Contemporary Art in the Americas Arte Contemporáneo en las Américas

Beyond the Biennial

by Maya Juracán

Maya Juracán writes about the curatorial methodology that will define the 21st edition of the Paiz Biennial in Guatemala.

Maya Juracán escribe sobre la metodología curatorial que articulará la 21a edición de la Bienal Paiz en Guatemala.

Laura Wellen with mural Canto a la raza by Carlos Mérida at the City Hall. Image courtesy of Fundación Paiz

When we talk about Guatemala, generally we do so based on how others have constructed the country, that is to say, based on an external imaginary developed by a small group of individuals. If you think about it, this is true for almost all countries in the Americas. It was through colonization, conquest, and an internal armed conflict that lasted from 1960 until 1996 that Guatemala was turned into a country.

Working within a decolonial framework, the idea of learning to tie our thoughts to the history of our country is born. The call to look at and think of ourselves from this perspective has been an important characteristic of Latin American art for some time now. As Enrique Dussel says, “it is time to reconstruct world history and start being Latin American, it is time to think from our horizon.” [1]

To this end, the twenty-first edition of the Bienal de Arte Paiz in Guatemala will adapt a decentralized vision to confront the biennial’s curatorial line. We have evolved, or aim to do so. Looking back at the first biennial in 1978, it is clear that it was founded as a scanner of sorts in the form of an art competition; it was urgent to know what was happening in the country in terms of artistic production. This search made the biennial one of the pioneering events in the dialogue of contemporary art, a vision that must be traced out starting with the opening up of the centralist margins to the peripheries, an important step towards popping the ideological, social, and economic bubbles created by the art world, its elites, and the classist distribution of resources that defines our world.

Esperanza de León in a communitarian project. Image courtesy of Fundación Paiz

To define curatorship in Guatemala, first we must recognize our cultural context—our multiculturalism, ethnography, and history. We have failed to recognize ourselves as a colonized country in which the indigenous population was and continues to be oppressed. Thirty years of internal armed conflict and the scars it has left on the Guatemalan people, as well as the trial for genocide that remains branded in the Guatemalan imaginary are foundational elements of the context that determines our cultural scene and its possibilities.

We are discussing a country with hegemonic roots—defined by US imperialism that established a military government in 1954 that remained in power 36 years. This characteristic is the one that defines contemporary Guatemala and that will allow us, for purposes of this biennial, to see ourselves from the perspective of the “unofficial” internal history and its contexts. Based on this, Gerardo Mosquera, the head curator of the biennial, has the task of shaping this edition of the Bienal de Arte Paiz with a vision that addresses these issues, with the help of his co-curators: Laura Wellen, an American expert on Latin American art who is passionate about the dialogue between contemporary art and contemporary culture, discourse, and society, and who offers a foreign yet investigative perspective to the team; Esperanza de León, a pedagogue and artist who founded Creatorio CAP in Guatemala City, an art school dedicated to teaching art pedagogy, who has been a pioneer in the field in Guatemala, where many institutions still consider art to be a technique rather than a thought process; and myself, Maya Juracán, an art historian passionate about the 1944 revolutionary struggles in Guatemala and a solid creator of socially committed art.

Since his first encounter with Guatemala, Mosquera has had a unique perspective. He concerned himself with delving into uncommon places (lugares no comunes), places that are not usually visited by curators, spaces that are not even observed by the very people who live there due to trends of globalization that valorize Western European and American culture over local arts.

Gerardo Mosquera, Ana Castillo (Director of Program Acción Joven) and young member of the community of Colom Argueta. Image courtesy of Fundación Paiz

It is necessary for us to dig deeper into the details of his travels. Going beyond artist studio visits, which are part of any type of curatorial research, Gerardo and his team (myself included) headed to Colom Argueta, a neighborhood near the center of Guatemala City that was built after the earthquake next to the landfill that manages the waste for the entire capital. The visit was not just a form of spectatorship: we went accompanied by students of the Acción Joven program—a project that brings together young people from the area to study art pedagogy—who showed Gerardo and I around the landfill. We were able to spend time with their families and learn about the social dynamics of the area, where the pillar of the economy is recycling, a characteristic that lets us understand the relationship between the center and the periphery of urban centers. We also travelled to western Guatemala to discover art projects developed far from the capital, far from the center and its well-known spaces. For example, we wish to work with artists who discuss the idea of non-urban art spaces in the town of Comalapa, or with projects like Ciudad de la Imaginación in the state of Quetzaltenango, which are coordinated by people interested in art projects that explore their cotext in terms of a socio-historical relationship.

