform” that allows encounters. Activated, enabling artwork, a territory that folds, that is put away and extended again to be: a flag without a nation, a picnic tablecloth, a blanket on a beach, an artwork in a museum.

Melanie Dealbera presents Reacciones de un cuerpo quieto (Reactions of a still body). Melanie reflects on people and contexts, permeable, domesticated bodies, on a world “sometimes we are just a body, things happen to us, things that leave marks on us, modify us, transform us”. We are pierced and shaped bodies. The artist places this reflection on the materiality of objects, the surfaces, and the reactions.

Sofía Sartori presents the work Sobre pliegues y superficies (On folds and surfaces), an installation where she works the concept of the fold: “I’m interested in it as it refers to a wrap, that is, what is folded does not exist outside of what it includes. It implies it and thus it wraps it.” The surfaces of the bodies and materials, serve to tell about the world, the emotions, and the relationships.

The city and its surroundings

In A Polyphonic Modernity “the periphery is represented in different ways: surroundings, outskirts, edges, will be recurring topics in the visual arts” (Romano, 2017). Today, art penetrates spaces, objects, bodies, the city; it inhabits them and “creates space”.

In this light, Milton Fornés presents the first of four urban interventions of the installation: Andino Anónimo. Periferia urbana, borde de río (Anonymous Andino. Urban periphery, riverbank. A photographic record of a mounting on the banks of the Ctalamuchita river in Villa María, Córdoba; with remains and fragments of objects thrown in that area of ​​the city. Milton develops a series of artworks from a question: Is there a usual place for art or does art create space? There is a wall-less art that expands, that is object and experience. There is an art that creates a place, in and with the city.

Gabriela Manfredi presents Juego Que sí (I play yes), an impossible game, impracticable, a playful way of reflection and look. “A hopscotch that invites you to think, to observe, to remember, to touch, but functionally it can not be used.” This work refers to actions that were carried out in February-March 2015 in Villa María in the framework of activities for the National Day of Memory for Truth and Justice (to commemorate the victims of the last military dictatorship in Argentina, in 1976).

The Artist and his models

This axis brings together artists who represent the human figure. Whose figure is represented by the artist? We find everyday instants, solitary figures, dialogues. The work looks like the reflection in a glass, without glass, that shows something and reveals something, inviting us to see beyond the apparent. Who does the artist represent?

Marcos Goymil presents La métrica y la lágrima (The metric and the tear), a personal experience that broadens towards a view of the world. A body/bodies adapt to the measure of the social, they are operated, forcing them, marking them, demanding them. In The metric and the tear, “we discover facets of an experiment that was lived in his flesh: the experience of physical correction”.


Eugenia González Mussano, Melanie Dealbera, Sofía Sartori,  Sofía Watson, Majo Arrigoni, Marcos Goymil, Gabriela Manfredi, Milton Fornés, Lucas Di Pascuale, Esteban Martínez, Cecilia Orso, Juan Rizzo, Julia Romano y Manuel Coll.

Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli

Julia Romano, Paisajes culturales IX-retama (2017). Vista de instalación. Imagen cortesía de Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli

Lucas Di Pascuale, Ileana y Jorge (2013) de la serie Yerba mala. Foto por Walter Civell. Imagen cortesía de Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli

Sofía Sartori, Sobre pliegues y superficies (2019). Foto por Walter Civell. Imagen cortesía de Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli

La muestra permanente del Museo Una modernidad polifónica. Obras de la primera colección del Museo Municipal de Bellas Fernando Bonfiglioli, fue inaugurada en 2017, siendo un producto del equipo de investigación del Museo. A partir de la pregunta sobre los orígenes de la colección se reunieron las obras adquiridas entre 1946 y 1968, año en que se inaugura el Museo. Una modernidad polifónica, obras de arte contemporáneo irrumpen la primera colección del Museo, es una propuesta presentada a partir de MAC Mercado de Arte Contemporáneo 2019. En esta muestra la irrupción del arte contemporáneo se presenta conservando los ejes temáticos de la muestra permanente: la ciudad y sus aledaños, la naturaleza como paisaje, el artista y sus modelos, miradas sobre lo cotidiano y lenguajes visuales modernos/contemporáneos. Ejes que fueron construidos para nombrar, leer y problematizar obras de las décadas del cuarenta, cincuenta, y sesenta, nos resultan actuales y vigentes para mostrar rupturas/continuidades del mundo del arte moderno/contemporáneo.

