Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Death Never Takes a Vacation

Daniel Guzmán

Kurimanzutto México City, México 03/24/2015 – 05/09/2015

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“Existence is not something which lets itself be thought of from a distance; it must invade you suddenly, master you, weigh heavily on your heart like a great motionless beast – or else there is nothing at all.” Jean-Paul Sartre

Daniel Guzmán’s (Mexico, 1964) work is the result of a constant and disciplined investigation guided by the hand’s intuition, which translates the artist’s imagination and gives it solid form on paper. Death Never Takes a Vacation stems from Guzmán’s fascination with Aztec iconography, in particular the earth goddesses, who embody the dualities of fertility and death, life, and sacrifice.

The exhibition features a selection of drawings from the Chromosome Damage series, in which representations of Pre Hispanic deities such as Coatlicue and Tlaltecuhtli parade along with human figures, beasts with masks, and demons. These images on paper reveal an uncontrolled process of metamorphosis: arms, nipples, snakes, claws and hair sprout from forms rendered not without a touch of humour. According to the poet Rubén Bonifaz Nuño, “Coatlicue is a force, an energy on the verge of overflowing to create the universe.” This way of conceiving creation is similar to the scientific explanations that posit the universe was formed by the Big Bang, and that everything is made of the same molecules resulting from this explosion. For Guzmán, this means we are part of the meteorites and the stars, as well as more prosaic matter, like shit.

Guzmán’s drawings break down and come alive before the viewer, who, like Sartre’s protagonist in Nausea, discovers to his dismay “the diversity of things, their individuality, were only an appearance, a varnish. Once the varnish melts, it leaves only “soft, monstrous lumps, in naked disorder, with a frightful and obscene nakedness.” The sensual and the grotesque are present in equal measure in Guzmán’s work: the influence of Matisse’s nudes and Willem de Kooning’s portraits of women recombine in hybrid figures who echo Hermelinda Linda and the disturbing cartoons of Basil Wolverton.

The forms in Chromosome Damage seem to sprout from one another, the product of a dialog between Pre Hispanic archaeology and pop culture. They are infused with strains of José Clemente Orozco and the paintings of Chucho Reyes, or even the musical compositions of Reverend Gary Davis, whose 1960 recording of “Death Don’t Have No Mercy” inspired the title of the show. Guzmán’s drawings encompass all of these references, however, he never insists that the viewer decrypt and analyze the origins of each element. Rather, this richness and diversity of source material permits the work to transcend its cultural specificity and speak for itself.

This series represents a fresh interest in color. In comparison to earlier drawings, which are predominantly executed in ink and pencil on white surfaces such as paper or walls, these figures inhabit a neutral space governed by simple organic palette. Made with pastels, charcoal, and acrylic paint, each drawing uses no more than two or three colors, the vast majority of which are earth tones. Reds, browns, yellows and pinks coexist effortlessly on the butcher paper, a recycled paper commonly used for wrapping merchandise in the markets. These materials lend plasticity to the forms, which are rendered with rough strokes that eschew aesthetic pretense or preciousness.

The characters in Chromosome Damage have their own lives and their own voices. They rebel against the viewer’s static gaze with bodies that seem unfinished, in the process of becoming. The medium format of the drawings allows the viewer to absorb the totality of the composition and submerge themselves in an image that inspires fear, respect, occasional laughter; one that unfolds and comes together again between voluptuous curves, tongues, and tentacles with eyes that multiply with unbridled abundance. More than illustrating an error in cellular reproduction, for Guzmán “these drawings seek to represent how the universe is deformed, how matter dissolves and bends in order to recombine in front of our eyes.”

All the works in the exhibition are pastel, carbon and acrylic on brown paper, and each one measures 63.4 x 44 cm. (24.96 x 17.32 in.)

Daniel Guzmán received his B.F.A in Visual Arts from the Escuela Nacional de Artes Plásticas at the Universidad Nacional Autónoma de México. He has shown his work in solo exhibitions at the Drawing Room, London, United Kingdom; Museo de Arte de Zapopan, Mexico; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, Mexico, New Museum, New York, United States; Museo Universitario de Ciencias y Arte MUCA, Mexico. His work has been presented at the following biennials: 5th Berlin Biennial, the 55th Carnegie International and the 50th Venice Biennial.

Guzmán lives and works in Mexico.

http://www.kurimanzutto.com/

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“La existencia no es algo que se deje pensar de lejos: es preciso que nos invada bruscamente, que se detenga sobre nosotros, que pese sobre nuestro corazón como una gran bestia inmóvil; si no, no hay absolutamente nada.” Jean-Paul Sartre

La obra de Daniel Guzmán (México, 1964) es el resultado de una búsqueda constante y disciplinada, guiada por la intuición de la mano que traduce la imaginación y las referencias del artista sobre el papel. En el caso de Death Never Takes a Vacation, ésta nace de su fascinación por las imágenes y la iconografía Azteca, en especial la de las diosas de la madre de la tierra que encarnan la dualidad simbólica de la fertilidad y la vida, la muerte y el sacrificio.