Why should a curator visit uncommon places? Each curator builds his own kingdom and, in the art world, one turns on one’s own axis. Early on, some curators, myself included, suffer from what I would call “conqueror’s syndrome,” that is, the reproduction of ideas imposed by patriarchal, eurocentrist art education, a paradigm that is only worsened by the elission of the social and historical context of a work’s production. To break erroneous art paradigms, we as curators must be able to provide analyses of national contexts from a broad perspective that reveal the ideas that connect the multiple, interconnected circumstances that have nurtured critical local thinking—the historical nucleus of art.

In what context does the artist live? To which geopolitical bubble does their country belong? What is the essence of the work, both materially and conceptually, in relation to the artist, the geographic context they work in, and their intended audience? These are the questions we are posing as we work towards a more comprehensive curatorial practice.

Esperanza de León in Creatorio CAP. Image courtesy of Fundación Paiz

In his speech at the inauguration of the first Bienal de Arte Paiz in 1978, Rodolfo Paiz said: “We believe that our contributions to the artistic field represent the seeds of a deeper, more mature development of the conscience of Guatemalan unity and that their germination contributes to the possibility of living together in peace and achieving the high aspirations we have for Guatemala.” Today we endorse this message.

It is important to note that these words were spoken when our country was at war, when the possibility of peace was slim, and art was seen as a force that could play a revitalizing force. Today we are not at war, but violence has not diminished. We believe that this biennial must deepen collective thinking from the periphery, for those who can show us a world we rarely see. The vision of this curatorial team seeks to facilitate recognition of the uncommon and stimulate a new consciousness with openness to the processes of artistic conception and its relationship to life itself.

Forty years after it began, the twenty-first edition of the Bienal de Arte Paiz seeks to be and see beyond what could be imagined when it began. The goal is to disarticulate individualistic ideas of art for art’s sake in order to think beyond hegemonic limits and borders. Where we think from and why we think the way we do are the questions that lead us, from a place of curatorial camaraderie, to consider how we can articulate the diverse positions that exist in Guatemala. It is a collective exercise that allows us to engage in a dialogue based on the recognition of a panorama of places and realities that let us understand the myriad ways in which others read us.

Gerardo Mosquera at General Cemetery of Guatemala. Image courtesy of Fundación Paiz

As in previous years, the city center will play an important role in the biennial. A central, middle-class urban location will be connected to rural projects, themselves a central axis for a dialogue that takes place in the city and expands into other countries. Beyond borders. As a result of the position assigned to Guatemala by the neoliberal order, we are used to speaking from an urban perspective, obviating valuable thinking on the peripheries that has been ignored due to their distance from our context and a lack of internal recognition from their communities. Projects are generated in these non-urban spaces and the curatorial perspective of this biennial has been developed from their social and community-based knowledge.

Even more important is the perspective that will go beyond the white cube, understanding that work shown in these spaces is never alone and that it does not own the space it occupies. Thus, we are proposing a biennial in the streets, in the words of Gerardo Mosquera. We are seeking to move away from the centralization of the white cube as an exhibition space by bringing art into a space where it can be contemplated in a social context: a biennial that extends outwards, instead of an installation bound by four walls.

The biennial will even go beyond the “physical” world with a proposed virtual exhibition, since it is inevitably thought that art does not move between these two planes as a response to the need for immediacy in our era.

Another pedagogical goal is to move away from the teacher/student dichotomy and to implement instead a community education model. In this way we hope to eliminate the theme and the idealizations around it as central axes of an exhibition and substituting it with a methodology that seeks artistic proposals that dialogue with rhizomic communicative forms based on solidarity and social and community-based knowledge.