Son parte de esta muestra un grupo de artistas contemporáneos invitados y artistas con obras en la colección que ingresan a través de premios adquisiciones en el período antes mencionado.

La naturaleza como paisaje

Este eje nuclea a artistas cuyas producciones se ven atravesadas por la naturaleza como tema, concepto y materia. La naturaleza aparece como recorte, como una porción de la realidad, geografía local, regional, provincial, como gesto reflexivo, construcción, identidad, esencia creadora, como juego, caos, hábitat.

En el Museo y en la muestra, la naturaleza es un paisaje diverso, unido, a través de la mirada de un pasado y de un presente, sobre una misma cosa.

Juan Pablo Rizzo vive una conexión con una esencia creadora del mundo y del arte, en construcción colaborativa con adobe, presentando una obra en sitio específico.

Cecilia Orso se expande en formas vegetales, que se imponen en su obra tomando diferentes materialidades; presenta una instalación, comunidad, una comunidad orgánica, sensible y rítmica, “un hábitat en constante transformación”.

Manuel Coll, presenta atentado por Elian Chali. El artista, invita, integra, une y contrapone formas, formas de estar, que generan convivencia y atentado. Una obra intervenida, maneras de “afectar” la naturaleza, el paisaje, la pintura y al artista. Un atentado reglado, pactado.

Julia Romano presenta paisajes culturales IX-retama, una imagen construida, una idea de paisaje subjetivo, con elementos identitarios, personales y culturales. Una “versión” del mundo, personal, que reflexiona sobre la construcción de la imagen, la forma en la que vemos, y nos relacionamos con el mundo, el territorio y los contextos.

Miradas sobre lo cotidiano

Este eje agrupa a artistas en la “puesta en práctica de una mirada que se asombra con la sintaxis de los pequeños detalles y que redescubre en el mundo finito y fugitivo de lo cotidiano un espacio de reflexión” (Romano, 2017).

Lucas Di Pascuale presenta Ileana y Jorge de la serie Yerba mala (2013), reflexionando desde piezas de cerámica y fotografías de su entorno íntimo, sobre el hecho de hacer arte, asumiendo el riesgo y salvándose en el mismo acto. “Un argumento en apariencia muy simple: un retrato del padre del artista debajo de unas cerámicas hechas por la madre del artista, todo puesto en conjunto, en un rincón, como en penitencia” (Fabhio di Camozzi, 2013).

Esteban Martínez presenta su obra sin título, para la cual recurre a imágenes cotidianas de los medios, que se suceden incansables superponiéndose, mostrando y tapando a la vez. Son recortes aislados, destinados al olvido, que al traducirlas a la pintura se resisten y se resignifican inscribiéndose en un nuevo relato, ahora rescatado, ahora propio.

Lenguajes visuales modernos/contemporáneos

Este eje agrupa artistas con voluntad de ruptura, una voluntad compartida con otros, que aquí se diversifica en nuevas materialidades generando una inflexión más intensa.

Sofia Watson presenta dos obras, Nuestra señora / superficie continua (adquisición del Museo, segundo premio Salón de pintura Domingo José Martínez 2017) y estudio / superficie continua. Ella investiga, archiva, proyecta, pinta, instala. A partir de preguntas en relación al desnudo y la identidad femenina, hay una mirada sobre la venus en conexión con “la” historia y “su” historia que determinan como protagonista la piel. La piel desde la piel.

