Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

green sky, yellow ground

Morten Slettemeås

Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí San Luis Potosí, México 08/17/2017 – 10/01/2017

Installation view. Morten Slettemeås, green sky, yellow ground, 2017. Image courtesy of Galería Luis Adelantado.

Installation view. Morten Slettemeås, green sky, yellow ground, 2017. Image courtesy of Galería Luis Adelantado.

Installation view. Morten Slettemeås, green sky, yellow ground, 2017. Image courtesy of Galería Luis Adelantado.

Walking towards the canvas, the approaching distance does not fully render a greater definition of the image in the painting. The haze-like quality of the artist’s brushstrokes and color palette remains blurry as one comes close, yet the marks and lines with only a slight wave of movement evince the subtlest footprint of a brush. Small and large canvases, ranging from an A4 paper size to large scales stretching beyond three meters. Bright, contrasting palette: blue, yellow, green, blobs of black and grey cutting across or below. The assertive use of oil gives the impression of flatness, of the lack of dimensions, the chance of figuration deeply lost but not quite settling into abstraction. No matter how sharp the contrast of color, the illusion of trompe l’oeil remains shattered. A subject might roam within the otherwise domineering, formless composition. Can the viewer find the slightest glimpse of herself within the fixed space? Can the subject in the painting come forth?

Morten Slettemeas’ new body of work—exhibited at the Museum of Contemporary Art in San Luis Potosí—strikes with an acute difference when compared to his earlier paintings. The Norwegian artist has shifted from an aesthetic approach that relied upon heavy narrative values: the development of action in a fixed timespan encapsulated in the canvas. Earlier paintings showcased dynamic brushstrokes leading to a sense of movement and agitation; color and form made the hierarchical order of elements distinctive: subjects claimed a first layer of import whilst backgrounds were pushed back. Subjects were embodied in actual characters born out of oil, a matter that seemed to shape reality and experience. The automatic conceptual reading became the sense of empathy towards the mundane aspects of life, where the viewer clearly caught her own overcast projection within and beyond the canvas. The gestures wrought by it belonged to the represented central characters captured in fore, inhabiting the clearly subordinated background. The viewer confronted the painting to find an easy access to narrative: as self-centered beings, living by way of subjectivity and ego, the viewer must always find herself at the fore of her activity, mundane as it could be.

But do we exist before our environment? Or are we a complex microcosm that is part of a wider, vital whole?

The use of mundane objects and subjects continues to be the main source in Slettemeas’ new body of work, but it is the process in which these elements are treated that makes for a compelling technical and conceptual step forward. Such subjects are placed and redeveloped in the constant tension produced by the painter’s new process: an assertive and equal use of color applied to both subject and background seems to blend into complete abstraction, a hinted mirror of reality in which subjects are as important and mundane as the places they inhabit—neither background nor foregrounds, but an environment that completes them because they inescapably exist within it.

Thus a clear intention is revealed: the artist’s confrontation with the visual quality of images as a blatant demand for true contemplation in order to decode the otherwise abstract figures. The artist’s process connects with a representation expressed by way of simple ideas that evade the assailment of predetermined optical, visual, or even ideological constructions within the viewer. By employing a more lucid treatment of elements, Slettemeas concentrates in still figures that are neither figurative nor abstract. The narrative value is synthetized—action is hidden amidst the singular use of color. Movements and gestures happen, yet they are shrouded from immediate perception. By grazing the foundations of still-life painting, the landscapes and subjects seem to suggest only the barest traces of motion, marginally above a freeze, slightly grasping the frequencies of movement. The paintings arrive, more and more, to a brittle state, where every element is simplified to leap towards unrecognizability, lending itself to alternate readings when integrated with other colors in the canvas. The backgrounds take a step forward, joining the subjects in a new, sole and universal ground.

It is at this specific point that the assertive use of color dilutes narrative further. By eliminating the direct representation of the subject and clinging to the crucial aspects of abstraction, the artist manages to question pictorial purity, urging an explicit responsibility in the viewer, asking for a response which completes the painting’s information, a narrative pulse from her mental activity or involuntary unconscious jolts. The employment of absence calls upon the audience: the filling of throbbing conceptual voids awaiting individual subjectivity.