Esperanza de León in communitarian project. Image courtesy of Fundación Paiz

In 2018, it would be detrimental for art not to recognize what is happening in the world politically, commercially, and socially. In a tweet posted a few days ago, the Guatemalan writer Javier Payeras wrote, “Having clarity means knowing that the next step is to change directions or remain on the same path…” This is precisely the message our curatorial model seeks to adopt; to break with the global logic of the art world, eliminate stereotypical ideas, discover and speak from a specific position, and recognize the dichotomies between centers and peripheries as well as, artists from Guatemala as non-global artists who conjugate, construct, and create an artistic metalanguage from their own essence.

Through decoding this language, we seek to work with individual and common experiences, values, identities, contexts, and situations to generate active pluralism. This edition of the biennial, which will open August 16, 2018, is emerging as an ambitious project developed in a dystopian world where art again takes on a vindicating role in society. Rather than an inbred idea, it has become a narrow link of recognition for those of us who have both never been separate and have also been prevented from recognizing each other by an invisible wall that divides us through representation.

What are the aims of this biennial? In the words of Gerardo Mosquera: new possibilities and radicalism. These are ambitious goals, which, while broad and abstract, are what I love most about the project—the idea of having a “new possibility,” proposing an ensemble of thoughts, feelings, and renewed choices that shift us away from the individual contemplation of a work of art and instead opens us up to community dialogue, questioning, and critique, facilitating its presence in all spaces, in all bodies, and in all the voices involved. Although these new possibilities cannot be fully described or known yet, the new ideas that emerge from community dialogues will lead us to these possibilities.

Gerardo Mosquera in San Pedro la Laguna, Guatemala. Image courtesy of Fundación Paiz

A very appropriate idea for this reflection is Luis Camnitzer’s text Arte y pedagogía, in which he argues that attacking small processes within the elite art world is useless, and that we must rather recognize art as a process within pedagogy that was moved to the background to make way for discursive juggling. Pedagogy, paraphrasing Deleuze and Guattari, as a semiotic chain not only linguistic but also perceptive, mimetic, gestural, and cognitive that decentralizes language to other dimensions.

As I live in Guatemala City and cross the historic center every day to get to work, and as I live and work alongside artists, some of whom are my friends and some not, as I am a part and product of the educational system as a student, teacher, and critic of the same system, the biennial offers me the possibility of building community instead of seeing others as enemies. We are participants of a process that allows us to generate camaraderie between realities and bubbles, and between ourselves and others, using the artistic metalanguage as a starting point for a more critical, discursive, and inclusive art world.

Maybe it will work and maybe it will fail, but what is truly important is that we speak out from this country in which surrealism is a constant. I am writing this in the historic center of Guatemala City, where an ice rink has been built in the central plaza for Christmas, surrounded by palm trees decorated as Christmas sweets, framing both our masks and our identity, which in the end is a contrived way of acknowledging ourselves.

Notes
1. Enrique Dussel, Filosofía de la liberación (Bogota: Editorial Nueva América, 1996).

Laura Wellen con el mural Canto a la raza de Carlos Mérida en el Palacio Municipal. Imagen cortesía de Fundación Paiz

Más allá de una bienal

Cuando hablamos de Guatemala, generalmente lo hacemos desde lo que otros han construido de ella, de un imaginario creado por lo externo o más bien por un grupo reducido de personas. Al pensar este destino nos damos cuenta que le sucede a casi toda América. Sin embargo, con la colonización, la conquista y el conflicto armado interno (1960-1996) hemos dado forma de país a este terruño.

Desde la idea de una de/colonización, nace la reflexión que nos conduce al aprendizaje de atar nuestros pensamientos a la historia de nuestro país. Esta propuesta de vernos y pensarnos desde allí sucede en el arte latinoamericano desde hace algún tiempo. Como dijo Enrique Dussel: “es hora de reconstruir la historia mundial y empezar a ser latinoamericano, es hora de pensar desde nuestro horizonte”. [1]

Es por eso que en la siguiente edición de la Bienal de Arte Paiz en Guatemala se procurará una visión descentralizada con la finalidad de afrontar lo que en esencia será la línea curatorial de la 21a edición de esta bienal. Hemos evolucionado o procuramos hacerlo. Cuando regresamos a los inicios de la bienal en 1978, resalta el que haya comenzado como una especie de escáner a través de un concurso de arte: era urgente saber qué sucedía en la producción artística del país. Esta búsqueda llevó a que este sea uno de los eventos pioneros en el diálogo del arte contemporáneo, horizonte que es necesario trazar desde el reconocimiento de abrirse a las periferias y buscar alrededor de los márgenes centralistas, contextos importantes para romper burbujas ideológicas, sociales, económicas, creadas por el mismo medio artístico, su élite y la distribución de recursos de manera clasista bajo la cual se organiza el mundo en sí.

