Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

ARTMED 2017, Medellín

By Editorial Terremoto Medellín, Colombia 08/24/2017 – 08/27/2017

Clara Mónica Zapata

Clara Mónica Zapata
General Coordinator of ARTMED, Medellín

Terremoto: How does ARTMED and its vision work as a platform for the development of the art market in Medellín?

Clara Mónica Zapata: ARTMED was born from the integration of a team of investors who decided to buy this project from their previous owners. And in turn we are summoned to a team of professionals so that we accompany them, in the part of address, in curatorship, to give him the structure that requires. When we do the analysis of what was the antecedent, the other versions, we found that although there was a good intentionality there was a very fragile structure of the project, and we decided then to constitute a model of development proper to the strategy, thinking that rather than being a fair And a particular event we had to develop a line of processes that integrated some previous developments, some developments in the present and some future developments to be able to legitimize, not only the fundamental act of the fair as a very strategic moment, but the relations with the Creators, with the galleries, with the universities, and in a very specific way, with the buyers, with the potential consumers of the product. In that perspective, we defined that ARTMED should be a platform for the development of the visual and plastic arts of the city and the region, in dialogue with the world where in each process and in each phase we will be integrating new sectors to give you Somehow that structure, as a kind of ecosystem that allows this project to be sustainable and sustainable.

Imaginart Gallery @ ARTMED 2017

T: As an emerging art fair, what are the challenges that ARTMED faces in relation to other fairs in the region such as ARTBO, Art Lima, PARC, or even arteBA?

CMZ: First of all, I would dare to say that Medellin is a city that has a very particular dynamic, in what one can define as its cultural and identity structure. The fundamental challenge is, on the one hand, to recognize the artists of the local generations, who are particularly important artists nationally and internationally, and the city does not know them. The city does not know that it has artists from many generations, from big generations and new generation artists that today are part of international collections that are even in the auctions, at the fairs, in meetings, in Europe, in New York … Then, Let’s say the great challenge is to make a recognition and generate the platform to make us aware, to tell the city that there are artists who produce and are connecting with the rest of the world. Likewise, the challenge is to integrate the art circuits with the galleries, the exhibition spaces, the workshops, the co-working, that today are enough and that are disconnected. And on the other hand, continue to stimulate collecting, because it seems that in Medellin did not exist, but it does exist. What happens is that a scenario like this has not been generated, where collectors really come and find where to consume, and they are going to consume other parts, they are going to buy art in Bogota, arteBA, Art Lima … And no Is that we want them not to go there, we want them to keep going but also buy here. And on the other hand, encourage the young collecting, let people see that this is a close matter, that art is also a matter of cultural law, democratization, and that there are ranges of values ​​in works of art where there is for all .

T: What are the challenges facing the Latin American art market?

CMZ: I think there is a key issue. This afternoon we will have a conversation panel where we will talk about this, because there is the director of Art Lima. And the question is: will the challenge be that there is a more articulated work between the fairs, that there is a great network between fairs? And that this issue of who buys who, or who capitalizes the databases, is what is really making it possible for this to develop or do we have to do a redesign of this circuit too? So that we can then speak of a general plan of circulation of the visual and visual arts.

Liliana Hernández Obando

Liliana Hernández Obando
Artistic Director of ARTMED, Medellín

Terremoto: Could you talk a little about the curatorial axes that articulate the artistic direction of ARTMED and, in turn, what is your vision in the long term?

Liliana Hernández Obando: ARTMED has as curatorial axis an inclusive system within the panorama of the plastic arts, especially in Colombia and in Latin America. How is this curatorial axis developed? Within the framework of a fair, one must assume a fair as an alternative space, speaking of alternations and parallels, where different art trends converge in that same space, and that chronological line of art trends that meet in a systemic way, harmonious and fair in this fairground.