La exhibición presenta una selección de dibujos de la serie Chromosome Damage, en la que representaciones de deidades prehispánicas como Coatlicue y Tlaltecuhtli desfilan junto a figuras humanas, bestias con máscaras y demonios en plena transformación. Estas imágenes sobre papel estraza exhiben un proceso descontrolado de metamorfosis: la acumulación de todo el universo en una sola forma, no desprovista de sentido del humor, que compacta y conjuga brazos, tetas, serpientes, garras y pelos. Según el poeta Rubén Bonifaz Nuño, “la Coatlicue es una fuerza, una energía a punto de desbordarse para crear el universo.” Esta manera de concebir la creación del universo se aproxima a la forma científica de explicar el mundo, donde todo está hecho de la misma materia desde el Big Bang, la gran explosión universal. Para Guzmán, desde este punto de vista somos parte de los meteoritos y las estrellas, pero también de una manera más prosaica, de la mierda.

Lo sensual y lo grotesco están presentes en igual medida en la obra de Guzmán: la influencia de los desnudos de Matisse y los retratos de mujeres Willem de Kooning se recombinan en figuras híbridas que recuerdan a Hermelinda Linda y a las perturbadoras caricaturas de Basil Wolverton. Las formas de Chromosome Damage parecen brotar una de la otra, producto de un diálogo sostenido entre la arqueología prehispánica y la cultura pop, pasando por la obra de José Clemente Orozco y las pinturas de Chucho Reyes, o las composiciones de un músico como el Reverendo Gary Davis, quien en 1960 grabó el tema que da nombre a la exposición. Los dibujos de Guzmán abarcan todas estas referencias pero nunca exige del espectador descifrar y analizar la fuente exacta de cada componente. Al contrario, esta riqueza de recursos permite que la obra trascienda su especificidad cultural y hable por sí misma.

Esta serie representa un paso hacia el uso del color en la obra del artista. En comparación a dibujos anteriores en los que predominaba la tinta negra y el lápiz sobre superficies blancas como el papel y la pared, estas figuras habitan un espacio neutro, gobernado por una paleta simple y orgánica. Hechos con pasteles, carboncillo, y acrílico, cada dibujo no emplea más de dos o tres colores, en su gran mayoría tonos tierra. Rojos, cafés, amarillos y rosas conviven sin esfuerzo con el color natural del papel estraza, un papel reciclado comúnmente utilizado para las envolturas en los mercados. Estos materiales otorgan una plasticidad y materialidad a los volúmenes, que delineados con trazos toscos evocan formas sin recurrir a maquillajes ni mediaciones.

Los personajes de Chromosome Damage tienen una vida y una voz propia. Se rebelan ante la mirada estática del espectador con cuerpos que se descubren inacabados, en movimiento. El formato mediano de los dibujos permite asir cada composición de golpe y sumergirse en una imagen que inspira miedo, respeto y a veces risa, que se desdobla y recompone entre curvas voluptuosas, lenguas y tentáculos con ojos que se multiplican sin control. Más que ilustrar un error en la reproducción a nivel celular, para Guzmán “estos dibujos buscan la forma de representar como se deforma el universo, como se disuelve y retuerce la materia, para luego recombinarse frente a nuestros ojos.”

La búsqueda de Daniel Guzmán apenas empieza. La serie sigue creciendo pero esta primera etapa quedará documentada en una publicación homónima realizada por el Drawing Room en Londres y la editorial RM. Disponible a partir de finales de abril, el libro presenta cien ilustraciones de Chromosome Damage, acompañadas por textos de Gabriel Kuri, la antropóloga Elizabeth Baquedano, especialista en la cultura Azteca, y Mary Doyle, directora del Drawing Room.

Todas las obras en la exhibición fueron realizadas con la misma técnica: pastel, carbón y acrílico sobre papel estraza, y cada una mide 63.4 x 44 cm. (24.96 x 17.32 in.)

Daniel Guzmán estudió la licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Su trabajo individual se ha exhibido en Drawing Room, Londres, Reino Unido; Museo de Arte de Zapopan, México; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca, México, New Museum, en Nueva York, Estados Unidos; Museo Universitario de Ciencias y Arte MUCA, México. Su obra se ha presentado a nivel internacional en exposiciones colectivas como la 5 Bienal de Berlín, la 55 Carnegie International y la 50 Bienal de Venecia.

Guzmán vive y trabaja en México.

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