Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Ícaro y otras mitologías

Esteban Schimpf

Sketch Bogotá, Colombia 08/25/2016 – 10/06/2016

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Esteban Schimpf’s body of work is concerned with big questions: what is the place of art in society, what constitutes an image, can an artwork be completely abstract, can art escape narrative and ultimately, what is art? When Schimpf tackles the most ambitious of these questions “What is art?” his answer is that of a man wrestling with his own faith “My response is simple, still life’s, nudes, and landscapes.” This is a mythology intended to raise eyebrows with suspicion. We should not believe him in his conclusion, yet he believes it himself. In another instance of reflection he admits, ” I guess that I’m a liar. Never trust a man that doesn’t contradict himself!”

It is this statement that is mode of entry into the work, Schimpf makes images that reify the mental disposition in a contemporary world of disillusionment, connectivity, digital isolation and radical layering of the self. Schimpf’s photographs document excess, subversion into the ubiquity of screens and digital streams. Most poignantly the derailment of the American Dream. In a world flooded with images we identify ourselves as much with the reflection in the mirror as the “selfie” posted on social media. Yet we have very little physical attachment to others, even when we are with other people we are often staring into a screen. This condition of the radically fractured self is also universal, it is the stuff of mythology. In Walt Whitman’s often quoted Song of Myself he states:

The past and present wilt—I have filled them, emptied them
And proceed to fill my next fold of the future.

Listener up there! What have you to confide to me?
Look in my face while I snuff the sidle of evening,
(Talk honestly, no one else hears you, and I stay only a minute longer).

Do I contradict myself?
Very well then I contradict myself
(I am large, I contain multitudes).

Schimpf was born into a radically fractured Colombian family and was then adopted into a naturalized Californian family. For him the American Dream was indeed a promise that could never be kept. An early work of Schimpf was a manifesto that he co-authored with artist Daniel Keller titled The Defenestrationist Manifesto. The work is an absurdist call for throwing things out of windows and draws as a source the canonical work of Yves Klein “leaping into the void” where the artist throws himself in full flight out of the window. This very early student work links to the title of the current exhibition, Icarus also seeks to fly but like Klein we know he is bound to fall. The lasting power of the Icarus myth is that we can relate to him -not that we imagine being him but that we share his desires. It is his internal trauma that we relate to not his physical fall.

In this recent body of work Schimpf also focuses on the internal trauma of doubling and repetition. These are two aspects of the uncanny; the double is the impossible replicate, repetition being the hallmark of trauma turned into neurosis (seen in obsessions, compulsions and addictions). In the photograph Cástor and Póllux, 2016 the double is literally the silhouette of the main portrait. The silhouette appears as if cut out from a sky blue and white patterned sheet, perhaps the same pattern of a composition notebook. On top of the flat silhouette and in juxtaposition to it are an upturned yellow lemon and a dead bird turned on its side (perhaps stuffed). The portrait that is doubled is a man who although has the features of a black person, has been covered in pink child-safe non-toxic tempera paint. The brush-strokes are still visible. The deepest layer of the picture (or perhaps the one most in the forefront) is a black and white photograph of bananas and flowers. The figure-ground relationship is also shattered in that we are not able to distinguish what is in front and what is overlapping. The myth of “Cástor and Póllux”is one of twins who meet a violent end, a metaphorical fall.

Falling is a repeated theme of the work. In Icarus (Ascend) and (Descent), 2015 a mirrored photograph (an identical but inverted print) appears fallen onto the floor as if off the wall. Another image has a female figure lying on a white bench, head and hair falling to the ground. This is the repetition of the fall of man, it is not a dystopian vision of resignation. Here Schimpf’s work performs a Sisyphean task of pushing the boulder up the hill only to have it roll down again, but repeating to strive, to climb in the face of the fall.