When we speak of a chronological line, we can not deny that art has developed in its own time. Here at ARTMED we have that line represented in modernist galleries, they are galleries that have their identity and have built their own representation in the middle. There are also galleries at this time that are very eclectic, where they share modern and postmodern artists, as well as contemporaries. And galleries that have been founded two years ago, which we call emerging or intermediate, that are profiled in means of expression much more contemporary and much more alternative.

It also accompanies that content of the galleries a section that is important for the legitimation and validation of the curatorial action by itself, in congruence with the work of the artist, that is what we call here the Solo Projects, which are a series of Individual exhibitions of artists, artists who are endorsed by curator or gallery, showing him in this mode of assembly, spatiality and concept how important the link between curatorial work and the work of a gallery is important. The fairs are like this, are provisions that begin to create a number of relationships, networking, within the market and circulation, projection of the work, plus specific projects with this curatorial axis. Medellín has been a very important place in the graph, here are great teachers of the graph, developed from the 60s onwards. In a moment it fell and suddenly there was a displacement with the contemporary art, very informal forms of making art. The idea within the curatorial axis that we have is to begin to highlight and claim the graphic, so at the beginning of the fair we have a graphic stand, and at the end we have workshops of teachers of the local regional chart and young artists who are Beginning to recover these means of character of craft, artisan, but also artistic as concept. This is accompanied by the presence of museums, we can not avoid this institutional sphere. And on the other hand, we have the presence of publications and magazines related to art.

Liliana Hernández Obando in the opening of ARTMED 2017

T: In your opinion, what is the role of curatorial practice in relation to the art market and what are its limits and potentialities?

LHO: In the first place, the curatorial issue is a mediating action, but the mediation action has to be fed by other dimensions of the curatorial. A curator does not necessarily have to stay in the processes of analysis, reflection, that mediation of the creative product of the artist towards the public. That dimension of the curatorial has to exist, as must the classical concept of the curatorial as a professional element, or a professional who preserves a certain collection. According to the current logics of the market, the circulation of the work of art, the legitimation of it through the fairs, the biennials, through the gallery, the auctions, is to understand that the curator in that mediation Academic and intellectual must also understand that there are other links that he should try to connect. When talking about, for example, public-private partnerships … this is a public-private alliance, because we are endorsed by private companies and also by government institutions and institutions. That is when the curatorial work must understand the logic of the public and the private, or the logic of the third sector, which are foundations, NGOs, nonprofit projects. So when a curator not only assumes his role as a seller of works of art, as a critic or as an ally of the artist, but understands that these types of scenarios must be kept in harmony, that is when curatorial work is enriched and It becomes a process of cultural management specifically in plastic and visual art projects linked to symbolic and real spaces, public, private and social.

T: What are the challenges facing the Latin American art market?

LHO: It can not even be said to be Latin American. That is to say, we in Latin America feel the collapse of the good or bad American economy, our part of the continent depends a lot on the exogenous economy, which is really the global economy, is the one that directs us. And that transferred to the artistic scene causes the Latin American market to fluctuate, but at the same time that fluctuation of the art goes through good times, and other times it decays. In that line of rise and fall a space of sustainability is created because when, for example, the artist has no representation of a gallery, or the gallery feels the downfall of the economy, it is the opportunity of reinvention, that is when I speak of Sustainability. Thus, art in general is a very vulnerable system to that, it even has some psychological components and of the artist’s empowerment, and of not believing that one can survive or live very well of his own art. That makes the market rise or fall. But I think it’s a system that will not change, it’s the characteristic of art in Latin America. The fact of reinventing the artist, the gallery, a system through alternative spaces, co-working … that’s what is strengthening the support.


Emiliano Valdés
Curator of MAMM

Terremoto: In the context of contemporary Colombian art, specifically in Medellín, what are the historical and contextual references that an international art fair should contemplate in order to be part of the circuit of art fairs in the region such as ArtBo, Odeón, ArtLima, PARC , ArteBA or even ArtRío?

Emiliano Valdés: I think the first thing is to be clear about the circuit within which you want to work. In that sense, it seems to me that professionalization is the first step to create an international fair that can work and I feel that the first step has already taken place. In Medellín, I understand that it has been committed to move from a very local event and with particular dynamics to more standard work modes, in line with global practices. There is always a lot to do in that sense but I think it is going the right way.