Esperanza de León en un proyecto comunitario. Imagen cortesía de Fundación Paiz

Para delimitar la curaduría de Guatemala primero debemos reconocer nuestro contexto cultural, nuestra multiculturalidad, etnografía e historia: hace falta reconocernos como un país colonizado en donde el pueblo indígena fue y sigue siendo oprimido. Los 30 años de conflicto armado interno y sus cicatrices, y un juicio por genocidio que aún no termina de calar en el imaginario guatemalteco, constituyen parte del contexto que forma nuestra escena y posibilidades.

Estamos adentrándonos en un país con raíz hegemónica —definida por el imperialismo estadounidense que en 1954 instauró un gobierno militar que se mantuvo 36 años en el poder. Esta característica es la que dibuja a la Guatemala contemporánea y la que nos permitirá, para efectos de esta bienal, vernos desde la historia interna “no oficial” y sus contextos. A partir de esto Gerardo Mosquera, curador en jefe, se encarga de darle forma a esta edición de la Bienal de Arte Paiz con la visión colectiva de las co-curadoras: Laura Wellen, estadounidense dedicada a la investigación del arte latinoamericano y apasionada por los vínculos que éste tiene con la sociedad y los diálogos actuales, una mirada ajena pero investigativa; Esperanza de León, pedagoga y artista creadora de Creatorio CAP, una escuela de arte dedicada a la enseñanza artística pedagógica, a mi parecer pionera en su campo ya que en Guatemala en muchas instituciones aún se ve el arte como técnica y no como procesos de pensamiento. Y yo, Maya Juracán, historiadora del arte apasionada por las luchas revolucionarias de 1944 en el país, firme creadora del arte socialmente comprometido.

Desde su primer encuentro con Guatemala la visión de Mosquera fue desde otra mirada. Se preocupó por profundizar en los lugares no comunes, esos que no suelen visitar los curadores, esos espacios que no suele observar la propia gente que cohabita en ellos, debido al imaginario social como resultado de tendencias de la globalización.

Gerardo Mosquera, Ana Castillo (Directora del Programa Acción Joven) y joven miembro de la comunidad de Colom Argueta. Imagen cortesía de Fundación Paiz

Es fundamental ahondar en algunos detalles de este viaje. Además de las visitas a estudios de artistas —mismas que forman parte de cualquier tipo de investigación curatorial—, Gerardo y su equipo nos adentramos en la colonia Colom Argueta, ciudad que fue construida después del terremoto y la cual es vecina del relleno sanitario, basurero que administra los desechos de toda la ciudad capital y que se encuentran casi en el centro de ésta. La visita no se realizó meramente como espectadores, pues fuimos acompañados por alumnos del programa Acción Joven —proyecto que se realiza con algunos jóvenes de esta área, en el cual reciben clases de pedagogía de arte—, quienes nos llevaron a Gerardo y a mí a dar un recorrido por todo el relleno sanitario. Pudimos convivir con sus miembros y conocer un poco más las dinámicas sociales particulares, en donde destaca su economía basada en el reciclaje, característica que nos permite entender la relación entre centro y periferia en centro urbanos. Así mismo viajamos al occidente del país, para conocer los proyectos de arte que se desarrollan lejos de la capital guatemalteca, lejos de los centros y puntos reconocidos. Por ejemplo, se desea trabajar con los artistas del municipio de Comalapa, que discuten la idea de los lugares de arte no urbanos o proyectos como Ciudad de la Imaginación en el departamento de Quetzaltenango con un interés en trabajar proyectos artísticos con relación histórico-social de su propio contexto.