It is through the awareness of his process that Slettemeas finds room to dig deeper yet, and he does so through an acknowledgement of subject and background that might not seem obvious: by reducing form and color to a minimal state, he is able to integrate them. Despite there being subjects that are somewhat defined in the paintings, the treatment employed to both crucial components is equal. The lack of hierarchical attributes becomes a conceptual stint in and of itself, hinting at an alternative perception of reality, of the inherent sameness between us and what shares our material plane—perhaps acting even as a projection of where we head as a species: the planet deserves the treatment as subject as much as we do. And, if we were to push this idea forward, we might question whether this seemingly organic merging of subject and background might hint at the understanding of an inner background, our concealed inner landscapes.

An added and final filtering trait towards Slettemeas’ end product is the overlooking of his previous experience and formation in drawing. To equally treat every element in the painting, he ignores and forgoes previous penciled outlines and relies purely on the oil, gradually eliminating the aforementioned boundaries between figuration and abstraction. The process weaves the image rather than a preconceived, rigid, former version of itself.

This technique has led Slettemeas to seek and inhabit contradictions and polarizations in his work. The spontaneous gestures led by the material generate the elusive dynamism in the paintings: if the work dwindles down the path of the figurative, the artist tugs back in the opposite direction, seeking a state of limbo—of subtle balance—between the representative and the abstract, the active and the passive, signifiers and materiality, outlining and improvisation, even negation and acceptance. As the subject blends into the background to eliminate hierarchy, figuration blends into abstraction to eliminate both itself and its nemesis.

In this way, the new collection of paintings aims at the core of mimesis: the testing acceptance of complexity, of existing beyond the limits of immediate congruence. In this regard, and perhaps not as easy to perceive for the brisk, naked eye of our time, Slettemeas’ work, as much as it remains an artifice, truly becomes the closest thing to life.

– Diego Gerard

http://macsanluispotosi.com

Installation view. Morten Slettemeås, green sky, yellow ground, 2017. Image courtesy of Galería Luis Adelantado.

Installation view. Morten Slettemeås, green sky, yellow ground, 2017. Image courtesy of Galería Luis Adelantado.

Installation view. Morten Slettemeås, green sky, yellow ground, 2017. Image courtesy of Galería Luis Adelantado.

Al caminar hacia el lienzo, la aproximación no necesariamente resulta en una mejor definición de la imagen en la pintura. La calidad difusa de las pinceladas y la paleta del artista permanece brumosa al acercarnos, pero las marcas y líneas con pequeñas secuelas de movimiento evidencian la sutil huella de un pincel. Lienzos pequeños y otros grandes, desde 30 x 30 cm hasta otros superando los tres metros. Paleta brillante y contrastante: azules, amarillos, verdes, manchas en negro y gris a lo largo y ancho. El uso asertivo del óleo genera la impresión de una perspectiva plana, de la falta de dimensiones, se pierde la posibilidad de encontrar rastros figurativos en la imagen, pero sin alcanzar el territorio de la abstracción. La ilusión del tromp l’oeil es obliterada a pesar del contraste de color. ¿Podría haber un sujeto deambulando dentro de la composición? ¿Puede el espectador encontrar el rastro más tenue de sí mismo dentro de este espacio fijo? ¿Puede el sujeto dar un paso al frente?

La obra reciente de Morten Slettemeas—exhibida en el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí—revela diferencias marcadas de sus pinturas previas. El artista noruego se ha desplazado de un tratamiento estético que dependía en gran medida de valores narrativos: del desarrollo de acción en un lapso temporal fijo encapsulado en el lienzo. Pinturas anteriores mostraban pinceladas dinámicas que resultaban en una sensación de movimiento y agitación; la forma y el color establecían un orden jerárquico de los elementos: los sujetos se apropiaban de una primera capa de importancia retórica, mientras que los fondos permanecían detrás, en segundo plano. Los sujetos tomaban vida a partir de personajes creados en óleo, una materia que parecía dar forma a la realidad y la experiencia. La lectura conceptual automática era la de una sensación de empatía hacia los aspectos mundanos de la vida, donde el espectador claramente encontraba una proyección de sí mismo dentro del lienzo y más allá del mismo. Los gestos desarrollados por el óleo pertenecían a los personajes representados en primer plano, habitando un fondo claramente subordinado. El espectador confrontaba la pintura y accedía fácilmente a la narrativa: como un ser que experimenta la vida a través del egocentrismo y la subjetividad, el espectador se ve a sí mismo desde el primer plano, tan mundano como pueda ser.

Surgen entonces las siguientes preguntas en el proceso del artista: ¿existimos por delante de nuestro medio ambiente? O, ¿somos un microcosmo complejo que es parte de un todo vital mayor?