The following is to understand what are the specific characteristics that can make an event in Medellín a successful initiative, something that differentiates it from other fairs and events in the region. This is not clear if it is to work with a particular technique (a video or engraving fair, to give an example), if it is addressed to a specific audience (the Colombian market, Andean, etc.) and if there are other parameters that Can consolidate a fair as a reference event, as it could be a very well curated fair or a fair that specializes in artists of a certain type. That is precisely the task of management.

It seems to me that the references are precisely the market within which one wants to operate and what it offers and what does not. I see a fair in Medellín a huge challenge because there is little collecting and to attract a wider audience is going to need a hook, something that other fairs do not have. Making a fair more I think is not enough. We live in the era of specialization and I think it is something that the market demands, even at this level.

T: What are the challenges faced by contemporary art galleries in Medellín in order to develop a critical collection that is far from their past relationship with drug trafficking?

EV: I assume that with ‘critical collecting’ you mean an exercise that involves not only buying but knowing what to buy, getting involved with artists, being part of a medium and, moreover, a professional medium of contemporary art.

The challenges are multiple and some of them are deeply rooted in Antioquian culture as the well-known awareness of spending. For this, it is necessary to generate circumstances in which the public understands art as a good whose value, at bottom, is higher than its price. This requires an effort not only from the market but from many other actors, it requires working in art and culture as a social value. Part of it is already being done, hopefully it can affect the way people understand buying art.

Obviously, overcoming certain market practices also requires an impeccable ethic: managing everything in an absolutely transparent way, eradicating something that in our context is very common is the conflict of interests, and again strengthen the professionalization. If you choose a line of work and stick to it, you avoid the slippery terrain where you are a judge and part, for example.

Perhaps one way to approach that is to concentrate on a young market of new collectors who, on the one hand, do not associate the practice of buying art with drug trafficking practices and, on the other, that renew that market from the base, little by little , Building a new culture of business relationship with art. This might be a gamble, but again, I think what’s important is to understand the character that sets a fair apart from its competitors in the market.

Clara Mónica Zapata

Clara Mónica Zapata
Coordinadora General de ARTMED, Medellín

Terremoto: ¿Cómo nace ARTMED y cuál es su visión como plataforma para el desarrollo del mercado del arte en Medellín?

Clara Mónica Zapata: ARTMED nace a partir de la integración de un equipo de inversionistas que decide comprar este proyecto a sus dueños anteriores. Y a su vez nos convocan a un equipo de profesionales para que los acompañemos, en la parte de dirección, en curaduría, para darle la estructura que requiere. Cuando hacemos el análisis de lo que fue el antecedente, las otras versiones, encontramos que aunque hubo una buena intencionalidad había una estructura muy frágil del proyecto, y decidimos entonces constituir un modelo de desarrollo propio para la estrategia, pensando que más que ser una feria y un evento en particular teníamos que desarrollar una línea de procesos que integrara unos desarrollos previos, unos desarrollos en el presente y unos desarrollos futuros para poder legitimar, no solamente el acto fundamental de la feria como un momento muy estratégico, sino las relaciones con los creadores, con las galerías, con las universidades, y de una manera muy específica, con los compradores, con los potenciales consumidores del producto. En esa perspectiva fue que definimos que ARTMED debía ser una plataforma para el desarrollo de las artes plásticas y visuales de la ciudad y la región, en diálogo con el mundo donde en cada proceso y en cada fase vamos a ir integrando nuevos sectores para irle dando de alguna manera esa estructura, como una especie de ecosistema que permita a este proyecto ser sostenible y sustentable.

Imaginart Gallery @ ARTMED 2017

T: Como feria de arte emergente, ¿cuáles son los retos a los que se enfrenta ARTMED en relación a otras ferias de la región como ARTBO, Art Lima, PARC, o incluso arteBA?