¿Por qué un curador debería de visitar lugares no comunes? Cada uno hace su propio reino y en el mundo del arte éste suele girar sobre su propio eje. En nuestros inicios algunos curadores, dentro de los cuales me incluyo, sufríamos de lo que yo llamaría “síndrome del conquistador”: la reproducción de las ideas que se nos imponían en la educación patriarcal y eurocentrista del arte, para seleccionar lo que se acopla a esta imagen y percepción del arte, eliminando el contexto comunitario a partir del cual la obra fue creada. Para romper paradigmas erróneos del arte, es necesario que como curadores seamos capaces de hacer un análisis del país, desde una mirada más amplia que revele una idea transversal sobre los múltiples contextos que coexisten para reconocer las circunstancias que han gestado el pensamiento crítico local, histórico hilador de las obras artísticas.

¿En qué contexto vive el artista? ¿A qué burbuja geopolítica pertenece el país? ¿Cuál es la esencia de la pieza tanto material como conceptualmente en relación al artista y el territorio del que es parte y al que se dirige? Son preguntas esenciales que se han venido haciendo para una construcción más transversal.

Esperanza de León en Creatorio CAP. Imagen cortesía de Fundación Paiz

“Confiamos en que nuestros aportes en el campo artístico representen las semillas de un más profundo y maduro desarrollo de la conciencia de la unidad guatemalteca y que su germinación contribuya a que juntos podamos convivir en paz y lograr las altas aspiraciones que tenemos para Guatemala”, dijo Rodolfo Paiz durante la inauguración de la primera edición de la Bienal de Arte Paiz en 1987, y hoy lo suscribimos nosotros.

Es importante resaltar que estas palabras se dieron en un momento de guerra en nuestro país, donde la posibilidad de paz aún se veía difusa, y se presentía al arte como un ente que tiene la posibilidad de jugar un papel revitalizador. Hoy no estamos en guerra declarada pero tampoco ha disminuido la violencia. Por lo tanto, creemos que esta bienal debe profundizar en pensamientos más colectivos, que partan de la periferia, misma que nos presenta un mundo que no miramos con frecuencia. La visión de esta curaduría busca facilitar reconocimiento de lo no común y estimular nueva conciencia, que permitan la apertura ante los procesos de concepción de arte y su relación con la propia vida.

Luego de 40 años la vigésima primera bienal, como su título lo sugiere, busca ser y ver más allá de lo que se pudo pensar en un inicio. La finalidad es lograr desarticular ideas individualistas del arte por el arte para pensar más allá de límites y fronteras hegemónicas. Desde dónde pensamos y para qué pensamos es la interrogante que nos guía a plantearnos, desde la camaradería curatorial, cómo articulamos las diversas posturas que existen en Guatemala. Un ejercicio colectivo que nos permite construir un diálogo a partir del reconocimiento de lugares y realidades que nos posibiliten visibilizar el panorama diferente que es leernos desde otros.

Gerardo Mosquera en el Cementerio General de Guatemala. Imagen cortesía de Fundación Paiz

Como en ediciones anteriores, el centro de la ciudad jugará un papel relevante. Un lugar urbano, centralista, de clase media que ahora se entrelazará con proyectos rurales que a su vez jugarán como eje articulador de diálogo que desemboque en la ciudad y que se expanda a otros países. Más allá de las fronteras. Pues dentro de la función neoliberal que el sistema en turno le ha otorgado al país, estamos acostumbrados a hablar desde la urbanidad, obviando así aquellas periferias que poseen pensamientos validados por años ignorados debido a la lejanía del contexto y a la no reivindicación de los pueblos. Por lo tanto, los proyectos se generan desde estos lugares no urbanos y a partir de su conocimiento social-comunitario se articula la línea curatorial.

Más importante aún es la mirada que irá más allá de un cubo blanco, comprendiendo que la obra que se exhibe en dicho espacio nunca está sola y el lugar que ocupa no lo posee. Se propone entonces una bienal más callejera, en palabras del propio Gerardo Mosquera. Paradójicamente, buscamos alejarnos de la centralización que tiene el cubo blanco como espacio expositivo “acercando” la obra artística a través de la acción contemplativa de la observación en el espacio social. Una bienal que se extiende hacia afuera, en lugar de una instalación dentro de cuatro paredes.

La bienal incluso irá más allá del mundo “físico” con la propuesta de una exposición virtual pues es inevitable pensar que en la actualidad el arte no conmuta entre estos dos planos como respuesta a la necesidad de inmediatez de este siglo.