El uso de objetos y sujetos mundanos continúa siendo la fuente principal en la obra reciente de Slettemeas, pero es a través del proceso con el que trata estos elementos que genera un avance técnico y conceptual. Dichos sujetos son situados y desarrollados dentro de la constante tensión producida por la novedad de su proceso: un uso asertivo e igualitario de color tanto para el sujeto como para el fondo que parece arribar a un punto de completa abstracción, una sugerencia de un espejo de la realidad donde los sujetos son tan mundanos como los espacios que habitan—espacios que dejan de ser primer o segundo plano, sino un medio ambiente que los completa porque existen dentro de él de manera inescapable.

Se revela entonces una intención clara: la confrontación del artista con la calidad visual de las imágenes exige una profunda contemplación en la audiencia, una meditación que busca decodificar las aparentes abstracciones. El proceso del artista se conecta con una representación expresada a través de ideas sencillas que evaden la acometida de construcciones ópticas, visuales, e incluso ideológicas del espectador. Al tratar los elementos en las pinturas de manera más lúcida, Slettemeas se concentra en figuras estáticas que no son figurativas ni abstractas. El valor narrativo es sintetizado—la acción se esconde detrás del uso del color. Ocurren gestos y movimientos, pero velados ante la percepción inmediata. Al rozar los cánones de la naturaleza muerta, los paisajes y los sujetos parecen sugerir el más sutil de los movimientos, marginalmente por encima de la quietud, apenas tocando las frecuencias de la agitación. Las pinturas alcanzan, más y más, un estado de fragilidad, en donde cada elemento es simplificado hasta llegar a lo irreconocible, prestándose a lecturas alternas al ser integrado con otros colores en el lienzo. El fondo da un paso hacia delante, fusionándose con los sujetos en un primer plano nuevo, único y universal.

En este momento específico, el uso asertivo del color diluye la narrativa aún más. Al eliminar la representación directa del sujeto y al aferrarse a los aspectos cruciales de la abstracción, el artista logra cuestionar la pureza pictórica, exhortando una responsabilidad específica en el espectador, quien debe buscar una respuesta que complete la información dentro de la pintura, un pulso narrativo de su actividad mental o un sobresalto del inconsciente. El uso de la ausencia como elemento hace un llamado a la audiencia: reclama el llenado de vacíos conceptuales que aguardan una subjetividad individual.

Es a través del uso consciente de su proceso que Slettemeas encuentra espacio para profundizar conceptualmente, reconociendo una relación entre sujeto y fondo que no es necesariamente obvia: al reducir color y forma a un estado mínimo, los integra. A pesar de haber sujetos vagamente definidos en las pinturas, el tratamiento otorgado a ambos componentes es el mismo. La falta de atributos jerárquicos se convierte en un gesto conceptual en sí mismo, sugiriendo una percepción alterna de la realidad, la de una igualdad inherente que compartimos con nuestro plano material—sugiriendo incluso una proyección de hacia donde nos dirigimos como especie: el planeta merece el tratamiento como sujeto tanto como nosotros. Y si insistimos con esta idea, podemos cuestionar si esta fusión orgánica aparente de sujeto y fondo puede hacer referencia a un fondo interior, a nuestros paisajes interiores.

Un factor agregado en esta depuración de elementos es cómo el artista ignora su experiencia previa y formación con el dibujo. Para lograr el trato igualitario de elementos en la pintura, ignora y renuncia a trazos previos hechos con lápiz y se concentra en el óleo, gradualmente derribando las mencionadas barreras que separan a la figuración de la abstracción. El proceso construye a la imagen, y no una versión previa y preconcebida de sí misma.

Esta técnica ha llevado a Slettemeas a buscar y habitar contradicciones y polarizaciones dentro de su obra. Los gestos espontáneos dirigidos por el material generan un dinamismo elusivo en las pinturas: si la obra se reduce a lo figurativo, el artista se vuelca en dirección opuesta, buscando llegar a un estado de limbo—de balance sutil—entre lo representativo y lo abstracto, lo activo y lo pasivo, los significadores y la materialidad, la planeación previa y la improvisación, e incluso la negación y la aceptación. Al fusionar sujeto y fondo para eliminar jerarquías, la figuración se fusiona con la abstracción para eliminarse a sí misma y a su némesis.

De esta manera, la nueva colección de pinturas apuntan al eje central de la mímesis: la complicada aceptación de la complejidad, de existir más allá de los límites de la noción de una congruencia inmediata. En este sentido, la obra de Slettemeas, por más que sea un artificio, se convierte en lo más cercano a la vida.

– Diego Gerard

http://macsanluispotosi.com

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