CMZ: Primero que todo, yo me atrevería a decir que Medellín es una ciudad que tiene una dinámica bien particular, en lo que uno puede definir como su contextura identitaria y cultural. El reto fundamental está, por un lado, en hacer un reconocimiento a los artistas de las generaciones locales, que particularmente son artistas muy importantes a nivel nacional e internacional, y la ciudad no los conoce. La ciudad no sabe que tiene artistas de muchas generaciones, desde generaciones ya grandes y artistas de nueva generación que hoy forman parte de colecciones internacionales que están incluso en las subastas, en las ferias, en encuentros, en Europa, en Nueva York… Entonces, digamos que el gran reto es hacer un reconocimiento y generar la plataforma para visibilizarnos, para decirle a la ciudad que aquí hay artistas que producen y que nos están conectando con el resto del mundo. Igualmente, el reto es integrar los circuitos de arte con las galerías, los espacios expositivos, los talleres, los co-working, que hoy son bastantes y que están desconectados. Y por otro lado, seguir estimulando el coleccionismo, porque pareciera que en Medellín no existiera, pero sí existe. Lo que pasa es que no se había generado un escenario como este, donde los coleccionistas realmente vengan y encuentren dónde consumir, y se van a consumir a otras partes, se van a comprar arte en Bogotá, en arteBA, en Art Lima… Y no es que queramos que no vayan allá, queremos que sigan yendo pero que también compren aquí. Y por otro lado, incentivar el joven coleccionismo, que la gente vea que este es un asunto cercano, que el arte también es un asunto de derecho cultural, de democratización, y que hay rangos de valores en las obras de arte donde hay para todos.

T: ¿Cuáles son los retos a los que se enfrenta el mercado del arte latinoamericano?

CMZ: Yo creo que hay un tema clave. Esta tarde vamos a tener un panel de conversación donde vamos a hablar de esto, porque está la directora de Art Lima. Y la pregunta es: ¿será que el reto es que haya un trabajo más articulado entre las ferias, que haya una gran red entre las ferias? Y que este asunto de quién le compra a quién, o quién capitaliza las bases de datos, ¿es lo que realmente está haciendo posible que esto se desarrolle o nos toca hacer una resignificación también de este circuito? Para que podamos entonces hablar de un plano general de circulación de las artes plásticas y visuales.

Liliana Hernández Obando

Liliana Hernández Obando
Directora Artística de ARTMED, Medellín

Terremoto: ¿Podrías hablar un poco sobre los ejes curatoriales que articula la dirección artística de ARTMED y, a su vez, sobre cuál es su visión a largo plazo?

Liliana Hernández Obando: ARTMED tiene como eje curatorial un sistema incluyente dentro del panorama de las artes plásticas, especialmente en Colombia y en Latinoamérica. ¿Cómo se desarrolla ese eje curatorial? Dentro del marco de una feria, se debe asumir una feria como un espacio alternativo, hablando de alternancias y paralelismos, donde confluyan diferentes tendencias de arte en ese mismo espacio, y esa línea cronológica de las tendencias de arte que se reúnan de una manera sistémica, armoniosa y justa en ese marco ferial.

Cuando se habla de una línea cronológica, nosotros no podemos negar que el arte se ha desarrollado propio a su tiempo. Aquí en ARTMED tenemos esa línea representada en galería modernistas, son galerías que tienen su identidad y han construido su propia representación en el medio. También hay galerías en este momento que son muy eclécticas, donde comparten artistas modernos y posmodernos, y también contemporáneos. Y galerías que han sido fundadas hace dos años, que nosotros llamamos emergentes o intermedias, que están perfilándose en medios de expresión mucho más contemporáneos y mucho más alternativos.