Like his clear paternal influence, Los Angeles based artist John Baldessari, Esteban Schimpf was trained as an abstract painter. He later came to portrait photography but brought with him the sensibility of painting. His work is formally composed like the mid-century modernist non-objective geometric painters, chief among them Piet Mondrian. Unlike Baldessari whose work relies on irony, humor, and transforming text into image, Schimpf’s work draws attention to the reverence of life boiled down to its most essential and the joy of looking at the human figure. The figure was long abandoned in the conceptual lineage that Schimpf clearly rejects. He does not follow the modernist desire for the new and innovative, the goal of avant-garde and neo-avant-garde to break with art history. Instead he aligns himself with the history of specific mediums of painting and photography. If photography was historically a form of documentation of reality (a claim rejected by the post-modernist structuralists) he reclaims this role. In some of his most moving work, the photographic portraits capture the subject’s body painted by the artist in baking flour, a performance we witness only by virtue of his photographic documentation. One image captures a nude female figure in a moment where she flings her head downward throwing the white powder off of her body and face, thus transforming from a white statue to a living black woman.

The clearest act of layering is in the way the faces are pierced through. The figures are never in a space in the round, unlike cubism which attempted to capture many angles of the same object in one image, Schimpf captures the flatness of how we see images today in a digital world. The figures are always on a flat background with his layering emphasizing the flatness. In a world where our identity is as much a projection of ourselves as a physical embodiment, the portraits capture the loss of physical closeness but also the desire to be part of something greater than ourselves.

http://sketchroom.co/

Text by Justin Polera
Courtesy of Sketch, Bogotá

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Esteban Schimpf se cuestiona en su obra: ¿Qué constituye una imagen? ¿Puede ser completamente abstracta una obra de arte? ¿Qué lugar ocupa el arte en la sociedad? ¿Puede el arte desligarse de la narrativa?, Y, en últimas, ¿qué es arte? En su ambicioso esfuerzo por contestar esta última pregunta, Schimpf responde como un hombre que lucha con su propia fe. “Mi respuesta es simple: naturalezas muertas, desnudos y paisajes”. Ícaro y otras mitologías pretende provocar gestos de suspicacia. Si bien no deberíamos creer en sus conclusiones, aunque él crea en ello fielmente, en un acto de reflexión reconoce “Creo ser un mentiroso. ¡Nunca confíes en un hombre que no se contradiga a sí mismo!”

Esta afirmación es el camino para entrar en su obra. Schimpf produce imágenes que reifican la disposición mental en un mundo contemporáneo de desilusión, conectividad, soledad digital y desarticulación radical del ser. Las fotografías de Schimpf documentan el exceso, la subversión frente a la ubicuidad de las pantallas y las transmisiones digitales; pero de manera más conmovedora aún, el descarrilamiento del Sueño Americano. En un mundo inundado de imágenes nos identificamos en la misma medida con nuestro reflejo en el espejo que con el “selfie” publicado en las redes sociales. Sin embargo, poca es la conexión física con otros porque aún cuando estamos con otras personas, pasamos mucho tiempo con la mirada fija en una pantalla. Esta condición del ser radicalmente fracturado también es universal, es aquello de lo que está hecha la mitología. En las palabras tantas veces citadas de Walt Whitman en Canto a mí mismo:

El pasado y el presente se marchitan – los he llenado, los he vaciado.
Y procedo a llenar mi siguiente recodo del futuro.

¡Y ahora tú, tú que me has escuchado¡ ¿Cuál es el secreto que quieres confiarme?
Mírame a la cara mientras respiro por última vez bajo las sombras de la tarde,
(Habla sinceramente, nadie más te escucha y sólo dispongo de un minuto).

¿Que me contradigo?
Pues, sí, me contradigo, ¿y qué?
(Soy inmenso y en mí viven multitudes).

Schimpf nació en Colombia, en una familia disfuncional como tantas, siendo adoptado por una familia naturalizada en los Estados Unidos. Para él, el Sueño Americano era efectivamente una promesa que jamás podría cumplirse. En una de sus primeras obras, Schimpf plasmó un manifiesto en co-autoría con el artista Daniel Keller titulado El Manifiesto del Defenestracionista. La obra es el llamado del absurdo a lanzar cosas por las ventanas y se inspira en la fuente de la obra canónica de Yves Klein Salto al vacío en la cual el artista se lanza en pleno vuelo por la ventana. Esta obra primaria del estudiante se conecta con el título de la presente exhibición, Ícaro, quien también quiere volar pero sabemos que, al igual que Klein, tendrá que caer. El poder perdurable del mito de Ícaro es lograr identificarnos con él, no en el sentido en el que nos imaginamos ser él, sino en el que compartimos sus anhelos. Es con su trauma interior con el cual nos identificamos, no con su caída física.