Otro objetivo pedagógico buscará alejarse del juego educador/alumno, a partir de la educación comunitaria; eliminando el tema y las idealizaciones alrededor del mismo como eje central de una curaduría y sustituyéndolo por una metodología que busque propuestas artísticas que dialoguen con formas comunicativas rizomáticas a partir de la solidaridad y el conocimiento social-comunitario.

Esperanza de León en proyecto comunitario. Imagen cortesía de Fundación Paiz

En el 2018 sería perjudicial para el arte no reconocer lo que sucede en el mundo, en las acciones políticas, comerciales y sociales. Javier Payeras, escritor guatemalteco tuiteaba hace unos días: “Tener claridad significa saber que el paso siguiente sirve para corregir o continuar lo que hemos venido caminando […]”.

Eso es precisamente lo que busca este modelo curatorial; romper con la lógica global del mundo del arte, eliminar los ideales estereotipados, encontrar y hablar desde un aquí, que reconoce a los de aquí como dicotomías entre centros y periferias, artistas no globales que conjugan, construyen y crean un metalenguaje artístico, desde su propia esencia.

A través de la decodificación se busca trabajar con experiencias, valores, identidades, contextos y situaciones particulares y comunes para generar un pluralismo activo. En esta edición que tiene su inauguración el 16 de agosto del presente año, la bienal se perfila como un proyecto ambicioso que se desarrolla en un mundo distópico donde el arte adquiere de nuevo una función reivindicadora dentro de la sociedad, planteándose lejos de una idea endogámica para convertirse en un enlace estrecho para el reconocimiento entre aquellos que nunca hemos estado separados pero que no somos capaces de mirarnos unos a otros debido a una pared invisible que nos divide a partir de la representación.

¿Qué pretende pues esta bienal? En palabras de Gerardo Mosquera, “nuevas posibilidades y radicalidad”. Ambiciosos objetivos, que si bien abstractos y amplios, son lo que más me enamora del proyecto: la idea de tener una “nueva posibilidad” planteando ésta como un conjunto de pensamientos, sentimientos y elecciones renovadas que nos alejen de la contemplación individual de una obra de arte y nos inauguren al diálogo, al cuestionamiento y a la crítica en comunidad para facilitar su presencia en todos los espacios, en todos los cuerpos y en todas las voces que se involucren. Aunque dichas nuevas posbilidades aún no son posibles de describir o conocer a cabalidad pues de los discursos comunitarios surgirán las ideas que nos dirigirán específicamente a ellas.

Gerardo Mosquera en San Pedro la Laguna, Guatemala. Imagen cortesía de Fundación Paiz

Una idea muy apropiada para traer a esta reflexión es el texto Arte y pedagogía de Luis Camnitzer donde plantea que atacar pequeños procesos del mundo de la élite del arte no sirve de nada, sino que se trata de reconocer al arte como un proceso dentro de la pedagogía que había pasado a segundo plano por los malabarismos discursivos. La pedagogía, parafraseando a Deleuze y Guattari, como una cadena semiótica no solo lingüística sino también perceptiva, mimética, gestual y cognitiva que descentraliza el lenguaje a otras dimensiones.

Como conclusión, para mí que vivo en la ciudad de Guatemala y todos los días atravieso el centro histórico para llegar al trabajo, que convivo y vivo con artistas —amigos y no tan amigos—, que soy producto del sistema educativo como alumna, maestra y crítica del mismo, la bienal me ofrece la posibilidad de generar comunidad y la alternativa de reconocernos no como enemigos, sino como miembros de un proceso que nos permite generar camaradería, entre realidades y burbujas, entre nosotros y los demás, utilizando el metalenguaje artístico como el inicio de una etapa más crítica, discursiva e inclusiva del mundo del arte.

Puede ser que funcione o que fracase, pero lo que realmente importa es que somos capaces de hablar en voz alta desde este país en el que el surrealismo se patentiza cada instante. Escribo desde un centro histórico que por las fiestas navideñas ha creado en su plaza central una pista de hielo rodeada de palmeras disfrazadas de dulces navideños, enmarcando nuestra máscara y nuestra identidad, que al final de cuentas es una artilugiada forma de reconocernos.

Nota:
1. Enrique Dussel. Filosofía de la liberación. Editorial Nueva América, Bogotá, 1996.

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Retratos, cartas, libros y flores

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