También acompaña ese contenido de las galerías una sección que es importante para la legitimación y la validación de la acción curatorial por sí misma, en congruencia con el trabajo del artista, eso es lo que nosotros llamamos acá los Solo Projects, que son una serie de exhibiciones individuales de artistas, artistas que vienen avalados por curador o por una galería, mostrándole en este modo de montaje, de espacialidad y de concepto cómo es de importante el vínculo entre el trabajo curatorial y el trabajo de una galería. Las ferias son así, son unas disposiciones que empiezan a crear una cantidad de relaciones, un networking, dentro del mercado y circulación, proyección de la obra, más los proyectos específicos con ese eje curatorial. Medellín ha sido una plaza muy importante en la gráfica, aquí hay grandes maestros de la gráfica, se desarrolló de los 60s en adelante. En un momento cayó y de pronto hubo un desplazamiento con el arte contemporáneo, unas formas muy oficiosas de hacer arte. La idea dentro del eje curatorial que nosotros tenemos es empezar a resaltar y a reivindicar la gráfica, por eso al principio de la feria tenemos un stand de gráfica, y al finalizar tenemos unos talleres de maestros de la gráfica local regional y de artistas jóvenes que están empezando a recuperar esos medios de carácter de oficio, artesanal, pero también artístico como concepto. A eso lo acompaña la presencia de los museos, no podemos eludir esa esfera institucional. Y por otra parte, tenemos la presencia de publicaciones y revistas relacionadas con el arte.

Liliana Hernández Obando en la inauguración de ARTMED 2017

T: Desde tu opinión, ¿cuál es el rol que tiene la práctica curatorial en relación al mercado del arte y cuáles son sus límites y potencialidades?

LHO: En primer lugar, el asunto curatorial es una acción mediadora, pero la acción de mediación tiene que estar alimentada por otras dimensiones de lo curatorial. Un curador no necesariamente se debe quedar en los procesos de análisis, de reflexión, de esa mediación del producto creativo del artista hacia el público. Esa dimensión de lo curatorial tiene que existir, como también debe permanecer el concepto clásico de lo curatorial como un elemento profesional, o un profesional que conserve cierta colección. Según las lógicas actuales del mercado, de la circulación de la obra de arte, de la legitimación de la misma a través de las ferias, de las bienales, a través de la galería, de las subastas, es entender que el curador en esa mediación académica e intelectual también debe entender que existen otros vínculos que él debe tratar de conectar. Cuando se habla, por ejemplo, de las alianzas público-privadas…esto es una alianza público-privada, porque estamos avalados por la empresa privada y también por los estamentos gubernamentales, por las instituciones. Es ahí cuando la labor curatorial debe entender las lógicas de lo público y lo privado, o las lógicas del tercer sector,que son las fundaciones, las ONGs, los proyectos sin ánimo de lucro. Entonces cuando un curador no sólo asume su rol como un vendedor de obras de arte, como un crítico o como un aliado del artista, sino que entiende que se deben tener en armonía ese tipo de escenarios, ahí es cuando la labor curatorial se enriquece y se vuelve un proceso de gestión cultural específicamente en proyectos de arte plástico y visual vinculados a espacios simbólicos y reales, públicos, privado y sociales.

T: ¿Cuáles son los retos a los que se enfrenta el mercado del arte latinoamericano?

LHO: Ni siquiera se puede decir que sea latinoamericano. Es decir, nosotros en Latinoamérica sentimos el coletazo de la buena o mala economía norteamericana, nuestra parte del continente depende mucho de la economía exógena, que realmente es la economía global, es la que a nosotros nos dirige. Y eso transferido a la escena artística hace que el mercado latinoamericano fluctúe, pero a la vez esa fluctuación del arte pasa por buenos momentos, y  otras veces decae. En esa línea de subir y caer se crea un espacio de sostenibilidad porque cuando, por ejemplo, el artista no tiene representación de una galería, o la galería siente la baja de la economía, es la oportunidad de reinvención, ahí es cuando yo hablo de sostenibilidad. Entonces, el arte en general es un sistema muy vulnerable a eso, incluso tiene unos componentes psicológicos y de empoderamiento del artista, y de no creer que se puede sobrevivir o vivir muy bien de su propio arte. Eso hace que el mercado suba o baje. Pero yo pienso que es un sistema que no va a cambiar, es la característica del arte en Latinoamérica. El hecho de la reinvención del artista, de la galería, de un sistema a través de espacios alternativos, de los co-working…eso es lo que está fortaleciendo el soporte.