En su obra reciente, Schimpf también se enfoca en el trauma interior de la repetición y duplicación. Son estos dos aspectos que asombran, el doble imposible de reproducir, y la repetición como distintivo del trauma convertido en neurosis (manifestado en obsesiones, compulsiones y adicciones). En la fotografía Cástor y Pólux, la silueta es la sombra del retrato principal, en el fondo ésta pareciera tener casi la misma textura de un cuaderno de composición; encima de la silueta plana y yuxtapuesta a ella hay un limón amarillo vertical y un pájaro muerto que yace de medio lado (quizás disecado). El retrato duplicado es de un hombre que, pese a sus rasgos de negro, está cubierto con témpera rosada con la cual se puede dejar jugar a un niño. Las pinceladas aún son visibles, las capas más profundas de la imagen (o quizás las más cercanas) están constituidas por una fotografía en blanco y negro de flores y bananos. La relación entre la figura y el fondo también está quebrada pues no permite distinguir lo que está adelante de lo que está superpuesto. El mito de Cástor y Pólux es el de los gemelos que sufren una muerte violenta y una caída metafórica.

El tema de la caída se repite en las obras Ícaro (asciende) e Ícaro (desciende) fotografías en espejo (copias idénticas pero invertidas) una caída en el suelo como si se hubiese desprendido de la pared. En Sin Título (Muerte en París), la figura de una mujer aparece reclinada en una banca blanca con el cabello cayendo hacia el suelo, ésta es la repetición de la caída del hombre, no la visión distópica de la resignación. Aquí la obra de Schimpf cumple la tarea monumental de un Sísifo que trata de empujar la roca cuesta arriba para sólo rodar nuevamente, pero empeñado en luchar, y trepar pese a la inminencia de la caída.

Al igual que la clara influencia de su mentor John Baldessari, Schimpf se formó en la pintura abstracta. Posteriormente llegó al retrato fotográfico trayendo consigo la sensibilidad de un pintor. La composición de su obra es formal, como la de los pintores modernistas geométricos no objetivos entre quienes se destaca Piet Mondrian. A diferencia de Baldessari, cuya obra se basa en la ironía, el humor y la transformación del texto en imagen, la obra de Schimpf atrae la atención hacia la reverencia de la vida reducida a su esencia (harina para hacer pan) y la alegría de apreciar la figura humana. La figura quedó abandonada tiempo atrás en el linaje conceptual que Schimpf rechaza sin lugar a dudas, no sigue el deseo de la innovación, la meta del avant-garde y el neo-avant-garde para romper con la historia del arte como lo hacen los modernistas. Al contrario, se pone en consonancia con la historia de los medios específicos de la pintura y la fotografía. Si la fotografía fue históricamente una forma de documentar la realidad (afirmación que rechazan los estructuralistas post-modernistas), él reivindica su función. En algunas de las obras más conmovedoras, los retratos fotográficos capturan el acto del artista de cubrir al sujeto con harina, acto que tenemos el privilegio de presenciar sólo en virtud de su documento fotográfico. Una imagen captura a una mujer desnuda en el acto de echar su cabeza hacia abajo para sacudirse el polvo blanco de su cuerpo y de su rostro, transformándose de una escultura blanca en una figura negra.

El acto más claro de desarticulación está en la forma como los rostros aparecen atravesados. Las figuras no están nunca en un espacio, a diferencia del cubismo que trató de capturar muchos ángulos del mismo objeto en una sola imagen. Schimpf captura la unidimensionalidad de las imágenes que vemos hoy en un mundo digital. Las figuras están siempre contra un fondo plano en el cual las capas hacen resaltar su lisura. En un mundo en el cual nuestra identidad es tanto una proyección de nosotros mismos como una encarnación física, los retratos capturan la pérdida de la cercanía física pero al mismo tiempo el deseo de ser parte de algo más grande que nosotros mismos.

http://sketchroom.co/

Texto de Justin Polera
Traducción: Adriana Hassan
Cortesía de Sketch, Bogotá

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