Eugenia González Mussano con aire libre, un habitual cielo cordobés instalado en el museo. Un cielo móvil, versátil, “plataforma de acción” que habilita encuentros. Obra accionada, posibilitadora, un territorio que se pliega, se guarda y se vuelve a extender para ser: una bandera sin nación, el mantel de un picnic, la lona en una playa, una obra en un museo.

Melanie Dealbera presenta reacciones de un cuerpo quieto. Melanie reflexiona sobre los sujetos y los contextos, cuerpos permeables, domesticados, sobre un mundo “a veces solo somos un cuerpo, que nos pasan cosas, eso nos marca, nos modifica, nos transforma”. Somos cuerpos atravesados, moldeados. La artista deposita esta reflexión sobre la materialidad de los objetos, las superficies y las reacciones.

Sofía Sartori presenta la obra sobre pliegues y superficies, una instalación donde trabaja el concepto de pliegue “me interesó como este remite a una envoltura, es decir, lo que está plegado no existe fuera de lo que lo incluye. Lo implica y así lo envuelve.” Las superficies de los cuerpos y materiales, sirven para decir del mundo, las sensaciones y las relaciones.

La ciudad y sus aledaños

En Modernidad polifónica “la periferia será representada de diferentes formas: alrededores, aledaños, orillas, serán tópicos recurrentes en las artes visuales” (Romano, 2017). Hoy, el arte penetra espacios, los objetos, los cuerpos, la ciudad; los habita y “se hace lugar”.

Desde ahí, Milton Fornés presenta la primera de cuatro intervenciones urbanas de la instalación: Andino Anónimo (periferia urbana, borde de río). Un registro de montaje construido a orillas del río Ctalamuchita de Villa Maria, Córdoba, con restos y fragmentos de objetos arrojados en esa zona de la ciudad. Milton trabaja una serie de obras a partir de una pregunta: ¿hay un lugar habitual para el arte o el arte se hace lugar? Hay un arte sin pared que se expande, es objeto y experiencia. Hay un arte que se hace lugar, en y con la ciudad.

Gabriela Manfredi presenta Juego que sí, juego imposible, impracticable, una forma lúdica de reflexión y mirada. “una rayuela que invita a pensar, a observar, a recordar, hasta tocar, pero funcionalmente no soporta ser utilizada”. Esta obra hace referencia a acciones que se realizaron en los meses febrero-marzo de 2015 en Villa María en el marco de actividades por el día Nacional de la Memoria.

El Artista y sus Modelos

Este eje nuclea a artistas que representan la figura humana ¿la figura de quién representa el artista? Nos encontramos con instantes cotidianos, figuras solitarias, diálogos. La obra parece el reflejo en un cristal, sin cristal, que algo muestra y algo transparenta, invitando a ver más allá de lo aparente. ¿A quién representa el artista?

Marcos Goymil presenta la métrica y la lágrima, una experiencia personal que se ensancha hacia una mirada sobre el mundo. Un cuerpo/los cuerpos se acomodan a la medida de lo social, se opera sobre él, forzándolos, marcándolos, exigiéndolos. En la métrica y la lágrima “se descubren facetas de un experimento que se vivió en carne propia: la experiencia de la corrección física”.

Majo Arrigoni presenta el amor era otra cosa, tres retratos de artistas mujeres. Majo dice de una experiencia personal en relación a la batalla sobre los derechos de las mujeres, retratos que devuelven una imagen sobre la artista y un mundo que la atraviesa y marca. Ella da batalla, pintando mujeres una y otra vez.


Eugenia González Mussano, Melanie Dealbera, Sofía Sartori,  Sofía Watson, Majo Arrigoni, Marcos Goymil, Gabriela Manfredi, Milton Fornés, Lucas Di Pascuale, Esteban Martínez, Cecilia Orso, Juan Rizzo, Julia Romano y Manuel Coll.

Museo Municipal de Bellas Artes Fernando Bonfiglioli

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Ch.ACO 2017, Santiago de Chile



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