Emiliano Valdés
Curador del MAMM

Terremoto: En el contexto del arte contemporáneo de Colombia, específicamente de Medellín ¿cuáles son los referentes históricos y contextuales que una feria de arte internacional debería de contemplar para poder ser parte del circuito de ferias de arte de la región como ArtBo, Odeón, ArtLima, PARC, ArteBA o incluso ArtRío?

Emiliano Valdés: Yo creo que lo primero es tener claro el circuito dentro del cual se desea trabajar. En ese sentido, me parece que la profesionalización es el primer paso para crear una feria internacional que pueda funcionar y me da la sensación de que ese primer paso ya se ha dado. En Medellín, entiendo que se ha apostado por pasar de un evento muy local y con unas dinámicas particulares a unos modos de trabajo más estándar, en línea con prácticas globales. Siempre hay mucho por hacer en ese sentido pero creo que va por el camino adecuado.

Lo siguiente es entender cuales son las características específicas que pueden hacer de un evento en Medellín una iniciativa exitosa, algo que lo diferencie de otras ferias y eventos de la región. Esto no tengo claro si es trabajar con una técnica en particular (una feria de video o de grabado, por poner un ejemplo), si es dirigirse a un público específico (el mercado colombiano, andino, etc.) y si hay otros parámetros que puedan consolidar una feria como un evento de referencia, como podría ser el que fuera una feria muy bien curada o una feria que se especializa en artistas de un cierto tipo. Esa es justamente la tarea de la dirección.

Me parece que las referencias son precisamente el mercado dentro del cual se quiere operar y lo que éste ofrece y lo que no. Yo veo una feria en Medellín un reto enorme porque hay poco coleccionismo y para atraer a un público más amplio se va a necesitar un gancho, algo que las demás ferias no tengan. Hacer una feria más creo que no es suficiente. Vivimos en la era de la especialización y creo que es algo que el mercado demanda, incluso en este nivel.

T: ¿Cuáles son los retos a los que se enfrentan las galerías de arte contemporáneo de Medellín para lograr desarrollar un coleccionismo crítico alejado de su pasada relación con el narcotráfico?

EV: Asumo que con ‘coleccionismo crítico’ te refieres a un ejercicio que implica no sólo comprar sino saber lo que se compra, involucrase con los artistas, ser parte de un medio y, además, de un medio profesional del arte contemporáneo.

Los retos son múltiples y algunos de ellos muy enraizados en la cultura antioqueña como la sabida conciencia sobre el gasto. Para esto hay que generar unas circunstancias en las que el público entienda el arte como un bien cuyo valor, en el fondo, es más alto que su precio. Esto requiere un esfuerzo no sólo del mercado sino de muchos otros actores, requiere trabajar en el arte y la cultura como un valor social. En parte ya se está haciendo, esperemos que pueda afectar la manera en la que la gente entiende el comprar arte.

Obviamente el superar ciertas prácticas turbias del mercado también requiere una ética impecable: manejar todo de manera absolutamente transparente, erradicar algo que en nuestro contexto es ha sido muy común que es el conflicto de intereses, y nuevamente fortalecer la profesionalización. Si uno elige una línea de trabajo y se apega a ella, se evitan los terrenos resbaladizos en los que se es juez y parte, por ejemplo.

Quizás una manera de abordar eso es concentrarse en un mercado joven de nuevos coleccionistas que, por un lado, no asocien la práctica de comprar arte con las prácticas del narcotráfico y, por el otro, que renueven ese mercado desde la base, poco a poco, construyendo una nueva cultura de la relación comercial con el arte. Esta podría ser una apuesta, pero de nuevo, creo que lo que es importante es entender el carácter que diferencia a una feria de sus competidores en el mercado.

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